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<p id="typeDoc-pageDecouverte" class="typeDoc--page-decouverte">Page découverte</p> <script type="text/javascript">// <![CDATA[ $(document).ready(function() { console.log(window.location.pathname.substring(1)); $.ajax({ url: 'https://pad.philharmoniedeparis.fr/MediaProviderStats.svc/AddConsultationStat', data: JSON.stringify({ "who": master.userDisplayName, "eid": window.location.pathname.substring(1), "docType": "pagesDecouverte", "title": document.title, "institution": master.bibName, "provider": "CIMU" }), contentType: 'application/json; charset=utf-8', dataType: 'json', type: 'POST', success: function(result, opts) { console.log('success stats'); }}); }); // ]]></script>
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<figure><img title="Venise, le Bucentaure de San Marco le jour de l'Ascension, peinture de Canaletto, 1733-1734, Royal Collection, Buckingham Palace" alt="Venise, le Bucentaure de San Marco le jour de l'Ascension, peinture de Canaletto, 1733-1734, Royal Collection, Buckingham Palace" src="https://drop.philharmoniedeparis.fr/CMDP/CMDP000010700/Venise-le-bucentaure-Canaletto-1733-1734-Royal-Collection-Buckingham-Palace.jpg" width="660" responsive="true" /> <figcaption><cite>Venise, le Bucentaure de San Marco le jour de l’Ascension</cite>, peinture de Canaletto, 1733-1734. Royal Collection, Buckingham Palace</figcaption></figure>
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<p>En déclin économique depuis près de deux siècles, Venise connaît, aux XVII<sup>e</sup> et XVIII<sup>e</sup> siècles, un bouillonnement musical intense. Face aux difficultés économiques, les Vénitiens préfèrent s’adonner aux festivités et tous les voyageurs de passage ne manquent pas d’être étonnés par l’intensité de la vie musicale de la ville.</p> <blockquote>Les canaux sont pleins de gondoles, la place San Marco est remplie de monde et, jusqu’aux rives des canaux, partout retentissent des chants harmonieux. Les gens du peuple ont l’habitude de chanter en se promenant bras dessus, bras dessous, si bien qu’ils semblent converser en musique de même que dans les gondoles sur l’eau.</blockquote> <p>(Charles Burney, <cite>The Present State of Music in France and Italy</cite>, Londres, 1771. Cité par Olivier Lexa dans <cite>La Musique à Venise</cite>, Arles, Actes Sud, 2015.)</p>
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<figure><img title="Il concertino, peinture de Pietro Longhi, 1741, Gallerie dell'Accademia, photo de Didier Descouens, CC BY-SA 4-0" alt="Il concertino, peinture de Pietro Longhi, 1741, Gallerie dell'Accademia, photo de Didier Descouens, CC BY-SA 4-0" src="https://drop.philharmoniedeparis.fr/CMDP/CMDP000010700/Il-concertino-Pietro-Longhi-1741-Gallerie-dellAccademia-photo-Didier-Descouens-CC-BY-SA-4-0_350.jpg" width="300" responsive="true" /> <figcaption><cite>Il concertino</cite> (détail), peinture de Pietro Longhi, 1741. Gallerie dell’Accademia, photo de Didier Descouens CC BY-SA 4.0</figcaption></figure> <p>Très tôt, Venise développe une tradition purement instrumentale, appuyée par les nombreux facteurs d’instruments et l’édition musicale très active. Le premier recueil destiné à un ensemble exclusivement instrumental édité à Venise date de 1540. Les instruments de musique sont présents dans presque toutes les maisons, la musique se retrouve en plein air pour les bals masqués, les grandes processions de la cité, le carnaval (qui atteint son paroxysme au XVIII<sup>e</sup> siècle, durant environ six mois chaque année), les gondoliers chantent des barcarolles à la demande de prétendants. Cet appétit musical permet à des genres de musique de chambre de se développer comme la <span class="soundcite" title="Ziani - Sonate XV, 3e mouvement - Antonio Florio, direction ; Cappella della Pietà de’ Turchini" data-url="https://drop.philharmoniedeparis.fr/exemples/audio/EX24700.mp3" data-start="0" data-end="85000" data-plays="1">sonate</span>, la <span class="soundcite" title="Vivaldi - Vengo a voi, luci adorate, aria « Sempre penare senza speranza » - Rinaldo Alessandrini, direction et clavecin ; Concerto Italiano ; Roberta Invernizzi, soprano" data-url="https://drop.philharmoniedeparis.fr/exemples/audio/EX24702.mp3" data-start="0" data-end="105000" data-plays="1">cantate</span> ou encore le madrigal (à son apogée avec les œuvres de <a class="popVideoExtrait" title="Monteverdi - Livre VIII « Ogni amante è guerrier » - Paul Agnew, ténor, direction ; Sean Clayton, ténor ; Les Arts Florissants" data-content="exemples/video/EX11340" data-poster="exemples/video/generique-video.png">Monteverdi</a>), destinés aux innombrables représentations dans les <i lang="it">case</i> et les <i lang="it">palazzi</i>.</p> <h2>L’opéra</h2> <p>En 1637, le premier théâtre d’opéra public payant (le Teatro San Cassiano) ouvre à Venise, très vite suivi par d’autres. L’un des premiers compositeurs à en tirer profit est Monteverdi (1567-1643) avec <a class="popVideoExtrait" title="Monteverdi - Le Retour d’Ulysse dans sa patrie, Acte III - Claudio Cavina, direction ; La Venexiana ; Mirko Guadagnini (Ulysse) ; Oksana Lazareva (Pénélope)" data-content="exemples/video/EX11119" data-poster="exemples/video/generique-video.png"><cite lang="it">Il Ritorno d’Ulisse in patria</cite></a> (1640 au San Cassiano) et <span class="soundcite" title="Monteverdi - Le Couronnement de Poppée, Acte III « Pur ti miro » - Claudio Cavina, direction ; La Venexiana ; Emanuela Galli, Poppea ; Roberta Mameli, Nerone" data-url="https://drop.philharmoniedeparis.fr/exemples/audio/EX11133.mp3" data-start="0" data-end="111000" data-plays="1"><cite lang="it">L’Incoronazione di Poppea</cite></span> (1643 au SS. Giovanni e Paolo). Après lui, le plus grand représentant de l’opéra vénitien du milieu du XVII<sup>e</sup> siècle est sans conteste <span class="soundcite" title="Cavalli - La Calisto, acte II scène 1, Lucidissima face - William Christie, direction ; Les Arts Florissants ; Michal Czerniawski, contre-ténor" data-url="https://drop.philharmoniedeparis.fr/exemples/audio/EX24704.mp3" data-start="0" data-end="188000" data-plays="1">Francesco Cavalli</span> (1602-1676). Il assoit les caractéristiques du genre : son style populaire, son écriture simple et ses intrigues riches en rebondissements, en épisodes comiques et en tableaux à machines séduisent le public.</p> <p>À la fin du XVII<sup>e</sup> siècle, l’opéra vénitien, influencé par les villes voisines (notamment Naples), dérive vers un genre où priment les <a class="dfn" href="#?w=450" rel="04">arias da capo</a><span id="04" class="definition" href="#">L’aria da capo est un air de forme ABA’, où A’ est une reprise ornementée de A. Cette forme d’air sera la forme privilégiée de l’<i>opera seria</i>.</span> virtuoses dans lesquels brillent les chanteurs, au détriment du déroulement naturel de l’intrigue. Les maisons d’opéra fleurissent de plus en plus (on n’en comptera pas moins de 14 à la fin du XVIII<sup>e</sup>) et se livrent une concurrence acharnée en invitant les castrats et les cantatrices les plus renommés pour des démonstrations de virtuosité et en proposant des productions grandioses.<br /> Sous l’impulsion de l’Accademia degli Animosi (fondée en 1691) et <a class="dfn" href="#w?=450" rel="01">d’Apostolo Zeno</a><span id="01" class="definition" href="#">Il a écrit les livrets de plus de 70 opéras répertoriés mis en musique par Alessandro Scarlatti, Porpora, Bononcini, Vivaldi, Caldara, Jomelli…</span>, son fondateur, Venise amorce alors la grande réforme de l’<i lang="it">opera seria</i> visant à libérer le livret des intermèdes comiques, à y rétablir un certain ordre moral, et affranchir les poètes de la tyrannie des chanteurs, imprésarios et scénographes. Le compositeur Benedetto Marcello dénoncera également ces excès dans son ouvrage satyrique <cite lang="it">Il Teatro alla moda</cite>, publié anonymement en 1720. Pourtant, les spectateurs sont toujours friands de ces <a class="popVideoExtrait" title="Vivaldi - Ottone in villa, aria « Gelosia, tu già rendi l'alma mia » - William Christie, direction ; Lea Desandre, mezzo-sporano ; Les Arts Florissants" data-content="exemples/video/EX22204" data-poster="exemples/video/generique-video.png">arias</a> aux effets vocaux pyrotechniques et des rivalités entre chanteurs (le castrat Farinelli, la <i lang="it">prima donna</i> Francesca Cuzzoni…) et il faudra attendre quelque temps pour que l’<i lang="it">opera seria</i> connaisse finalement une désaffection du public vénitien au profit de genres plus légers comme le <i lang="it">dramma giocoso</i>, illustré par Baldassare Galuppi (1706-1785) et préfigurant l’opera buffa.</p>
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<p>La musique religieuse n’est pas en reste : la ville est parsemée d’églises avec une abondante activité musicale. Les grandes institutions religieuses vénitiennes associent très tôt les instruments aux voix dans les offices religieux, se démarquant ainsi de la pratique romaine, et se dotent d’orchestres permanents. L’architecture de la basilique San Marco inspirera les compositeurs pour créer une écriture polychorale (<i lang="it">cori spezzati</i>), jouant sur la spatialisation des chanteurs et musiciens : <span class="soundcite" title="Gabrieli A. - Deus, qui beatum marcum - Peter Phillips, direction ; The Tallis Scholars" data-url="https://drop.philharmoniedeparis.fr/exemples/audio/EX24706.mp3" data-start="0" data-end="89000" data-plays="1">Andrea Gabrieli</span> (1533-1585) par exemple et son neveu, <span class="soundcite" title="Gabrieli G. - Sacrae Symphoniae, Sanctus a 12 voci in 3 cori - Jean Tubéry, direction ; Ensemble La Fenice ; Nederlands Kamerkoor" data-url="https://drop.philharmoniedeparis.fr/exemples/audio/EX24708.mp3" data-start="0" data-end="105000" data-plays="1">Giovanni Gabrieli</span> (1554~1557-1612), mais également <span class="soundcite" title="Vivaldi - Domine ad adjuvandum me festina, Chor - Paul Agnew, direction ; Les Arts Florissants" data-url="https://drop.philharmoniedeparis.fr/exemples/audio/EX24710.mp3" data-start="0" data-end="76000" data-plays="1">Antonio Vivaldi</span> (1678-1741).</p> <p>La fonction de maître de chapelle à San Marco est très convoitée par les musiciens. Nommé à ce prestigieux poste en 1613, Monteverdi y restera jusqu’à sa mort en 1643. Peu d’œuvres sacrées datant de cette époque nous sont parvenues à l’exception du recueil <span class="soundcite" title="Monteverdi - Selva morale e spirituale, Missa a 4 voci da capella, Crucifixus - Jean Tubéry, direction; Ensemble La Fenice; Nederlands Kamerkoor" data-url="https://drop.philharmoniedeparis.fr/exemples/audio/EX24712.mp3" data-start="0" data-end="134000" data-plays="1"><cite>Selva morale e spirituale</cite></span> (1640) et de la <cite>Messa a 4 voci e salmi</cite> publiée en 1650 à titre posthume.<br /> D’autres compositeurs talentueux occupent le poste de maître de chapelle : Francesco Cavalli (de 1668 à 1676), Giovanni Legrenzi (de 1685 à 1690), <span class="soundcite" title="Lotti - Crucifixus a 8 - Peter Phillips, direction ; The Tallis Scholars" data-url="https://drop.philharmoniedeparis.fr/exemples/audio/EX24714.mp3" data-start="0" data-end="117000" data-plays="1">Antonio Lotti</span> (de 1736 à 1740), Baldassare Galuppi (de 1762 à 1785)… Très souvent, ces maîtres de chapelle sont également de fameux compositeurs de musique profane (la cité considérant que leur réputation contribue à celle de Venise) et, sous l’influence de l’opéra, le style moderne envahit progressivement les compositions religieuses.</p>
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<figure><img title="Place Saint-Marc, peinture de Canaletto, 1740-1750. Musée d’Art contemporain de Rolandseck, CC-PD" alt="Place Saint-Marc, peinture de Canaletto, 1740-1750. Musée d’Art contemporain de Rolandseck, CC-PD" src="https://drop.philharmoniedeparis.fr/CMDP/CMDP000010700/Place-Saint-Marc-Canaletto-1740-1750-musee-dArt-contemporain-de-Rolandseck-CC-PD.jpg" width="660" responsive="true" /> <figcaption><cite>Place Saint-Marc</cite> (détail), peinture de Canaletto, 1740-1750. Musée d’Art contemporain de Rolandseck</figcaption></figure>
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<h2>Les <i lang="it">ospedali</i></h2> <p>Les <a class="dfn" href="#w?=450" rel="03"><i lang="it">ospedali</i></a><span id="03" class="definition" href="#">Littéralement « hôpitaux », on en compte quatre à Venise : l’Ospedale della Pietà, dei Mendicanti, degli Incurabili et l’Ospedaletto di SS. Giovanni e Paolo.</span> montrent les liens étroits entre le profane et le sacré à Venise. Ils accueillent des enfants issus des milieux les plus modestes et des orphelins, soignent des malades, accueillent des personnes âgées. Les jeunes filles y reçoivent une éducation musicale sans précédent, au terme de laquelle elles quitteront l’institution pour se marier ou pour prendre le voile. Les <i lang="it">ospedali</i> embauchent les meilleurs professeurs et compositeurs (Vivaldi enseignera le violon à la Pietà dès ses 25 ans) grâce aux dons qu’ils reçoivent. Afin d’encourager ces dons, ils organisent des concerts des <a class="dfn" href="#w?=450" rel="02"><i lang="it">putte</i></a><span id="02" class="definition" href="#">nom donné aux élèves musiciennes</span> dans leurs églises. Celles-ci vivent recluses et ne doivent pas être vues du public ; elles se produisent depuis des loges grillagées, entretenant ainsi l’imagination de leurs auditeurs. Elles interprètent des motets et oratorios sacrés, mais également de la musique instrumentale profane : les sonates et concertos composés à leur intention témoignent de leur grande virtuosité. C’est à l’Ospedale della Pietà que Vivaldi révolutionne le <a class="popVideoExtrait" title="Vivaldi - Concerto pour violon « L'inquietudine » RV 234, I. Allegro molto - Giovanni Antonini, direction ; Il Giardino Armonico ; Viktoria Mullova, violon" data-content="exemples/video/EX24716" data-poster="exemples/video/generique-video.png">concerto</a>, donnant un rôle structurel au soliste et systématisant l’usage de la forme à ritournelle. La réputation des jeunes filles se répand dans toute l’Europe et la République de Venise fait appel à elles lors de ses grandes réceptions diplomatiques.</p>
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<p>Auteure : Adèle Gornet</p>
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<p><a id="printPdf" class="btn btn-default" title="Fichier au format PDF (nouvel onglet)" onclick="printPdf()" href="#"><img alt="Imprimer" src="https://philharmoniedeparis.fr/profiles/pdp/themes/pdp_theme/img/print.png" />Imprimer</a></p>
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<p class="sidebar-heading">À voir aussi</p>
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<!-- CMS SHORT --> <div class="uniCMS-short"> <p class="cim-short-duree-type-doc typeDeDoc line"> Portrait </p> <h3 class="title template-title" title=" Portrait de Giovanni Gabrieli">Portrait de Giovanni Gabrieli</h3> <p class="template-resume"> Entre Renaissance et baroque, Giovanni Gabrieli (entre 1554 et 1557 - 1612) compose encore dans un style polyphonique tout en se montrant innovant, notamment dans sa musique instrumentale. </p> <p class="page-cms"> <a class="link-absoluteUri btn btn-default" href="https://pad.philharmoniedeparis.fr/0035059-biographie-giovanni-gabrieli.aspx" title="Consulter" id="1276">Consulter</a> </p> </div> <style> .uniCMS-short .typeDeDoc{ display:none; } </style> <!-- /CMS SHORT -->
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Portrait de Giovanni Gabrieli
Entre Renaissance et baroque, Giovanni Gabrieli (entre 1554 et 1557 - 1612) compose encore dans un style polyphonique tout en se montrant innovant, notamment dans sa musique instrumentale.
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Giovanni Gabrieli (entre 1554 et 1557-1612),
Venise à l’époque de Gabrieli L’effervescence artistique, le goût pour l’apparat, la nécessité de la fête font rayonner Venise au XVIe siècle. Grâce à sa situation géographique propice aux échanges commerciaux internationaux, la Cité des Doges a engrangé d’énormes richesses. La ville est somptueuse, l’art est coloré. Les nouveaux horizons que la redécouverte de l’Antiquité a fait naître modèlent de nouvelles sensibilités. L’art musical italien, ancré dans des traditions locales de la frottolaForme musicale populaire d’écriture le plus souvent monodique. et du madrigalComposition polyphonique du XVIe siècle italien., se fertilise au contact des musiques de l’école franco-flamandeÉcole musicale associée notamment aux noms de Guillaume Dufay et de Gilles Binchois pour le début du XVe siècle et à ceux de Johannes Ockeghem, de Jacob Obrecht, de Josquin des Prés et de Roland de Lassus pour la seconde moitié de ce siècle, compositeurs qui assouplissent progressivement les règles de l’écriture contrapuntique savante et qui font presque tous le Voyage en Italie. et des chansons polyphoniques françaisesChanson à plusieurs voix, à la mode à la cour de France, caractérisée par son style alerte et primesautier ; par exemple La Guerre de Janequin, Il est bel et bon de Passereau, Mignonne allons voir si la rose de Costeley…. À l’image d’autres grandes villes italiennes, Venise participe de cet élan musical novateur. Le XVIe siècle voit l’émancipation progressive des instruments qui se libèrent de la tutelle de la musique vocale ; les compositeurs les utilisent plus fréquemment et de manière plus idiomatique. Giovanni Gabrieli compose de la musique vocale destinée à un ou plusieurs chœurs mais la richesse de l’offre instrumentale à Venise lui permet d’intégrer de nombreux instruments à ses compositions, ceux-là doublant les parties vocales ou bien s’organisant dans des sections autonomes et indépendantes alternant avec les voix ; il compose aussi des œuvres purement instrumentales. Les instruments à sa disposition sont nombreux : violes, violonsCet instrument est nouveau à l’époque. Inventé au XVe siècle, amélioré tout au long des XVIe et XVIIe siècles, d’abord utilisé pour les musiques populaires, il acquiert ses lettres de noblesse petit à petit avec le mûrissement de la facture instrumentale, jusqu’aux avancées déterminantes des facteurs d’instruments italiens tels que Gaspar da Salo, Amati, Stradivarius, Guarneri, etc…, et prendra progressivement la place de la famille des violes. , luths, flûtes, trompettes, cornets, trombones, doulcianesOu encore douçaine, ancêtre du basson.... L’usage de l’époque veut que le nom des instruments ne soit pas précisé sur les partitions. Au bord de la lagune, la basilique Saint-Marc et ses qualités acoustiques exceptionnelles constituent l’écrin idéal que de nombreux compositeurs ont utilisé pour composer des œuvres spatialisées. La présence de deux orgues se faisant face, de part et d’autre des tribunes du chœur, favorise la communication entre deux groupes de musiciens, chanteurs ou instrumentistes et crée des effets de résonance, d’écho, de masse, suggérant le volume, la dynamique. La composition pour chœurs séparés (cori spezzati) est probablement à l’origine des formes musicales baroques telles que le concerto grosso et le concerto de soliste.,
Le Doge de Venise quittant la basilique San Marco pour distribuer de l’argent au peuple © Library of Congress,
Vie du compositeur Giovanni Gabrieli est un compositeur italien des XVIe et XVIIe siècles (République de Venise, 1554 ou 1557-1612). C’est de son oncle Andrea Gabrieli que Giovanni Gabrieli reçut ses premières leçons de musique et, bien qu’il entreprit un voyage à MunichLa cour de Munich, en Bavière, est dirigée par la famille ducale Wittelsbach depuis le XIIe siècle et fait partie à cette époque du Saint Empire germanique. Elle jouit d’une exceptionnelle popularité au XVIe siècle en raison de la magnificence que le prestige de sa vie musicale contribue à mettre en valeur dans toute l’Europe. On y trouve notamment un vaste ensemble instrumental en résidence qui rayonne et qui est à l’origine des ensembles instrumentaux vénitiens qui vont fleurir dans le seconde moitié du XVIe siècle. pour se former auprès de Roland de LassusRoland de Lassus, compositeur né à Mons, Belgique, en 1532 et mort à Munich en 1594 est un adepte de l’écriture polyphonique de l’école franco-flamande et synthétise la musique de son époque., et un autre à MonsMons est une ville du Hainaut, en Belgique, qui devint une province française en 1477, date de sa conquête par le roi Louis XI après la mort de Charles le Téméraire, dernier Duc de Bourgogne. auprès de Claudio Merulo, son œuvre musicale est étroitement liée à la Cité des Doges où il séjourna toute sa vie. C’est à la basilique Saint-Marc qu’il concentra ses efforts d’instrumentiste lors de sa nomination au poste de premier organiste en 1584, prenant la succession de son oncle Andrea Gabrieli. Il composa pour cet instrument des ricercari, des canzone, des toccatas. Ses œuvres pour ensemble instrumental sont destinées à des formations dont ni le nom ni l’effectif ne sont précisés sur les partitions. Ces œuvres auront une influence durable sur l’évolution de la musique instrumentale, notamment sur l’évolution des formes musicales au XVIIe siècle. L’ensemble de son corpus fut édité dans plusieurs publications : Sacrae Symphoniae de 1597, Canzone per sonare con ogni sorte di stromenti, volume imprimé par Raveri en 1608 et qui contient des œuvres de plusieurs compositeurs, Sacrae Symphoniae de 1615. Son influence dépassera les frontières de l’Italie. Gabrieli eut de nombreux élèves dont le compositeur allemand Heinrich Schütz (1585–1672) qui adapta le style vénitien au goût germanique.,
Style du compositeur Le style du compositeur est au carrefour de deux époques artistiques majeures : la Renaissance et l’époque baroque. La Renaissance est caractérisée par l’écriture polyphonique de l’école franco-flamande mise au goût du jour à Venise par les œuvres d’Adriaan Willaert, compositeur né à Bruges (vers 1485) et mort à Venise (en 1562), auteur d’œuvres vocales à double chœur, de pièces instrumentales, de madrigaux… Giovanni Gabrieli utilise largement les techniques de cette écriture (contrepoint…) mais innove notamment dans sa musique instrumentale : la timide émergence de certains éléments caractéristiques (écriture en imitation souple et franche, dialogue de masses chorales, alternance des voix et des instruments, embryon de basse continue…) va permettre l’émergence du style baroque. L’exceptionnelle adaptation de Giovanni Gabrieli à son milieu naturel artistique fait de lui un maillon essentiel dans l’évolution des styles. À l’image de sa musique vocale, la musique instrumentale de Giovanni Gabrieli trace de nouveaux sillons. Les instruments sont mis en valeur pour eux-mêmes (le nom des instruments n’est pas précisé dans les partitions, les familles instrumentales n’existent pas au sens d’aujourd’hui). Comme l’ont fait ses prédécesseurs, Giovanni Gabrieli utilise l’architecture et l’acoustique de la basilique Saint-Marc pour composer des œuvres à un ou plusieurs chœurs spatialisés auxquels se joignent un ou plusieurs ensembles instrumentaux dont la richesse de timbres s’accorde bien avec la somptuosité des lieux. La spatialisation crée des effets de dynamique dont Gabrieli sait prendre toute la mesure (Gabrieli est d'ailleurs l’un des premiers compositeurs à indiquer les nuances sur la partition, voir par exemple la Sonate pian’e forte). La musique de Gabrieli est également jouée lors des nombreuses et somptueuses fêtes données pour marquer le prestige de la Sérénissime, à la Scuola San Rocco par exemple. Le témoignage des visiteurs étrangers est éloquent, on chante les louanges de Gabrieli dans toute l’Europe ! Malgré son statut de musicien de transition, son aisance, sa clarté, son inventivité, sa capacité à créer des compositions richement colorées et grandioses parfaitement adaptées au lieu et au temps font de Giovanni Gabrieli un musicien incontournable.,
Des pistes pédagogiques autour de ce contenu sont disponibles sur le portail de la Philharmonie de Paris. Consulter En cliquant sur Consulter, vous accédez à un site à destination des élèves et des enseignants de l'Éducation Nationale. ,
Pistes pédagogiques Musique et Français : écouter Mignonne, allons voir si la rose de Guillaume Costeley (vers 1530-1606) : - identifier les passages homorythmiques (le premier à « Las las… » avec l’arrivée de la basse ; le deuxième à « Cueillez, cueillez ») et les passages en imitation (Combien entend-on de voix ?) ; - quel effet ces deux techniques vocales instillent-elles dans l’esprit de l’auditeur ? (diversité de la nature, son aspect païen, spontanéité des échanges humains, la curiosité et l’inéluctable...). Géographie : écrire les pays et les villes citées sur une carte muette de l’Europe (Italie, Allemagne, Belgique, France). Musique : établir une galerie de portrait des compositeurs cités dans le texte. ,
Suggestions d’écoutes Messes L’Homme armé de Guillaume Dufay ou de Josquin des Prés Musique instrumentale de la Renaissance Une œuvre vocale de Giovanni Gabrieli (Magnificat, Hodie Christus natus est), une œuvre instrumentale pour l’orgue (Ricercar del primo tono par exemple) ,
Auteur : Frédéric Lagès,
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Entre Renaissance et baroque, Giovanni Gabrieli (entre 1554 et 1557 - 1612) compose encore dans un style polyphonique tout en se montrant innovant, notamment dans sa musique instrumentale.
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Giovanni Gabrieli (entre 1554 et 1557-1612),
Venise à l’époque de Gabrieli L’effervescence artistique, le goût pour l’apparat, la nécessité de la fête font rayonner Venise au XVIe siècle. Grâce à sa situation géographique propice aux échanges commerciaux internationaux, la Cité des Doges a engrangé d’énormes richesses. La ville est somptueuse, l’art est coloré. Les nouveaux horizons que la redécouverte de l’Antiquité a fait naître modèlent de nouvelles sensibilités. L’art musical italien, ancré dans des traditions locales de la frottolaForme musicale populaire d’écriture le plus souvent monodique. et du madrigalComposition polyphonique du XVIe siècle italien., se fertilise au contact des musiques de l’école franco-flamandeÉcole musicale associée notamment aux noms de Guillaume Dufay et de Gilles Binchois pour le début du XVe siècle et à ceux de Johannes Ockeghem, de Jacob Obrecht, de Josquin des Prés et de Roland de Lassus pour la seconde moitié de ce siècle, compositeurs qui assouplissent progressivement les règles de l’écriture contrapuntique savante et qui font presque tous le Voyage en Italie. et des chansons polyphoniques françaisesChanson à plusieurs voix, à la mode à la cour de France, caractérisée par son style alerte et primesautier ; par exemple La Guerre de Janequin, Il est bel et bon de Passereau, Mignonne allons voir si la rose de Costeley…. À l’image d’autres grandes villes italiennes, Venise participe de cet élan musical novateur. Le XVIe siècle voit l’émancipation progressive des instruments qui se libèrent de la tutelle de la musique vocale ; les compositeurs les utilisent plus fréquemment et de manière plus idiomatique. Giovanni Gabrieli compose de la musique vocale destinée à un ou plusieurs chœurs mais la richesse de l’offre instrumentale à Venise lui permet d’intégrer de nombreux instruments à ses compositions, ceux-là doublant les parties vocales ou bien s’organisant dans des sections autonomes et indépendantes alternant avec les voix ; il compose aussi des œuvres purement instrumentales. Les instruments à sa disposition sont nombreux : violes, violonsCet instrument est nouveau à l’époque. Inventé au XVe siècle, amélioré tout au long des XVIe et XVIIe siècles, d’abord utilisé pour les musiques populaires, il acquiert ses lettres de noblesse petit à petit avec le mûrissement de la facture instrumentale, jusqu’aux avancées déterminantes des facteurs d’instruments italiens tels que Gaspar da Salo, Amati, Stradivarius, Guarneri, etc…, et prendra progressivement la place de la famille des violes. , luths, flûtes, trompettes, cornets, trombones, doulcianesOu encore douçaine, ancêtre du basson.... L’usage de l’époque veut que le nom des instruments ne soit pas précisé sur les partitions. Au bord de la lagune, la basilique Saint-Marc et ses qualités acoustiques exceptionnelles constituent l’écrin idéal que de nombreux compositeurs ont utilisé pour composer des œuvres spatialisées. La présence de deux orgues se faisant face, de part et d’autre des tribunes du chœur, favorise la communication entre deux groupes de musiciens, chanteurs ou instrumentistes et crée des effets de résonance, d’écho, de masse, suggérant le volume, la dynamique. La composition pour chœurs séparés (cori spezzati) est probablement à l’origine des formes musicales baroques telles que le concerto grosso et le concerto de soliste.,
Le Doge de Venise quittant la basilique San Marco pour distribuer de l’argent au peuple © Library of Congress,
Vie du compositeur Giovanni Gabrieli est un compositeur italien des XVIe et XVIIe siècles (République de Venise, 1554 ou 1557-1612). C’est de son oncle Andrea Gabrieli que Giovanni Gabrieli reçut ses premières leçons de musique et, bien qu’il entreprit un voyage à MunichLa cour de Munich, en Bavière, est dirigée par la famille ducale Wittelsbach depuis le XIIe siècle et fait partie à cette époque du Saint Empire germanique. Elle jouit d’une exceptionnelle popularité au XVIe siècle en raison de la magnificence que le prestige de sa vie musicale contribue à mettre en valeur dans toute l’Europe. On y trouve notamment un vaste ensemble instrumental en résidence qui rayonne et qui est à l’origine des ensembles instrumentaux vénitiens qui vont fleurir dans le seconde moitié du XVIe siècle. pour se former auprès de Roland de LassusRoland de Lassus, compositeur né à Mons, Belgique, en 1532 et mort à Munich en 1594 est un adepte de l’écriture polyphonique de l’école franco-flamande et synthétise la musique de son époque., et un autre à MonsMons est une ville du Hainaut, en Belgique, qui devint une province française en 1477, date de sa conquête par le roi Louis XI après la mort de Charles le Téméraire, dernier Duc de Bourgogne. auprès de Claudio Merulo, son œuvre musicale est étroitement liée à la Cité des Doges où il séjourna toute sa vie. C’est à la basilique Saint-Marc qu’il concentra ses efforts d’instrumentiste lors de sa nomination au poste de premier organiste en 1584, prenant la succession de son oncle Andrea Gabrieli. Il composa pour cet instrument des ricercari, des canzone, des toccatas. Ses œuvres pour ensemble instrumental sont destinées à des formations dont ni le nom ni l’effectif ne sont précisés sur les partitions. Ces œuvres auront une influence durable sur l’évolution de la musique instrumentale, notamment sur l’évolution des formes musicales au XVIIe siècle. L’ensemble de son corpus fut édité dans plusieurs publications : Sacrae Symphoniae de 1597, Canzone per sonare con ogni sorte di stromenti, volume imprimé par Raveri en 1608 et qui contient des œuvres de plusieurs compositeurs, Sacrae Symphoniae de 1615. Son influence dépassera les frontières de l’Italie. Gabrieli eut de nombreux élèves dont le compositeur allemand Heinrich Schütz (1585–1672) qui adapta le style vénitien au goût germanique.,
Style du compositeur Le style du compositeur est au carrefour de deux époques artistiques majeures : la Renaissance et l’époque baroque. La Renaissance est caractérisée par l’écriture polyphonique de l’école franco-flamande mise au goût du jour à Venise par les œuvres d’Adriaan Willaert, compositeur né à Bruges (vers 1485) et mort à Venise (en 1562), auteur d’œuvres vocales à double chœur, de pièces instrumentales, de madrigaux… Giovanni Gabrieli utilise largement les techniques de cette écriture (contrepoint…) mais innove notamment dans sa musique instrumentale : la timide émergence de certains éléments caractéristiques (écriture en imitation souple et franche, dialogue de masses chorales, alternance des voix et des instruments, embryon de basse continue…) va permettre l’émergence du style baroque. L’exceptionnelle adaptation de Giovanni Gabrieli à son milieu naturel artistique fait de lui un maillon essentiel dans l’évolution des styles. À l’image de sa musique vocale, la musique instrumentale de Giovanni Gabrieli trace de nouveaux sillons. Les instruments sont mis en valeur pour eux-mêmes (le nom des instruments n’est pas précisé dans les partitions, les familles instrumentales n’existent pas au sens d’aujourd’hui). Comme l’ont fait ses prédécesseurs, Giovanni Gabrieli utilise l’architecture et l’acoustique de la basilique Saint-Marc pour composer des œuvres à un ou plusieurs chœurs spatialisés auxquels se joignent un ou plusieurs ensembles instrumentaux dont la richesse de timbres s’accorde bien avec la somptuosité des lieux. La spatialisation crée des effets de dynamique dont Gabrieli sait prendre toute la mesure (Gabrieli est d'ailleurs l’un des premiers compositeurs à indiquer les nuances sur la partition, voir par exemple la Sonate pian’e forte). La musique de Gabrieli est également jouée lors des nombreuses et somptueuses fêtes données pour marquer le prestige de la Sérénissime, à la Scuola San Rocco par exemple. Le témoignage des visiteurs étrangers est éloquent, on chante les louanges de Gabrieli dans toute l’Europe ! Malgré son statut de musicien de transition, son aisance, sa clarté, son inventivité, sa capacité à créer des compositions richement colorées et grandioses parfaitement adaptées au lieu et au temps font de Giovanni Gabrieli un musicien incontournable.,
Des pistes pédagogiques autour de ce contenu sont disponibles sur le portail de la Philharmonie de Paris. Consulter En cliquant sur Consulter, vous accédez à un site à destination des élèves et des enseignants de l'Éducation Nationale. ,
Pistes pédagogiques Musique et Français : écouter Mignonne, allons voir si la rose de Guillaume Costeley (vers 1530-1606) : - identifier les passages homorythmiques (le premier à « Las las… » avec l’arrivée de la basse ; le deuxième à « Cueillez, cueillez ») et les passages en imitation (Combien entend-on de voix ?) ; - quel effet ces deux techniques vocales instillent-elles dans l’esprit de l’auditeur ? (diversité de la nature, son aspect païen, spontanéité des échanges humains, la curiosité et l’inéluctable...). Géographie : écrire les pays et les villes citées sur une carte muette de l’Europe (Italie, Allemagne, Belgique, France). Musique : établir une galerie de portrait des compositeurs cités dans le texte. ,
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Auteur : Frédéric Lagès,
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Giovanni Gabrieli (entre 1554 et 1557-1612),
Venise à l’époque de Gabrieli L’effervescence artistique, le goût pour l’apparat, la nécessité de la fête font rayonner Venise au XVIe siècle. Grâce à sa situation géographique propice aux échanges commerciaux internationaux, la Cité des Doges a engrangé d’énormes richesses. La ville est somptueuse, l’art est coloré. Les nouveaux horizons que la redécouverte de l’Antiquité a fait naître modèlent de nouvelles sensibilités. L’art musical italien, ancré dans des traditions locales de la frottolaForme musicale populaire d’écriture le plus souvent monodique. et du madrigalComposition polyphonique du XVIe siècle italien., se fertilise au contact des musiques de l’école franco-flamandeÉcole musicale associée notamment aux noms de Guillaume Dufay et de Gilles Binchois pour le début du XVe siècle et à ceux de Johannes Ockeghem, de Jacob Obrecht, de Josquin des Prés et de Roland de Lassus pour la seconde moitié de ce siècle, compositeurs qui assouplissent progressivement les règles de l’écriture contrapuntique savante et qui font presque tous le Voyage en Italie. et des chansons polyphoniques françaisesChanson à plusieurs voix, à la mode à la cour de France, caractérisée par son style alerte et primesautier ; par exemple La Guerre de Janequin, Il est bel et bon de Passereau, Mignonne allons voir si la rose de Costeley…. À l’image d’autres grandes villes italiennes, Venise participe de cet élan musical novateur. Le XVIe siècle voit l’émancipation progressive des instruments qui se libèrent de la tutelle de la musique vocale ; les compositeurs les utilisent plus fréquemment et de manière plus idiomatique. Giovanni Gabrieli compose de la musique vocale destinée à un ou plusieurs chœurs mais la richesse de l’offre instrumentale à Venise lui permet d’intégrer de nombreux instruments à ses compositions, ceux-là doublant les parties vocales ou bien s’organisant dans des sections autonomes et indépendantes alternant avec les voix ; il compose aussi des œuvres purement instrumentales. Les instruments à sa disposition sont nombreux : violes, violonsCet instrument est nouveau à l’époque. Inventé au XVe siècle, amélioré tout au long des XVIe et XVIIe siècles, d’abord utilisé pour les musiques populaires, il acquiert ses lettres de noblesse petit à petit avec le mûrissement de la facture instrumentale, jusqu’aux avancées déterminantes des facteurs d’instruments italiens tels que Gaspar da Salo, Amati, Stradivarius, Guarneri, etc…, et prendra progressivement la place de la famille des violes. , luths, flûtes, trompettes, cornets, trombones, doulcianesOu encore douçaine, ancêtre du basson.... L’usage de l’époque veut que le nom des instruments ne soit pas précisé sur les partitions. Au bord de la lagune, la basilique Saint-Marc et ses qualités acoustiques exceptionnelles constituent l’écrin idéal que de nombreux compositeurs ont utilisé pour composer des œuvres spatialisées. La présence de deux orgues se faisant face, de part et d’autre des tribunes du chœur, favorise la communication entre deux groupes de musiciens, chanteurs ou instrumentistes et crée des effets de résonance, d’écho, de masse, suggérant le volume, la dynamique. La composition pour chœurs séparés (cori spezzati) est probablement à l’origine des formes musicales baroques telles que le concerto grosso et le concerto de soliste.,
Le Doge de Venise quittant la basilique San Marco pour distribuer de l’argent au peuple © Library of Congress,
Vie du compositeur Giovanni Gabrieli est un compositeur italien des XVIe et XVIIe siècles (République de Venise, 1554 ou 1557-1612). C’est de son oncle Andrea Gabrieli que Giovanni Gabrieli reçut ses premières leçons de musique et, bien qu’il entreprit un voyage à MunichLa cour de Munich, en Bavière, est dirigée par la famille ducale Wittelsbach depuis le XIIe siècle et fait partie à cette époque du Saint Empire germanique. Elle jouit d’une exceptionnelle popularité au XVIe siècle en raison de la magnificence que le prestige de sa vie musicale contribue à mettre en valeur dans toute l’Europe. On y trouve notamment un vaste ensemble instrumental en résidence qui rayonne et qui est à l’origine des ensembles instrumentaux vénitiens qui vont fleurir dans le seconde moitié du XVIe siècle. pour se former auprès de Roland de LassusRoland de Lassus, compositeur né à Mons, Belgique, en 1532 et mort à Munich en 1594 est un adepte de l’écriture polyphonique de l’école franco-flamande et synthétise la musique de son époque., et un autre à MonsMons est une ville du Hainaut, en Belgique, qui devint une province française en 1477, date de sa conquête par le roi Louis XI après la mort de Charles le Téméraire, dernier Duc de Bourgogne. auprès de Claudio Merulo, son œuvre musicale est étroitement liée à la Cité des Doges où il séjourna toute sa vie. C’est à la basilique Saint-Marc qu’il concentra ses efforts d’instrumentiste lors de sa nomination au poste de premier organiste en 1584, prenant la succession de son oncle Andrea Gabrieli. Il composa pour cet instrument des ricercari, des canzone, des toccatas. Ses œuvres pour ensemble instrumental sont destinées à des formations dont ni le nom ni l’effectif ne sont précisés sur les partitions. Ces œuvres auront une influence durable sur l’évolution de la musique instrumentale, notamment sur l’évolution des formes musicales au XVIIe siècle. L’ensemble de son corpus fut édité dans plusieurs publications : Sacrae Symphoniae de 1597, Canzone per sonare con ogni sorte di stromenti, volume imprimé par Raveri en 1608 et qui contient des œuvres de plusieurs compositeurs, Sacrae Symphoniae de 1615. Son influence dépassera les frontières de l’Italie. Gabrieli eut de nombreux élèves dont le compositeur allemand Heinrich Schütz (1585–1672) qui adapta le style vénitien au goût germanique.,
Style du compositeur Le style du compositeur est au carrefour de deux époques artistiques majeures : la Renaissance et l’époque baroque. La Renaissance est caractérisée par l’écriture polyphonique de l’école franco-flamande mise au goût du jour à Venise par les œuvres d’Adriaan Willaert, compositeur né à Bruges (vers 1485) et mort à Venise (en 1562), auteur d’œuvres vocales à double chœur, de pièces instrumentales, de madrigaux… Giovanni Gabrieli utilise largement les techniques de cette écriture (contrepoint…) mais innove notamment dans sa musique instrumentale : la timide émergence de certains éléments caractéristiques (écriture en imitation souple et franche, dialogue de masses chorales, alternance des voix et des instruments, embryon de basse continue…) va permettre l’émergence du style baroque. L’exceptionnelle adaptation de Giovanni Gabrieli à son milieu naturel artistique fait de lui un maillon essentiel dans l’évolution des styles. À l’image de sa musique vocale, la musique instrumentale de Giovanni Gabrieli trace de nouveaux sillons. Les instruments sont mis en valeur pour eux-mêmes (le nom des instruments n’est pas précisé dans les partitions, les familles instrumentales n’existent pas au sens d’aujourd’hui). Comme l’ont fait ses prédécesseurs, Giovanni Gabrieli utilise l’architecture et l’acoustique de la basilique Saint-Marc pour composer des œuvres à un ou plusieurs chœurs spatialisés auxquels se joignent un ou plusieurs ensembles instrumentaux dont la richesse de timbres s’accorde bien avec la somptuosité des lieux. La spatialisation crée des effets de dynamique dont Gabrieli sait prendre toute la mesure (Gabrieli est d'ailleurs l’un des premiers compositeurs à indiquer les nuances sur la partition, voir par exemple la Sonate pian’e forte). La musique de Gabrieli est également jouée lors des nombreuses et somptueuses fêtes données pour marquer le prestige de la Sérénissime, à la Scuola San Rocco par exemple. Le témoignage des visiteurs étrangers est éloquent, on chante les louanges de Gabrieli dans toute l’Europe ! Malgré son statut de musicien de transition, son aisance, sa clarté, son inventivité, sa capacité à créer des compositions richement colorées et grandioses parfaitement adaptées au lieu et au temps font de Giovanni Gabrieli un musicien incontournable.,
Des pistes pédagogiques autour de ce contenu sont disponibles sur le portail de la Philharmonie de Paris. Consulter En cliquant sur Consulter, vous accédez à un site à destination des élèves et des enseignants de l'Éducation Nationale. ,
Pistes pédagogiques Musique et Français : écouter Mignonne, allons voir si la rose de Guillaume Costeley (vers 1530-1606) : - identifier les passages homorythmiques (le premier à « Las las… » avec l’arrivée de la basse ; le deuxième à « Cueillez, cueillez ») et les passages en imitation (Combien entend-on de voix ?) ; - quel effet ces deux techniques vocales instillent-elles dans l’esprit de l’auditeur ? (diversité de la nature, son aspect païen, spontanéité des échanges humains, la curiosité et l’inéluctable...). Géographie : écrire les pays et les villes citées sur une carte muette de l’Europe (Italie, Allemagne, Belgique, France). Musique : établir une galerie de portrait des compositeurs cités dans le texte. ,
Suggestions d’écoutes Messes L’Homme armé de Guillaume Dufay ou de Josquin des Prés Musique instrumentale de la Renaissance Une œuvre vocale de Giovanni Gabrieli (Magnificat, Hodie Christus natus est), une œuvre instrumentale pour l’orgue (Ricercar del primo tono par exemple) ,
Auteur : Frédéric Lagès,
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Portrait de Claudio Monteverdi
Entre Renaissance et baroque, Claudio Monteverdi (1567-1643) mène la quête d'une union parfaite entre poésie et musique, qui le conduira jusqu'à l'opéra dont il est l'un des fondateurs.
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Outils éducatifs, compositeur, biographie, portrait de compositeur, Claudio Monteverdi, canonical-pad
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Claudio Monteverdi (1567-1643),
Portrait de Monteverdi, peinture de Bernardo Strozzi, 1640. Tyrolean State Museum Ferdinandeum, Autriche,
Formation et premières œuvres à Crémone Claudio Monteverdi naît en 1567 à Crémonedans le nord de l’Italie, dans une famille aisée. Il bénéficie d’une bonne éducation générale et d’une solide éducation musicale : il apprend à jouer de la viole et étudie auprès de Marc’ Antonio Ingegneri, maître de chapelle à la cathédrale de Crémone, qui lui enseigne l’art du contrepointart d’agencer plusieurs mélodies de façon à ce que, entendues seules ou ensemble, elles soient harmonieuses. Très tôt, Monteverdi compose et publie ses premières œuvres (des motets, ses Livre I et Livre II de madrigaux ...) dans lesquelles il prend déjà certaines libertés avec le style rigoureux de l’école franco-flamandela polyphonie contrapuntique, c’est-à-dire une superposition de lignes musicales, harmonieuses entre elles et toutes d’importance égale alors dominant.,
Les années d'épanouissement à Mantoue En 1590, alors âgé de 23 ans, Monteverdi est engagé à Mantoue, l’une des cours les plus puissantes d’Italie, en tant que chanteur et joueur de viole. Très vite, il attire l’attention de Vincent Ier de Gonzague, duc de Mantoue. Extravagant, mais aussi violent, emporté et possessif, celui-ci n’en est pas moins avide de fêtes et amateur d’œuvres d’art. En 1602, il nomme Monteverdi maître de musique. Fort de cette nouvelle situation, le compositeur poursuit ses publications, et acquiert une solide réputation. Il s’adonne à tous les genres, aussi bien la musique de chambre (Livre III à Livre VI de madrigaux) que la musique d’église (la Missa « In illo Tempore » et les Vêpres de la Vierge) ou de théâtre, notamment avec son drame musical L’Orfeo (1607), l’une des premières œuvres dans le tout nouveau genre de l’opéra.,
La consécration à Venise Cependant, Monteverdi ne se satisfait pas de sa situation et songe à quitter Mantoue. En effet, désormais marié et père de deux enfants, la charge qu’il occupe est lourde et le salaire trop faible. À la mort de Vincent Ier en 1612, Monteverdi abandonne ses fonctions et se rend à Venise, où il obtient rapidement la charge très convoitée de maître de chapelle à la basilique Saint-Marc. Sa liberté est si grande qu’il peut laisser libre cours à sa créativité. Tout en poursuivant l’écriture des madrigaux, il compose plusieurs messes ainsi que des opéras, à la demande de notables de la ville. Il faut préciser qu’en 1637, le premier théâtre lyrique public (le Teatro San Cassiano) ouvre ses portes. Des huit opéras que Monteverdi aurait écrits, seuls trois nous sont parvenus relativement complets : L’Orfeo (1607), Le Retour d’Ulysse dans sa patrie (1640) et Le Couronnement de Poppée (1642). Entré dans les ordres à la fin de sa vie, c’est un homme célèbre qui meurt le 29 novembre 1643 à soixante-seize ans. La place Saint-Marc à Venise, peinture de Canaletto, vers 1723. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid,
Le langage musical de Monteverdi Les recherches de Monteverdi en matière d’écriture musicale s’inscrivent pleinement dans les préoccupations de son époque : la quête d’une plus grande expressivité, la volonté de « mettre en mouvement les passions » (movere gli affetti), en passant par une plus grande intelligibilité du texte, souvent brouillée dans la complexité des polyphonies franco-flamandes du XVIe siècle. Sans être l’initiateur du style nouveau émergeant de ces pensées humanistes, il sera cependant celui qui le mènera à son plus haut point. Figure même de la transition entre la Renaissance et le baroque, il réalise la synthèse entre ce qu’il appelle la prima pratticala polyphonie et le contrepoint rigoureux de l'école franco-flamande à la seconda pratticala monodie (chant à une seule voix) accompagnée. Monteverdi utilise le madrigal comme laboratoire pour ses innovations en matière d’écriture musicale. Ainsi, au fil de ses publications, on peut percevoir l’évolution de son style : depuis les premiers madrigaux polyphoniques, uniquement vocaux, on voit progressivement apparaître une basse continueligne de basse à partir de laquelle un instrument réalise des accords dans le Livre V (1605), puis l’accompagnement instrumental prend de plus en plus d’ampleur à mesure que la monodie accompagnée s’impose, triomphante dans le Livre VIII (1638). La recherche d’une plus grande expressivité conduit Monteverdi à explorer plusieurs styles d’écriture : le stile concertato : jeu de contraste et d’opposition, fondé sur la combinaisons des voix et des instruments. Chaque partie peut être isolée et dialoguer librement avec les autres. Ce style culmine dans le Livre VII de madrigaux (1619), justement intitulé Concerto ; puis le stile rappresentativo : expression des émotions à travers la monodie accompagnée, déclamant un texte de manière intelligibleOn parle de stile recitativo. et souligné par la musique au moyen de figuralismesprocédés d’écriture établissant une correspondance étroite entre le texte et la musique. Le Lamento della Ninfa (Livre VIII) en est un exemple des plus brillants ; et enfin le stile concitato, considéré comme une invention du compositeur, expérimenté dans Le Combat de Tancrède et Clorinde (Livre VIII). Il repose sur plusieurs procédés rythmiques et sur des figuralismes particuliers, permettant d’évoquer la colère ou un sentiment agité, voire guerrier. Livre V de madrigaux de Monteverdi, première page de l’édition de 1615. Gallica-BnF,
Les autres œuvres majeures de Monteverdi, qu’elles soient profanes ou sacrées, portent également la marque de sa modernité. Ainsi, dans les Vêpres de la Vierge (1610), il utilise un style d’écriture nouveau et issu de l’univers profane : on retrouve le stile concertato dans le traitement des groupes vocaux (dans le Dixit Dominus par exemple), et la monodie accompagnée (dans le Nigra sum notamment), qui permet une meilleure compréhension du texte liturgique. Monteverdi joue sur la densité du son, en alternant solos vocaux, chœurs (parfois divisés en dix parties différentes), solos instrumentaux et ensemble orchestral. Réalisant une fusion des prima et seconda prattica, l’œuvre oscille entre recueillement et exubérance, entre intimité et monumentalité. Mais c’est surtout dans sa production dramatique que Monteverdi va faire preuve d’innovation et réaliser l’union parfaite entre poésie, théâtre et musique. L’Orfeo (1607) reste dans l’histoire comme le monument fondateur de l’opéra (même si ce n’est pas le premier de l’histoire). Dans les monodies accompagnées, le texte et la musique sont étroitement liés, soutenus par une basse continue dont le principe perdurera pendant la période baroque. Plus de trente ans après, Le Couronnement de Poppée (1642) marque une nouvelle avancée dans le théâtre musical. Les récitatifs s’assouplissent, les mélodies, plus lyriques, sont entrecoupées d’airs séduisants où la virtuosité est toujours de mise, et les chœurs perdent leur prédominance. Le genre évolue également dans l’argument, historique plutôt que mythologique, et la psychologie des personnages : loin d’être des héros irréprochables, ils sont parfois même dépourvus de moralité. Humains avant tout, ils correspondent aux attentes du nouveau public vénitien qui demande davantage de vérité.,
Auteure : Sylvia Avrand-Margot,
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Entre Renaissance et baroque, Claudio Monteverdi (1567-1643) mène la quête d'une union parfaite entre poésie et musique, qui le conduira jusqu'à l'opéra dont il est l'un des fondateurs.
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Claudio Monteverdi (1567-1643),
Portrait de Monteverdi, peinture de Bernardo Strozzi, 1640. Tyrolean State Museum Ferdinandeum, Autriche,
Formation et premières œuvres à Crémone Claudio Monteverdi naît en 1567 à Crémonedans le nord de l’Italie, dans une famille aisée. Il bénéficie d’une bonne éducation générale et d’une solide éducation musicale : il apprend à jouer de la viole et étudie auprès de Marc’ Antonio Ingegneri, maître de chapelle à la cathédrale de Crémone, qui lui enseigne l’art du contrepointart d’agencer plusieurs mélodies de façon à ce que, entendues seules ou ensemble, elles soient harmonieuses. Très tôt, Monteverdi compose et publie ses premières œuvres (des motets, ses Livre I et Livre II de madrigaux ...) dans lesquelles il prend déjà certaines libertés avec le style rigoureux de l’école franco-flamandela polyphonie contrapuntique, c’est-à-dire une superposition de lignes musicales, harmonieuses entre elles et toutes d’importance égale alors dominant.,
Les années d'épanouissement à Mantoue En 1590, alors âgé de 23 ans, Monteverdi est engagé à Mantoue, l’une des cours les plus puissantes d’Italie, en tant que chanteur et joueur de viole. Très vite, il attire l’attention de Vincent Ier de Gonzague, duc de Mantoue. Extravagant, mais aussi violent, emporté et possessif, celui-ci n’en est pas moins avide de fêtes et amateur d’œuvres d’art. En 1602, il nomme Monteverdi maître de musique. Fort de cette nouvelle situation, le compositeur poursuit ses publications, et acquiert une solide réputation. Il s’adonne à tous les genres, aussi bien la musique de chambre (Livre III à Livre VI de madrigaux) que la musique d’église (la Missa « In illo Tempore » et les Vêpres de la Vierge) ou de théâtre, notamment avec son drame musical L’Orfeo (1607), l’une des premières œuvres dans le tout nouveau genre de l’opéra.,
La consécration à Venise Cependant, Monteverdi ne se satisfait pas de sa situation et songe à quitter Mantoue. En effet, désormais marié et père de deux enfants, la charge qu’il occupe est lourde et le salaire trop faible. À la mort de Vincent Ier en 1612, Monteverdi abandonne ses fonctions et se rend à Venise, où il obtient rapidement la charge très convoitée de maître de chapelle à la basilique Saint-Marc. Sa liberté est si grande qu’il peut laisser libre cours à sa créativité. Tout en poursuivant l’écriture des madrigaux, il compose plusieurs messes ainsi que des opéras, à la demande de notables de la ville. Il faut préciser qu’en 1637, le premier théâtre lyrique public (le Teatro San Cassiano) ouvre ses portes. Des huit opéras que Monteverdi aurait écrits, seuls trois nous sont parvenus relativement complets : L’Orfeo (1607), Le Retour d’Ulysse dans sa patrie (1640) et Le Couronnement de Poppée (1642). Entré dans les ordres à la fin de sa vie, c’est un homme célèbre qui meurt le 29 novembre 1643 à soixante-seize ans. La place Saint-Marc à Venise, peinture de Canaletto, vers 1723. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid,
Le langage musical de Monteverdi Les recherches de Monteverdi en matière d’écriture musicale s’inscrivent pleinement dans les préoccupations de son époque : la quête d’une plus grande expressivité, la volonté de « mettre en mouvement les passions » (movere gli affetti), en passant par une plus grande intelligibilité du texte, souvent brouillée dans la complexité des polyphonies franco-flamandes du XVIe siècle. Sans être l’initiateur du style nouveau émergeant de ces pensées humanistes, il sera cependant celui qui le mènera à son plus haut point. Figure même de la transition entre la Renaissance et le baroque, il réalise la synthèse entre ce qu’il appelle la prima pratticala polyphonie et le contrepoint rigoureux de l'école franco-flamande à la seconda pratticala monodie (chant à une seule voix) accompagnée. Monteverdi utilise le madrigal comme laboratoire pour ses innovations en matière d’écriture musicale. Ainsi, au fil de ses publications, on peut percevoir l’évolution de son style : depuis les premiers madrigaux polyphoniques, uniquement vocaux, on voit progressivement apparaître une basse continueligne de basse à partir de laquelle un instrument réalise des accords dans le Livre V (1605), puis l’accompagnement instrumental prend de plus en plus d’ampleur à mesure que la monodie accompagnée s’impose, triomphante dans le Livre VIII (1638). La recherche d’une plus grande expressivité conduit Monteverdi à explorer plusieurs styles d’écriture : le stile concertato : jeu de contraste et d’opposition, fondé sur la combinaisons des voix et des instruments. Chaque partie peut être isolée et dialoguer librement avec les autres. Ce style culmine dans le Livre VII de madrigaux (1619), justement intitulé Concerto ; puis le stile rappresentativo : expression des émotions à travers la monodie accompagnée, déclamant un texte de manière intelligibleOn parle de stile recitativo. et souligné par la musique au moyen de figuralismesprocédés d’écriture établissant une correspondance étroite entre le texte et la musique. Le Lamento della Ninfa (Livre VIII) en est un exemple des plus brillants ; et enfin le stile concitato, considéré comme une invention du compositeur, expérimenté dans Le Combat de Tancrède et Clorinde (Livre VIII). Il repose sur plusieurs procédés rythmiques et sur des figuralismes particuliers, permettant d’évoquer la colère ou un sentiment agité, voire guerrier. Livre V de madrigaux de Monteverdi, première page de l’édition de 1615. Gallica-BnF,
Les autres œuvres majeures de Monteverdi, qu’elles soient profanes ou sacrées, portent également la marque de sa modernité. Ainsi, dans les Vêpres de la Vierge (1610), il utilise un style d’écriture nouveau et issu de l’univers profane : on retrouve le stile concertato dans le traitement des groupes vocaux (dans le Dixit Dominus par exemple), et la monodie accompagnée (dans le Nigra sum notamment), qui permet une meilleure compréhension du texte liturgique. Monteverdi joue sur la densité du son, en alternant solos vocaux, chœurs (parfois divisés en dix parties différentes), solos instrumentaux et ensemble orchestral. Réalisant une fusion des prima et seconda prattica, l’œuvre oscille entre recueillement et exubérance, entre intimité et monumentalité. Mais c’est surtout dans sa production dramatique que Monteverdi va faire preuve d’innovation et réaliser l’union parfaite entre poésie, théâtre et musique. L’Orfeo (1607) reste dans l’histoire comme le monument fondateur de l’opéra (même si ce n’est pas le premier de l’histoire). Dans les monodies accompagnées, le texte et la musique sont étroitement liés, soutenus par une basse continue dont le principe perdurera pendant la période baroque. Plus de trente ans après, Le Couronnement de Poppée (1642) marque une nouvelle avancée dans le théâtre musical. Les récitatifs s’assouplissent, les mélodies, plus lyriques, sont entrecoupées d’airs séduisants où la virtuosité est toujours de mise, et les chœurs perdent leur prédominance. Le genre évolue également dans l’argument, historique plutôt que mythologique, et la psychologie des personnages : loin d’être des héros irréprochables, ils sont parfois même dépourvus de moralité. Humains avant tout, ils correspondent aux attentes du nouveau public vénitien qui demande davantage de vérité.,
Auteure : Sylvia Avrand-Margot,
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Claudio Monteverdi (1567-1643),
Portrait de Monteverdi, peinture de Bernardo Strozzi, 1640. Tyrolean State Museum Ferdinandeum, Autriche,
Formation et premières œuvres à Crémone Claudio Monteverdi naît en 1567 à Crémonedans le nord de l’Italie, dans une famille aisée. Il bénéficie d’une bonne éducation générale et d’une solide éducation musicale : il apprend à jouer de la viole et étudie auprès de Marc’ Antonio Ingegneri, maître de chapelle à la cathédrale de Crémone, qui lui enseigne l’art du contrepointart d’agencer plusieurs mélodies de façon à ce que, entendues seules ou ensemble, elles soient harmonieuses. Très tôt, Monteverdi compose et publie ses premières œuvres (des motets, ses Livre I et Livre II de madrigaux ...) dans lesquelles il prend déjà certaines libertés avec le style rigoureux de l’école franco-flamandela polyphonie contrapuntique, c’est-à-dire une superposition de lignes musicales, harmonieuses entre elles et toutes d’importance égale alors dominant.,
Les années d'épanouissement à Mantoue En 1590, alors âgé de 23 ans, Monteverdi est engagé à Mantoue, l’une des cours les plus puissantes d’Italie, en tant que chanteur et joueur de viole. Très vite, il attire l’attention de Vincent Ier de Gonzague, duc de Mantoue. Extravagant, mais aussi violent, emporté et possessif, celui-ci n’en est pas moins avide de fêtes et amateur d’œuvres d’art. En 1602, il nomme Monteverdi maître de musique. Fort de cette nouvelle situation, le compositeur poursuit ses publications, et acquiert une solide réputation. Il s’adonne à tous les genres, aussi bien la musique de chambre (Livre III à Livre VI de madrigaux) que la musique d’église (la Missa « In illo Tempore » et les Vêpres de la Vierge) ou de théâtre, notamment avec son drame musical L’Orfeo (1607), l’une des premières œuvres dans le tout nouveau genre de l’opéra.,
La consécration à Venise Cependant, Monteverdi ne se satisfait pas de sa situation et songe à quitter Mantoue. En effet, désormais marié et père de deux enfants, la charge qu’il occupe est lourde et le salaire trop faible. À la mort de Vincent Ier en 1612, Monteverdi abandonne ses fonctions et se rend à Venise, où il obtient rapidement la charge très convoitée de maître de chapelle à la basilique Saint-Marc. Sa liberté est si grande qu’il peut laisser libre cours à sa créativité. Tout en poursuivant l’écriture des madrigaux, il compose plusieurs messes ainsi que des opéras, à la demande de notables de la ville. Il faut préciser qu’en 1637, le premier théâtre lyrique public (le Teatro San Cassiano) ouvre ses portes. Des huit opéras que Monteverdi aurait écrits, seuls trois nous sont parvenus relativement complets : L’Orfeo (1607), Le Retour d’Ulysse dans sa patrie (1640) et Le Couronnement de Poppée (1642). Entré dans les ordres à la fin de sa vie, c’est un homme célèbre qui meurt le 29 novembre 1643 à soixante-seize ans. La place Saint-Marc à Venise, peinture de Canaletto, vers 1723. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid,
Le langage musical de Monteverdi Les recherches de Monteverdi en matière d’écriture musicale s’inscrivent pleinement dans les préoccupations de son époque : la quête d’une plus grande expressivité, la volonté de « mettre en mouvement les passions » (movere gli affetti), en passant par une plus grande intelligibilité du texte, souvent brouillée dans la complexité des polyphonies franco-flamandes du XVIe siècle. Sans être l’initiateur du style nouveau émergeant de ces pensées humanistes, il sera cependant celui qui le mènera à son plus haut point. Figure même de la transition entre la Renaissance et le baroque, il réalise la synthèse entre ce qu’il appelle la prima pratticala polyphonie et le contrepoint rigoureux de l'école franco-flamande à la seconda pratticala monodie (chant à une seule voix) accompagnée. Monteverdi utilise le madrigal comme laboratoire pour ses innovations en matière d’écriture musicale. Ainsi, au fil de ses publications, on peut percevoir l’évolution de son style : depuis les premiers madrigaux polyphoniques, uniquement vocaux, on voit progressivement apparaître une basse continueligne de basse à partir de laquelle un instrument réalise des accords dans le Livre V (1605), puis l’accompagnement instrumental prend de plus en plus d’ampleur à mesure que la monodie accompagnée s’impose, triomphante dans le Livre VIII (1638). La recherche d’une plus grande expressivité conduit Monteverdi à explorer plusieurs styles d’écriture : le stile concertato : jeu de contraste et d’opposition, fondé sur la combinaisons des voix et des instruments. Chaque partie peut être isolée et dialoguer librement avec les autres. Ce style culmine dans le Livre VII de madrigaux (1619), justement intitulé Concerto ; puis le stile rappresentativo : expression des émotions à travers la monodie accompagnée, déclamant un texte de manière intelligibleOn parle de stile recitativo. et souligné par la musique au moyen de figuralismesprocédés d’écriture établissant une correspondance étroite entre le texte et la musique. Le Lamento della Ninfa (Livre VIII) en est un exemple des plus brillants ; et enfin le stile concitato, considéré comme une invention du compositeur, expérimenté dans Le Combat de Tancrède et Clorinde (Livre VIII). Il repose sur plusieurs procédés rythmiques et sur des figuralismes particuliers, permettant d’évoquer la colère ou un sentiment agité, voire guerrier. Livre V de madrigaux de Monteverdi, première page de l’édition de 1615. Gallica-BnF,
Les autres œuvres majeures de Monteverdi, qu’elles soient profanes ou sacrées, portent également la marque de sa modernité. Ainsi, dans les Vêpres de la Vierge (1610), il utilise un style d’écriture nouveau et issu de l’univers profane : on retrouve le stile concertato dans le traitement des groupes vocaux (dans le Dixit Dominus par exemple), et la monodie accompagnée (dans le Nigra sum notamment), qui permet une meilleure compréhension du texte liturgique. Monteverdi joue sur la densité du son, en alternant solos vocaux, chœurs (parfois divisés en dix parties différentes), solos instrumentaux et ensemble orchestral. Réalisant une fusion des prima et seconda prattica, l’œuvre oscille entre recueillement et exubérance, entre intimité et monumentalité. Mais c’est surtout dans sa production dramatique que Monteverdi va faire preuve d’innovation et réaliser l’union parfaite entre poésie, théâtre et musique. L’Orfeo (1607) reste dans l’histoire comme le monument fondateur de l’opéra (même si ce n’est pas le premier de l’histoire). Dans les monodies accompagnées, le texte et la musique sont étroitement liés, soutenus par une basse continue dont le principe perdurera pendant la période baroque. Plus de trente ans après, Le Couronnement de Poppée (1642) marque une nouvelle avancée dans le théâtre musical. Les récitatifs s’assouplissent, les mélodies, plus lyriques, sont entrecoupées d’airs séduisants où la virtuosité est toujours de mise, et les chœurs perdent leur prédominance. Le genre évolue également dans l’argument, historique plutôt que mythologique, et la psychologie des personnages : loin d’être des héros irréprochables, ils sont parfois même dépourvus de moralité. Humains avant tout, ils correspondent aux attentes du nouveau public vénitien qui demande davantage de vérité.,
Auteure : Sylvia Avrand-Margot,
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Portrait de Antonio Vivaldi
Compositeur prolifique, Antonio Vivaldi (1678-1741) fixe la forme du concerto de soliste à travers ses œuvres virtuoses, dont beaucoup destinées au violon comme les célèbres Quatre Saisons.
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Antonio Vivaldi (1678-1741),
Portrait supposé d’Antonio Vivaldi, Bologne, 1723. Civico Museo Bibliografico Musicale Bologna,
Le prêtre compositeur Ce jeune homme fragile, fils de barbier (mais aussi violoniste à Saint-Marc) qui grandit à Venise en cette fin de XVIIe siècle, fera une belle carrière, cela ne fait aucun doute, car il sera prêtre. Il gravit tous les échelons de ce parcours fréquent pour l’époque : tonsure à 15 ans, diaconat à 22 ans, entrée dans les ordres à 25 ans. Sa santé ne s’étant pas arrangée durant toutes ces années, et parvenu au terme de ses études, celui que l’on surnomme Il Prete rosso (le prêtre roux), constate qu’il est incapable de dire la messe correctement. Trop de toux, trop de va-et-vient avec la sacristie durant les offices pour cracher et tousser en raison de cette stretezzaasthme ? : c’en est trop pour ses supérieurs, il est mis à l’écartMais il garde l’habit religieux et lit son bréviaire à tout moment.. Peut-être Antonio est-il soulagé à ce moment ? Car il a par ailleurs développé un don pour la musiqueIl vit d’ailleurs avec son père violoniste jusqu’à son décès lorsqu’Antonio a 58 ans., ce qui n’est pas extraordinaire quand on grandit à Venise à une époque où la musique tient une place très importante. Ses dons sont tels qu’il attire l’attention et qu’un poste très enviable s’offre à lui pour ses 25 ans, celui de maître de violon de la PietàPio Ospedale della Pietà, fondé en 1346. Cet hospice religieux pour orphelines est le plus prestigieux des quatre que compte Venise. Son enseignement comporte beaucoup de musique ; il possède d’ailleurs un chœur et un orchestre qui donnent des concerts publics très appréciés.. Un attachement fort se noue entre le musicien et l’institution. Vivaldi, d’une part, y trouve un chœur de jeunes filles et un orchestre de grande qualitéUn observateur de l’époque explique que la meilleure musique à Venise est celle des hospices et que celui des quatre hospices où je vais le plus souvent et où je m’amuse le mieux, c’est l’hôpital de la Piété ; c’est aussi le premier pour la perfection des symphonies. ; l’institution, d’autre part, ne peut rêver meilleur collaborateur… en dehors de ses absences très gênantes. Ne sachant plus comment faire pour s’assurer sa présenceMais Vivaldi a beaucoup à faire : il fait répéter notamment ses opéras dans diverses villes d’Italie, il fait divers voyages., la Pietà lui fait signer à 45 ans, un contrat l’obligeant à composer et à faire répéter deux concertos par mois. Mesure peu efficace puisque douze ans plus tard Vivaldi doit encore promettre de ne plus s’en aller comme il l’avait fait dans le passé. Vue de Venise depuis l’île San Giorgio, peinture de Gaspare Vanvitelli, 1697. Museo nacional del Prado,
Le maître du concerto Les talents exceptionnelsSon père et lui-même sont désignés dans un guide « meilleurs violonistes de la ville », alors que Vivaldi a 28 ans. de violoniste de Vivaldi captivent son public. Que rêver de mieux, lorsqu’on est un tel virtuose, que de se trouver seul devant la scène à dialoguer avec l’orchestre ? Il n’y a plus qu’à inventer le concerto ! Non que le concerto n’existe pas, mais Vivaldi lui donne sa forme définitiveen trois mouvements contrastés : vif – lent – vif, pour au moins trois siècles, plaçant un seul instrument soliste devant les autres, prêt à éblouir le public de mille acrobaties. Comme le feront 150 ans plus tard les Strauss avec la valse, il transforme une forme musicale assez modeste en un objet de prestige. N’est-ce pas un signe si Bach lui-même transcritarrange dix concertos de Vivaldi pour d’autres instruments ? Il montre par ailleurs dans ses propres concertos une connaissance profonde des œuvres du maître vénitienIl est vrai que Vivaldi se donne les moyens de faire connaître ses œuvres. Les 12 concertos du recueil L’Estro armonico de 1711 - il a 23 ans - sont imprimés à Amsterdam chez un célèbre éditeur - Estienne Roger - dont le rayonnement est tellement important qu’il atteint l’Allemagne.. Les compositeurs européens, du plus petit au plus grand, adoptent presque tous la nouvelle forme du concerto. Nous sommes dans les années 1710-1730, Antonio Vivaldi connaît sa période de gloire.,
Une sacrée réputation Beaucoup de bruits courent sur Vivaldi à son époque. Le fait, alors qu’il est prêtre, d’être très souvent en compagnie féminineles orphelines de la Pietà, les chanteuses qu’il fait travailler dans de multiples théâtres lyriques en Italie, des proches qui l’accompagnent dans ses voyages et qui « connaissent » et « comprennent » sa maladie et sauraient y remédier en cas d’incident ne peut qu’alimenter la rumeur. Il aime beaucoup, en outre, être considéré comme un être d’exceptionLe fait de jouer en soliste dans ses concertos lui donne une aura particulière… il invente en réalité le concerto pour lui-même !. Il apprécie d’être cité en référence pour l’étendue de ses connaissances, sa rapidité de composition, le nombre de rois, reines et empereurs dont il est l’intime (neuf selon lui)… Ses chiffres s’avèrent extrêmement exagérés parfois : de la centaine d’opéras qu’il prétendait avoir composée par exemple, seulement la moitié a été identifiée depuis. Antonio Vivaldi, photo d’après un dessin original de Pier Leone de 1723. Gallica - BnF Il est vrai qu’au sommet de sa carrière, Vivaldi connaît des postes brillantsmaître de chapelle à Mantoue à 40 ans, maître de chapelle du duc de Lorraine à près de 60 ans et la gloire. L’empereur d’Autriche lui-même lui prouve sa grande admiration et son estime à plusieurs reprises : il le convie (Vivaldi a 30 ans) à venir se mesurer à l’un de ses protégés lors d’une joute instrumentaleDeux instrumentistes se mesurent l’un à l’autre : ce genre de jeu était courant à l’époque. On cite souvent – mais peut-être n’est-ce qu’une légende - celle qui aurait dû opposer J.S. Bach à Louis Marchand, éminent organiste français. Le Français aurait fui pour ne pas subir d’humiliation., le couvre, vingt ans plus tard, de décorations et d’argent. Peut-être même lui fait-il une proposition d’engagement à cette occasion ? Comme Telemann le prouve à la même époque, le fait d’être son propre éditeur constitue un énorme avantage pour la diffusion de sa musique. Vivaldi n’édite pas lui-même sa musique, mais il sait quitter son éditeur vénitien lorsqu’il le juge insuffisant… c’est-à-dire dès la troisième publicationL’Opus 3, L’Estro Armonico, est édité par le célèbre Estienne Roger d’Amsterdam. Les deux précédents opus, initialement édités à Venise, seront d’ailleurs réédités chez lui.. La réputation qu’il acquiert ainsi à Amsterdam le fait choisir, alors qu’il a 60 ans, pour organiser de fastueuses célébrations musicalespour le centenaire du théâtre Schouwburg. Une image trop brillante a toujours sa contrepartie, et les avis négatifs sur cette gloire de l’Italie ne se comptent plus. Entre ceux qui estiment qu’il aurait composé 500 fois le même concerto (dont Stravinski), ceux qui le jugent médiocre compositeur (quoique bon violoniste, mais ses effets au violon ne seraient-ils pas trop artificiels ?), ceux enfin qui ne voient dans son œuvre que routine et ficelles.,
Oubli… et re-découverte La ville qui avait applaudi et admiré Vivaldi se détourne de lui alors qu’il a 60 ans. Ses opéras plaisent beaucoup moins : la nouvelle mode est désormais napolitaineNaples, qualifiée de « capitale européenne de la musique » par Stendhal, est désormais la référence absolue. Les écoles de chant ne s’y comptent plus, son opéra est le plus grand du monde – 2500 places – et on y cultive une ligne mélodique particulièrement belle, mise en valeur par de célébrissimes castrats.. Vivaldi se retrouve seul, déjà enfoui dans le passé. Teatro San Carlo à Naples, lithographie en couleurs. Österreichische Nationalbibliothek Dans des conditions troubles, il vend toutes ses affaires et quitte Venise pour Vienne, peut-être avec l’assurance d’un engagement à la cour de l’empereur ? Celui-ci meurt malheureusement peu après son arrivée, le privant de sa protection et d’un emploi doré. Vivaldi disparaît quelques mois plus tard, enterré sans célébration et seul au cimetière de l’hôpital. L’annonce de son décès deux mois plus tard ne semble pas susciter de regret particulier à Venise. Ce profond oubli dure un siècle et demi (on ne connaît sa date de naissance avec assurance qu’en 1963 !). Vivaldi est encore un inconnu en 1913 lorsqu’un important travail de recherchede Marc Pincherle lui est consacré. Sa redécouverte se fait en plusieurs étapes, et passe d’abord par celle de l’immense œuvre de son contemporain Johann Sebastian Bach (dont les concertos s’inspirent de Vivaldi). L’édition complète (sous réserve de nouvelles découvertes) de son œuvre ne tarde pas à suivre, et les concerts d’œuvres de Vivaldi se multiplient ensuite dans le grand mouvement de redécouverte de la musique baroqueOn commence à partir des années 1950 à chercher systématiquement à jouer les œuvres des XVIIe et XVIIIe siècles de façon authentique. Cela signifie qu’on reconstruit des instruments anciens et qu’on retrouve la façon dont on les jouait.. Il faut attendre les années 1970 pour que ses opéras commencent à être rejouésUne opération délicate car la plupart du temps seuls les textes des opéras sont conservés à l’époque..,
L’essentiel Le prêtre roux (Il Prete Rosso) est exempté de l’obligation de dire la messe en raison d’une maladie persistante. Il se consacre dès lors à la composition, attaché presque toute sa vie à l’hospice religieux de jeunes filles de la Pietà à Venise. Il fixe la forme du concerto : trois mouvements contrastés (vif/lent/vif) mettant le plus souvent en valeur un seul soliste (et non plus un groupe comme dans l’ancien concerto grosso). Parmi ses concertos les plus célèbres figurent Les Quatres Saisons. Il compose 23 opéras (certainement pas 94 comme il le prétend), et les monte tous lui-même dans de nombreuses villes italiennes… cela suppose de nombreuses absences de la Pietà… Il privilégie les couleurs et les effets que sa technique époustouflante de violoniste lui permettait de réaliser. Comportement surprenant : il s’expatrie à la fin de sa vie et meurt seul, oublié de Venise après y avoir connu la gloire. ,
Auteur : Jean-Marie Lamour,
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Compositeur prolifique, Antonio Vivaldi (1678-1741) fixe la forme du concerto de soliste à travers ses œuvres virtuoses, dont beaucoup destinées au violon comme les célèbres Quatre Saisons.
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Antonio Vivaldi (1678-1741),
Portrait supposé d’Antonio Vivaldi, Bologne, 1723. Civico Museo Bibliografico Musicale Bologna,
Le prêtre compositeur Ce jeune homme fragile, fils de barbier (mais aussi violoniste à Saint-Marc) qui grandit à Venise en cette fin de XVIIe siècle, fera une belle carrière, cela ne fait aucun doute, car il sera prêtre. Il gravit tous les échelons de ce parcours fréquent pour l’époque : tonsure à 15 ans, diaconat à 22 ans, entrée dans les ordres à 25 ans. Sa santé ne s’étant pas arrangée durant toutes ces années, et parvenu au terme de ses études, celui que l’on surnomme Il Prete rosso (le prêtre roux), constate qu’il est incapable de dire la messe correctement. Trop de toux, trop de va-et-vient avec la sacristie durant les offices pour cracher et tousser en raison de cette stretezzaasthme ? : c’en est trop pour ses supérieurs, il est mis à l’écartMais il garde l’habit religieux et lit son bréviaire à tout moment.. Peut-être Antonio est-il soulagé à ce moment ? Car il a par ailleurs développé un don pour la musiqueIl vit d’ailleurs avec son père violoniste jusqu’à son décès lorsqu’Antonio a 58 ans., ce qui n’est pas extraordinaire quand on grandit à Venise à une époque où la musique tient une place très importante. Ses dons sont tels qu’il attire l’attention et qu’un poste très enviable s’offre à lui pour ses 25 ans, celui de maître de violon de la PietàPio Ospedale della Pietà, fondé en 1346. Cet hospice religieux pour orphelines est le plus prestigieux des quatre que compte Venise. Son enseignement comporte beaucoup de musique ; il possède d’ailleurs un chœur et un orchestre qui donnent des concerts publics très appréciés.. Un attachement fort se noue entre le musicien et l’institution. Vivaldi, d’une part, y trouve un chœur de jeunes filles et un orchestre de grande qualitéUn observateur de l’époque explique que la meilleure musique à Venise est celle des hospices et que celui des quatre hospices où je vais le plus souvent et où je m’amuse le mieux, c’est l’hôpital de la Piété ; c’est aussi le premier pour la perfection des symphonies. ; l’institution, d’autre part, ne peut rêver meilleur collaborateur… en dehors de ses absences très gênantes. Ne sachant plus comment faire pour s’assurer sa présenceMais Vivaldi a beaucoup à faire : il fait répéter notamment ses opéras dans diverses villes d’Italie, il fait divers voyages., la Pietà lui fait signer à 45 ans, un contrat l’obligeant à composer et à faire répéter deux concertos par mois. Mesure peu efficace puisque douze ans plus tard Vivaldi doit encore promettre de ne plus s’en aller comme il l’avait fait dans le passé. Vue de Venise depuis l’île San Giorgio, peinture de Gaspare Vanvitelli, 1697. Museo nacional del Prado,
Le maître du concerto Les talents exceptionnelsSon père et lui-même sont désignés dans un guide « meilleurs violonistes de la ville », alors que Vivaldi a 28 ans. de violoniste de Vivaldi captivent son public. Que rêver de mieux, lorsqu’on est un tel virtuose, que de se trouver seul devant la scène à dialoguer avec l’orchestre ? Il n’y a plus qu’à inventer le concerto ! Non que le concerto n’existe pas, mais Vivaldi lui donne sa forme définitiveen trois mouvements contrastés : vif – lent – vif, pour au moins trois siècles, plaçant un seul instrument soliste devant les autres, prêt à éblouir le public de mille acrobaties. Comme le feront 150 ans plus tard les Strauss avec la valse, il transforme une forme musicale assez modeste en un objet de prestige. N’est-ce pas un signe si Bach lui-même transcritarrange dix concertos de Vivaldi pour d’autres instruments ? Il montre par ailleurs dans ses propres concertos une connaissance profonde des œuvres du maître vénitienIl est vrai que Vivaldi se donne les moyens de faire connaître ses œuvres. Les 12 concertos du recueil L’Estro armonico de 1711 - il a 23 ans - sont imprimés à Amsterdam chez un célèbre éditeur - Estienne Roger - dont le rayonnement est tellement important qu’il atteint l’Allemagne.. Les compositeurs européens, du plus petit au plus grand, adoptent presque tous la nouvelle forme du concerto. Nous sommes dans les années 1710-1730, Antonio Vivaldi connaît sa période de gloire.,
Une sacrée réputation Beaucoup de bruits courent sur Vivaldi à son époque. Le fait, alors qu’il est prêtre, d’être très souvent en compagnie féminineles orphelines de la Pietà, les chanteuses qu’il fait travailler dans de multiples théâtres lyriques en Italie, des proches qui l’accompagnent dans ses voyages et qui « connaissent » et « comprennent » sa maladie et sauraient y remédier en cas d’incident ne peut qu’alimenter la rumeur. Il aime beaucoup, en outre, être considéré comme un être d’exceptionLe fait de jouer en soliste dans ses concertos lui donne une aura particulière… il invente en réalité le concerto pour lui-même !. Il apprécie d’être cité en référence pour l’étendue de ses connaissances, sa rapidité de composition, le nombre de rois, reines et empereurs dont il est l’intime (neuf selon lui)… Ses chiffres s’avèrent extrêmement exagérés parfois : de la centaine d’opéras qu’il prétendait avoir composée par exemple, seulement la moitié a été identifiée depuis. Antonio Vivaldi, photo d’après un dessin original de Pier Leone de 1723. Gallica - BnF Il est vrai qu’au sommet de sa carrière, Vivaldi connaît des postes brillantsmaître de chapelle à Mantoue à 40 ans, maître de chapelle du duc de Lorraine à près de 60 ans et la gloire. L’empereur d’Autriche lui-même lui prouve sa grande admiration et son estime à plusieurs reprises : il le convie (Vivaldi a 30 ans) à venir se mesurer à l’un de ses protégés lors d’une joute instrumentaleDeux instrumentistes se mesurent l’un à l’autre : ce genre de jeu était courant à l’époque. On cite souvent – mais peut-être n’est-ce qu’une légende - celle qui aurait dû opposer J.S. Bach à Louis Marchand, éminent organiste français. Le Français aurait fui pour ne pas subir d’humiliation., le couvre, vingt ans plus tard, de décorations et d’argent. Peut-être même lui fait-il une proposition d’engagement à cette occasion ? Comme Telemann le prouve à la même époque, le fait d’être son propre éditeur constitue un énorme avantage pour la diffusion de sa musique. Vivaldi n’édite pas lui-même sa musique, mais il sait quitter son éditeur vénitien lorsqu’il le juge insuffisant… c’est-à-dire dès la troisième publicationL’Opus 3, L’Estro Armonico, est édité par le célèbre Estienne Roger d’Amsterdam. Les deux précédents opus, initialement édités à Venise, seront d’ailleurs réédités chez lui.. La réputation qu’il acquiert ainsi à Amsterdam le fait choisir, alors qu’il a 60 ans, pour organiser de fastueuses célébrations musicalespour le centenaire du théâtre Schouwburg. Une image trop brillante a toujours sa contrepartie, et les avis négatifs sur cette gloire de l’Italie ne se comptent plus. Entre ceux qui estiment qu’il aurait composé 500 fois le même concerto (dont Stravinski), ceux qui le jugent médiocre compositeur (quoique bon violoniste, mais ses effets au violon ne seraient-ils pas trop artificiels ?), ceux enfin qui ne voient dans son œuvre que routine et ficelles.,
Oubli… et re-découverte La ville qui avait applaudi et admiré Vivaldi se détourne de lui alors qu’il a 60 ans. Ses opéras plaisent beaucoup moins : la nouvelle mode est désormais napolitaineNaples, qualifiée de « capitale européenne de la musique » par Stendhal, est désormais la référence absolue. Les écoles de chant ne s’y comptent plus, son opéra est le plus grand du monde – 2500 places – et on y cultive une ligne mélodique particulièrement belle, mise en valeur par de célébrissimes castrats.. Vivaldi se retrouve seul, déjà enfoui dans le passé. Teatro San Carlo à Naples, lithographie en couleurs. Österreichische Nationalbibliothek Dans des conditions troubles, il vend toutes ses affaires et quitte Venise pour Vienne, peut-être avec l’assurance d’un engagement à la cour de l’empereur ? Celui-ci meurt malheureusement peu après son arrivée, le privant de sa protection et d’un emploi doré. Vivaldi disparaît quelques mois plus tard, enterré sans célébration et seul au cimetière de l’hôpital. L’annonce de son décès deux mois plus tard ne semble pas susciter de regret particulier à Venise. Ce profond oubli dure un siècle et demi (on ne connaît sa date de naissance avec assurance qu’en 1963 !). Vivaldi est encore un inconnu en 1913 lorsqu’un important travail de recherchede Marc Pincherle lui est consacré. Sa redécouverte se fait en plusieurs étapes, et passe d’abord par celle de l’immense œuvre de son contemporain Johann Sebastian Bach (dont les concertos s’inspirent de Vivaldi). L’édition complète (sous réserve de nouvelles découvertes) de son œuvre ne tarde pas à suivre, et les concerts d’œuvres de Vivaldi se multiplient ensuite dans le grand mouvement de redécouverte de la musique baroqueOn commence à partir des années 1950 à chercher systématiquement à jouer les œuvres des XVIIe et XVIIIe siècles de façon authentique. Cela signifie qu’on reconstruit des instruments anciens et qu’on retrouve la façon dont on les jouait.. Il faut attendre les années 1970 pour que ses opéras commencent à être rejouésUne opération délicate car la plupart du temps seuls les textes des opéras sont conservés à l’époque..,
L’essentiel Le prêtre roux (Il Prete Rosso) est exempté de l’obligation de dire la messe en raison d’une maladie persistante. Il se consacre dès lors à la composition, attaché presque toute sa vie à l’hospice religieux de jeunes filles de la Pietà à Venise. Il fixe la forme du concerto : trois mouvements contrastés (vif/lent/vif) mettant le plus souvent en valeur un seul soliste (et non plus un groupe comme dans l’ancien concerto grosso). Parmi ses concertos les plus célèbres figurent Les Quatres Saisons. Il compose 23 opéras (certainement pas 94 comme il le prétend), et les monte tous lui-même dans de nombreuses villes italiennes… cela suppose de nombreuses absences de la Pietà… Il privilégie les couleurs et les effets que sa technique époustouflante de violoniste lui permettait de réaliser. Comportement surprenant : il s’expatrie à la fin de sa vie et meurt seul, oublié de Venise après y avoir connu la gloire. ,
Auteur : Jean-Marie Lamour,
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Antonio Vivaldi (1678-1741),
Portrait supposé d’Antonio Vivaldi, Bologne, 1723. Civico Museo Bibliografico Musicale Bologna,
Le prêtre compositeur Ce jeune homme fragile, fils de barbier (mais aussi violoniste à Saint-Marc) qui grandit à Venise en cette fin de XVIIe siècle, fera une belle carrière, cela ne fait aucun doute, car il sera prêtre. Il gravit tous les échelons de ce parcours fréquent pour l’époque : tonsure à 15 ans, diaconat à 22 ans, entrée dans les ordres à 25 ans. Sa santé ne s’étant pas arrangée durant toutes ces années, et parvenu au terme de ses études, celui que l’on surnomme Il Prete rosso (le prêtre roux), constate qu’il est incapable de dire la messe correctement. Trop de toux, trop de va-et-vient avec la sacristie durant les offices pour cracher et tousser en raison de cette stretezzaasthme ? : c’en est trop pour ses supérieurs, il est mis à l’écartMais il garde l’habit religieux et lit son bréviaire à tout moment.. Peut-être Antonio est-il soulagé à ce moment ? Car il a par ailleurs développé un don pour la musiqueIl vit d’ailleurs avec son père violoniste jusqu’à son décès lorsqu’Antonio a 58 ans., ce qui n’est pas extraordinaire quand on grandit à Venise à une époque où la musique tient une place très importante. Ses dons sont tels qu’il attire l’attention et qu’un poste très enviable s’offre à lui pour ses 25 ans, celui de maître de violon de la PietàPio Ospedale della Pietà, fondé en 1346. Cet hospice religieux pour orphelines est le plus prestigieux des quatre que compte Venise. Son enseignement comporte beaucoup de musique ; il possède d’ailleurs un chœur et un orchestre qui donnent des concerts publics très appréciés.. Un attachement fort se noue entre le musicien et l’institution. Vivaldi, d’une part, y trouve un chœur de jeunes filles et un orchestre de grande qualitéUn observateur de l’époque explique que la meilleure musique à Venise est celle des hospices et que celui des quatre hospices où je vais le plus souvent et où je m’amuse le mieux, c’est l’hôpital de la Piété ; c’est aussi le premier pour la perfection des symphonies. ; l’institution, d’autre part, ne peut rêver meilleur collaborateur… en dehors de ses absences très gênantes. Ne sachant plus comment faire pour s’assurer sa présenceMais Vivaldi a beaucoup à faire : il fait répéter notamment ses opéras dans diverses villes d’Italie, il fait divers voyages., la Pietà lui fait signer à 45 ans, un contrat l’obligeant à composer et à faire répéter deux concertos par mois. Mesure peu efficace puisque douze ans plus tard Vivaldi doit encore promettre de ne plus s’en aller comme il l’avait fait dans le passé. Vue de Venise depuis l’île San Giorgio, peinture de Gaspare Vanvitelli, 1697. Museo nacional del Prado,
Le maître du concerto Les talents exceptionnelsSon père et lui-même sont désignés dans un guide « meilleurs violonistes de la ville », alors que Vivaldi a 28 ans. de violoniste de Vivaldi captivent son public. Que rêver de mieux, lorsqu’on est un tel virtuose, que de se trouver seul devant la scène à dialoguer avec l’orchestre ? Il n’y a plus qu’à inventer le concerto ! Non que le concerto n’existe pas, mais Vivaldi lui donne sa forme définitiveen trois mouvements contrastés : vif – lent – vif, pour au moins trois siècles, plaçant un seul instrument soliste devant les autres, prêt à éblouir le public de mille acrobaties. Comme le feront 150 ans plus tard les Strauss avec la valse, il transforme une forme musicale assez modeste en un objet de prestige. N’est-ce pas un signe si Bach lui-même transcritarrange dix concertos de Vivaldi pour d’autres instruments ? Il montre par ailleurs dans ses propres concertos une connaissance profonde des œuvres du maître vénitienIl est vrai que Vivaldi se donne les moyens de faire connaître ses œuvres. Les 12 concertos du recueil L’Estro armonico de 1711 - il a 23 ans - sont imprimés à Amsterdam chez un célèbre éditeur - Estienne Roger - dont le rayonnement est tellement important qu’il atteint l’Allemagne.. Les compositeurs européens, du plus petit au plus grand, adoptent presque tous la nouvelle forme du concerto. Nous sommes dans les années 1710-1730, Antonio Vivaldi connaît sa période de gloire.,
Une sacrée réputation Beaucoup de bruits courent sur Vivaldi à son époque. Le fait, alors qu’il est prêtre, d’être très souvent en compagnie féminineles orphelines de la Pietà, les chanteuses qu’il fait travailler dans de multiples théâtres lyriques en Italie, des proches qui l’accompagnent dans ses voyages et qui « connaissent » et « comprennent » sa maladie et sauraient y remédier en cas d’incident ne peut qu’alimenter la rumeur. Il aime beaucoup, en outre, être considéré comme un être d’exceptionLe fait de jouer en soliste dans ses concertos lui donne une aura particulière… il invente en réalité le concerto pour lui-même !. Il apprécie d’être cité en référence pour l’étendue de ses connaissances, sa rapidité de composition, le nombre de rois, reines et empereurs dont il est l’intime (neuf selon lui)… Ses chiffres s’avèrent extrêmement exagérés parfois : de la centaine d’opéras qu’il prétendait avoir composée par exemple, seulement la moitié a été identifiée depuis. Antonio Vivaldi, photo d’après un dessin original de Pier Leone de 1723. Gallica - BnF Il est vrai qu’au sommet de sa carrière, Vivaldi connaît des postes brillantsmaître de chapelle à Mantoue à 40 ans, maître de chapelle du duc de Lorraine à près de 60 ans et la gloire. L’empereur d’Autriche lui-même lui prouve sa grande admiration et son estime à plusieurs reprises : il le convie (Vivaldi a 30 ans) à venir se mesurer à l’un de ses protégés lors d’une joute instrumentaleDeux instrumentistes se mesurent l’un à l’autre : ce genre de jeu était courant à l’époque. On cite souvent – mais peut-être n’est-ce qu’une légende - celle qui aurait dû opposer J.S. Bach à Louis Marchand, éminent organiste français. Le Français aurait fui pour ne pas subir d’humiliation., le couvre, vingt ans plus tard, de décorations et d’argent. Peut-être même lui fait-il une proposition d’engagement à cette occasion ? Comme Telemann le prouve à la même époque, le fait d’être son propre éditeur constitue un énorme avantage pour la diffusion de sa musique. Vivaldi n’édite pas lui-même sa musique, mais il sait quitter son éditeur vénitien lorsqu’il le juge insuffisant… c’est-à-dire dès la troisième publicationL’Opus 3, L’Estro Armonico, est édité par le célèbre Estienne Roger d’Amsterdam. Les deux précédents opus, initialement édités à Venise, seront d’ailleurs réédités chez lui.. La réputation qu’il acquiert ainsi à Amsterdam le fait choisir, alors qu’il a 60 ans, pour organiser de fastueuses célébrations musicalespour le centenaire du théâtre Schouwburg. Une image trop brillante a toujours sa contrepartie, et les avis négatifs sur cette gloire de l’Italie ne se comptent plus. Entre ceux qui estiment qu’il aurait composé 500 fois le même concerto (dont Stravinski), ceux qui le jugent médiocre compositeur (quoique bon violoniste, mais ses effets au violon ne seraient-ils pas trop artificiels ?), ceux enfin qui ne voient dans son œuvre que routine et ficelles.,
Oubli… et re-découverte La ville qui avait applaudi et admiré Vivaldi se détourne de lui alors qu’il a 60 ans. Ses opéras plaisent beaucoup moins : la nouvelle mode est désormais napolitaineNaples, qualifiée de « capitale européenne de la musique » par Stendhal, est désormais la référence absolue. Les écoles de chant ne s’y comptent plus, son opéra est le plus grand du monde – 2500 places – et on y cultive une ligne mélodique particulièrement belle, mise en valeur par de célébrissimes castrats.. Vivaldi se retrouve seul, déjà enfoui dans le passé. Teatro San Carlo à Naples, lithographie en couleurs. Österreichische Nationalbibliothek Dans des conditions troubles, il vend toutes ses affaires et quitte Venise pour Vienne, peut-être avec l’assurance d’un engagement à la cour de l’empereur ? Celui-ci meurt malheureusement peu après son arrivée, le privant de sa protection et d’un emploi doré. Vivaldi disparaît quelques mois plus tard, enterré sans célébration et seul au cimetière de l’hôpital. L’annonce de son décès deux mois plus tard ne semble pas susciter de regret particulier à Venise. Ce profond oubli dure un siècle et demi (on ne connaît sa date de naissance avec assurance qu’en 1963 !). Vivaldi est encore un inconnu en 1913 lorsqu’un important travail de recherchede Marc Pincherle lui est consacré. Sa redécouverte se fait en plusieurs étapes, et passe d’abord par celle de l’immense œuvre de son contemporain Johann Sebastian Bach (dont les concertos s’inspirent de Vivaldi). L’édition complète (sous réserve de nouvelles découvertes) de son œuvre ne tarde pas à suivre, et les concerts d’œuvres de Vivaldi se multiplient ensuite dans le grand mouvement de redécouverte de la musique baroqueOn commence à partir des années 1950 à chercher systématiquement à jouer les œuvres des XVIIe et XVIIIe siècles de façon authentique. Cela signifie qu’on reconstruit des instruments anciens et qu’on retrouve la façon dont on les jouait.. Il faut attendre les années 1970 pour que ses opéras commencent à être rejouésUne opération délicate car la plupart du temps seuls les textes des opéras sont conservés à l’époque..,
L’essentiel Le prêtre roux (Il Prete Rosso) est exempté de l’obligation de dire la messe en raison d’une maladie persistante. Il se consacre dès lors à la composition, attaché presque toute sa vie à l’hospice religieux de jeunes filles de la Pietà à Venise. Il fixe la forme du concerto : trois mouvements contrastés (vif/lent/vif) mettant le plus souvent en valeur un seul soliste (et non plus un groupe comme dans l’ancien concerto grosso). Parmi ses concertos les plus célèbres figurent Les Quatres Saisons. Il compose 23 opéras (certainement pas 94 comme il le prétend), et les monte tous lui-même dans de nombreuses villes italiennes… cela suppose de nombreuses absences de la Pietà… Il privilégie les couleurs et les effets que sa technique époustouflante de violoniste lui permettait de réaliser. Comportement surprenant : il s’expatrie à la fin de sa vie et meurt seul, oublié de Venise après y avoir connu la gloire. ,
Auteur : Jean-Marie Lamour,
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Canzon I de Giovanni Gabrieli
Dans ses Canzone, Gabrieli adopte une écriture à plusieurs voix égales en mettant l’accent sur les contrastes, les dynamiques, la spatialité. La nomenclature instrumentale n’est pas précisée.
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<cite>Canzon I</cite> <span class="sousTitre">Giovanni Gabrieli</span>
Procession de l’Ommegang de Bruxelles (détail), peinture de Denis van Alsloot, 1616. Museo nacional del Prado,
Carte d’identité de l’œuvre :Canzon I de Giovanni Gabrieli Genre musique pour ensemble instrumental Composition probablement entre 1597 et 1612 à Venise (publication posthume en 1615 dans le recueil Sacrae Symphoniae II) Forme pièce en un seul mouvement Instrumentation à cinq voix, instrumentation variable, non précisée à l’époque du compositeur ,
Genèse de l’œuvre : la <i>canzon</i> et son histoire Une canzonLe mot canzon dérive de la canso provençale, forme strophique superposant au texte en langue d’oc une ou plusieurs parties instrumentales, non notées dans les chansonniers. Exemples : Can vei la lauzeta mover de Bernard de Ventadour ou bien Lan can li jorn de Jaufré Rudel, tous deux troubadours du XIIe siècle. est une composition purement instrumentale (comme le sont les ricercari et les toccatas) associée aux transcriptions que firent beaucoup de musiciens italiens du XVIe siècle des chansons polyphoniques françaises très en vogue à cette époque. Ces transcriptions firent évoluer l’écriture de la canzon d’un style populaire à un style plus savant. Lors de la transcription, le compositeur a le souci de laisser la part belle à la vocalité (on doit pouvoir chanter les parties mélodiques). Dans ses Canzone, Gabrieli adopte une écriture à plusieurs voix égalesLes cinq voix sont homogènes, chacune prenant en charge à différents moments les éléments de la polyphonie. en mettant l’accent sur les contrastes, les dynamiques, la spatialité… Techniquement, la canzon au temps de Gabrieli se caractérise par les éléments suivants : Rythme dactylique au début (long-bref-bref) Écriture en imitationLes motifs musicaux sont entendus successivement à différentes hauteurs. Passages homorythmiquesToutes les voix sonores font le même rythme. fréquents Plusieurs thèmes ou motifs possibles Sections contrastantes rythmiquement (binaire/ternaire par exemple) Spatialisation, permise par exemple par le dialogue entre deux groupes d’instrumentistes Possibilité d’ornementation par le biais de diminutionsLa diminution consiste à reprendre le motif en écourtant les valeurs de notes. improvisées, créant de la virtuosité Égalité des voix dans l’écriture polyphonique La date de composition de l’œuvre est inconnue. Conformément aux exigences de l’époque, la nomenclature instrumentale n’est pas précisée et son interprétation est laissée au libre arbitre des interprètes qui peuvent utiliser les instruments qu’ils veulent. C’est ainsi qu’on peut entendre cette œuvre indifféremment par un ensemble de flûtes à bec, un ensemble mêlant les cornets, les trombones et les cordes (violons, violes), un ensemble de cuivres modernes (trombones et trompettes par exemple), un quintette de cuivres, etc., les instruments étant en plus ou moins grand nombre.,
Caractéristiques et description de la <cite>Canzon I</cite> La Canzon I à cinq voix commence par un bref motif mélodiqueLe motif mélodique constitue le début d’une phrase musicale qui s’épanouit différemment selon les voix au sein de la polyphonie. au rythme dactyliqueLe rythme long-bref-bref (dactyle) caractérise l’écriture de la forme canzon. caractéristique ; successivement, chacun des instruments le prend à son compte au gré des différentes entrées en imitation entendues au fur et à mesure en mouvement ascendant. Ce motif se divise en deux parties : le rythme dactylique proprement dit suivi de quelques notes plus souples et sinueuses Les cinq voix donnent alors naissance à une polyphonie souple et aérée que les transformations rythmique, mélodique et harmonique successives du motif colorent de savoureuses sonorités. Un changement très net s’opère lorsqu’un rythme pointé à l’allure dansante associé à un nouveau motif en mouvement conjoint s’insinue discrètement dans la texture et contamine rapidement toutes les voix ; ce nouveau motif est échangé entre les instrumentistes créant des effets d’écho. Gabrieli est un compositeur sensible à l’aspect harmonique de l’écriture et ses modulations sont fréquentes, ainsi, pour signifier l’élan festif caractérisant ce passage, Gabrieli module-t-il dans des tonalités majeures, la tonalité de base de l’œuvre étant la mineur. Un autre effet d’écho se fait entendre un peu plus loin, opposant de manière concertante l’un des instruments aux quatre autres. À la faveur d’un bref passage homorythmique donnant l’image d’une respiration, d’un repos, le motif principal retrouve son chemin dans la polyphonie et s’impose de nouveau, cette fois-ci dans le registre aigu. Tout au long de l’œuvre, la diversité du discours musical se conjugue à l’éclat instrumental pour produire une musique (é)mouvante et richement colorée.,
Suggestions d’écoute En lien avec la genèse de l’œuvre : - Fantaisie, Canzone, etc. pour luth de Francesco da Milano (1497–1643) - Can vei la lauzeta mover, canso provençale de Bernard de Ventadour En lien avec les caractéristiques et la description de l’œuvre : - Début du Chant des oiseaux de Clément Janequin (chanson polyphonique dont le début est en rythme dactylique) - S’andasse amor a caccia tiré du Livre II des madrigaux de Claudio Monteverdi ,
Des pistes pédagogiques autour de ce contenu sont disponibles sur le portail de la Philharmonie de Paris. Consulter En cliquant sur Consulter, vous accédez à un site à destination des élèves et des enseignants de l'Éducation Nationale. ,
Pistes pédagogiques En lien avec le résumé et les caractéristiques de l’œuvre : Faire chanter aux élèves l’une des voix de la polyphonie entendue au tout début de l’œuvre, jusqu’à la tonique pour la quatrième voix et jusqu’à la dominante pour la cinquième (voix privilégiées car plus courtes et plus faciles à chanter). Présenter les portraits de François Ier par Titien et Clouet en relation avec les chansons de Janequin (La Guerre) et Costeley (Mignonne). ,
Auteur : Frédéric Lagès,
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Canzon I de Giovanni Gabrieli
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Canzon I, Giovanni Gabrieli, concerts éducatifs, Philharmonie de paris, outils éducatifs, oeuvre, compositeur, pédagogie, canonical-pad
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Canzon I de Giovanni Gabrieli
Dans ses Canzone, Gabrieli adopte une écriture à plusieurs voix égales en mettant l’accent sur les contrastes, les dynamiques, la spatialité. La nomenclature instrumentale n’est pas précisée.
https://drop.philharmoniedeparis.fr/CMDP/CMDP000005500/L-Ommegang-de-Bruxelles-le-31-mai-1615-par-Denis-van-Alsloot-(-detail-)©Museo-nacional-del-Prado_LQ.jpg
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2015-07-01T16:09:51.123+02:00
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Goubault Floriane
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Page découverte // ,
<cite>Canzon I</cite> <span class="sousTitre">Giovanni Gabrieli</span>
Procession de l’Ommegang de Bruxelles (détail), peinture de Denis van Alsloot, 1616. Museo nacional del Prado,
Carte d’identité de l’œuvre :Canzon I de Giovanni Gabrieli Genre musique pour ensemble instrumental Composition probablement entre 1597 et 1612 à Venise (publication posthume en 1615 dans le recueil Sacrae Symphoniae II) Forme pièce en un seul mouvement Instrumentation à cinq voix, instrumentation variable, non précisée à l’époque du compositeur ,
Genèse de l’œuvre : la <i>canzon</i> et son histoire Une canzonLe mot canzon dérive de la canso provençale, forme strophique superposant au texte en langue d’oc une ou plusieurs parties instrumentales, non notées dans les chansonniers. Exemples : Can vei la lauzeta mover de Bernard de Ventadour ou bien Lan can li jorn de Jaufré Rudel, tous deux troubadours du XIIe siècle. est une composition purement instrumentale (comme le sont les ricercari et les toccatas) associée aux transcriptions que firent beaucoup de musiciens italiens du XVIe siècle des chansons polyphoniques françaises très en vogue à cette époque. Ces transcriptions firent évoluer l’écriture de la canzon d’un style populaire à un style plus savant. Lors de la transcription, le compositeur a le souci de laisser la part belle à la vocalité (on doit pouvoir chanter les parties mélodiques). Dans ses Canzone, Gabrieli adopte une écriture à plusieurs voix égalesLes cinq voix sont homogènes, chacune prenant en charge à différents moments les éléments de la polyphonie. en mettant l’accent sur les contrastes, les dynamiques, la spatialité… Techniquement, la canzon au temps de Gabrieli se caractérise par les éléments suivants : Rythme dactylique au début (long-bref-bref) Écriture en imitationLes motifs musicaux sont entendus successivement à différentes hauteurs. Passages homorythmiquesToutes les voix sonores font le même rythme. fréquents Plusieurs thèmes ou motifs possibles Sections contrastantes rythmiquement (binaire/ternaire par exemple) Spatialisation, permise par exemple par le dialogue entre deux groupes d’instrumentistes Possibilité d’ornementation par le biais de diminutionsLa diminution consiste à reprendre le motif en écourtant les valeurs de notes. improvisées, créant de la virtuosité Égalité des voix dans l’écriture polyphonique La date de composition de l’œuvre est inconnue. Conformément aux exigences de l’époque, la nomenclature instrumentale n’est pas précisée et son interprétation est laissée au libre arbitre des interprètes qui peuvent utiliser les instruments qu’ils veulent. C’est ainsi qu’on peut entendre cette œuvre indifféremment par un ensemble de flûtes à bec, un ensemble mêlant les cornets, les trombones et les cordes (violons, violes), un ensemble de cuivres modernes (trombones et trompettes par exemple), un quintette de cuivres, etc., les instruments étant en plus ou moins grand nombre.,
Caractéristiques et description de la <cite>Canzon I</cite> La Canzon I à cinq voix commence par un bref motif mélodiqueLe motif mélodique constitue le début d’une phrase musicale qui s’épanouit différemment selon les voix au sein de la polyphonie. au rythme dactyliqueLe rythme long-bref-bref (dactyle) caractérise l’écriture de la forme canzon. caractéristique ; successivement, chacun des instruments le prend à son compte au gré des différentes entrées en imitation entendues au fur et à mesure en mouvement ascendant. Ce motif se divise en deux parties : le rythme dactylique proprement dit suivi de quelques notes plus souples et sinueuses Les cinq voix donnent alors naissance à une polyphonie souple et aérée que les transformations rythmique, mélodique et harmonique successives du motif colorent de savoureuses sonorités. Un changement très net s’opère lorsqu’un rythme pointé à l’allure dansante associé à un nouveau motif en mouvement conjoint s’insinue discrètement dans la texture et contamine rapidement toutes les voix ; ce nouveau motif est échangé entre les instrumentistes créant des effets d’écho. Gabrieli est un compositeur sensible à l’aspect harmonique de l’écriture et ses modulations sont fréquentes, ainsi, pour signifier l’élan festif caractérisant ce passage, Gabrieli module-t-il dans des tonalités majeures, la tonalité de base de l’œuvre étant la mineur. Un autre effet d’écho se fait entendre un peu plus loin, opposant de manière concertante l’un des instruments aux quatre autres. À la faveur d’un bref passage homorythmique donnant l’image d’une respiration, d’un repos, le motif principal retrouve son chemin dans la polyphonie et s’impose de nouveau, cette fois-ci dans le registre aigu. Tout au long de l’œuvre, la diversité du discours musical se conjugue à l’éclat instrumental pour produire une musique (é)mouvante et richement colorée.,
Suggestions d’écoute En lien avec la genèse de l’œuvre : - Fantaisie, Canzone, etc. pour luth de Francesco da Milano (1497–1643) - Can vei la lauzeta mover, canso provençale de Bernard de Ventadour En lien avec les caractéristiques et la description de l’œuvre : - Début du Chant des oiseaux de Clément Janequin (chanson polyphonique dont le début est en rythme dactylique) - S’andasse amor a caccia tiré du Livre II des madrigaux de Claudio Monteverdi ,
Des pistes pédagogiques autour de ce contenu sont disponibles sur le portail de la Philharmonie de Paris. Consulter En cliquant sur Consulter, vous accédez à un site à destination des élèves et des enseignants de l'Éducation Nationale. ,
Pistes pédagogiques En lien avec le résumé et les caractéristiques de l’œuvre : Faire chanter aux élèves l’une des voix de la polyphonie entendue au tout début de l’œuvre, jusqu’à la tonique pour la quatrième voix et jusqu’à la dominante pour la cinquième (voix privilégiées car plus courtes et plus faciles à chanter). Présenter les portraits de François Ier par Titien et Clouet en relation avec les chansons de Janequin (La Guerre) et Costeley (Mignonne). ,
Auteur : Frédéric Lagès,
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<cite>Canzon I</cite> <span class="sousTitre">Giovanni Gabrieli</span>
Procession de l’Ommegang de Bruxelles (détail), peinture de Denis van Alsloot, 1616. Museo nacional del Prado,
Carte d’identité de l’œuvre :Canzon I de Giovanni Gabrieli Genre musique pour ensemble instrumental Composition probablement entre 1597 et 1612 à Venise (publication posthume en 1615 dans le recueil Sacrae Symphoniae II) Forme pièce en un seul mouvement Instrumentation à cinq voix, instrumentation variable, non précisée à l’époque du compositeur ,
Genèse de l’œuvre : la <i>canzon</i> et son histoire Une canzonLe mot canzon dérive de la canso provençale, forme strophique superposant au texte en langue d’oc une ou plusieurs parties instrumentales, non notées dans les chansonniers. Exemples : Can vei la lauzeta mover de Bernard de Ventadour ou bien Lan can li jorn de Jaufré Rudel, tous deux troubadours du XIIe siècle. est une composition purement instrumentale (comme le sont les ricercari et les toccatas) associée aux transcriptions que firent beaucoup de musiciens italiens du XVIe siècle des chansons polyphoniques françaises très en vogue à cette époque. Ces transcriptions firent évoluer l’écriture de la canzon d’un style populaire à un style plus savant. Lors de la transcription, le compositeur a le souci de laisser la part belle à la vocalité (on doit pouvoir chanter les parties mélodiques). Dans ses Canzone, Gabrieli adopte une écriture à plusieurs voix égalesLes cinq voix sont homogènes, chacune prenant en charge à différents moments les éléments de la polyphonie. en mettant l’accent sur les contrastes, les dynamiques, la spatialité… Techniquement, la canzon au temps de Gabrieli se caractérise par les éléments suivants : Rythme dactylique au début (long-bref-bref) Écriture en imitationLes motifs musicaux sont entendus successivement à différentes hauteurs. Passages homorythmiquesToutes les voix sonores font le même rythme. fréquents Plusieurs thèmes ou motifs possibles Sections contrastantes rythmiquement (binaire/ternaire par exemple) Spatialisation, permise par exemple par le dialogue entre deux groupes d’instrumentistes Possibilité d’ornementation par le biais de diminutionsLa diminution consiste à reprendre le motif en écourtant les valeurs de notes. improvisées, créant de la virtuosité Égalité des voix dans l’écriture polyphonique La date de composition de l’œuvre est inconnue. Conformément aux exigences de l’époque, la nomenclature instrumentale n’est pas précisée et son interprétation est laissée au libre arbitre des interprètes qui peuvent utiliser les instruments qu’ils veulent. C’est ainsi qu’on peut entendre cette œuvre indifféremment par un ensemble de flûtes à bec, un ensemble mêlant les cornets, les trombones et les cordes (violons, violes), un ensemble de cuivres modernes (trombones et trompettes par exemple), un quintette de cuivres, etc., les instruments étant en plus ou moins grand nombre.,
Caractéristiques et description de la <cite>Canzon I</cite> La Canzon I à cinq voix commence par un bref motif mélodiqueLe motif mélodique constitue le début d’une phrase musicale qui s’épanouit différemment selon les voix au sein de la polyphonie. au rythme dactyliqueLe rythme long-bref-bref (dactyle) caractérise l’écriture de la forme canzon. caractéristique ; successivement, chacun des instruments le prend à son compte au gré des différentes entrées en imitation entendues au fur et à mesure en mouvement ascendant. Ce motif se divise en deux parties : le rythme dactylique proprement dit suivi de quelques notes plus souples et sinueuses Les cinq voix donnent alors naissance à une polyphonie souple et aérée que les transformations rythmique, mélodique et harmonique successives du motif colorent de savoureuses sonorités. Un changement très net s’opère lorsqu’un rythme pointé à l’allure dansante associé à un nouveau motif en mouvement conjoint s’insinue discrètement dans la texture et contamine rapidement toutes les voix ; ce nouveau motif est échangé entre les instrumentistes créant des effets d’écho. Gabrieli est un compositeur sensible à l’aspect harmonique de l’écriture et ses modulations sont fréquentes, ainsi, pour signifier l’élan festif caractérisant ce passage, Gabrieli module-t-il dans des tonalités majeures, la tonalité de base de l’œuvre étant la mineur. Un autre effet d’écho se fait entendre un peu plus loin, opposant de manière concertante l’un des instruments aux quatre autres. À la faveur d’un bref passage homorythmique donnant l’image d’une respiration, d’un repos, le motif principal retrouve son chemin dans la polyphonie et s’impose de nouveau, cette fois-ci dans le registre aigu. Tout au long de l’œuvre, la diversité du discours musical se conjugue à l’éclat instrumental pour produire une musique (é)mouvante et richement colorée.,
Suggestions d’écoute En lien avec la genèse de l’œuvre : - Fantaisie, Canzone, etc. pour luth de Francesco da Milano (1497–1643) - Can vei la lauzeta mover, canso provençale de Bernard de Ventadour En lien avec les caractéristiques et la description de l’œuvre : - Début du Chant des oiseaux de Clément Janequin (chanson polyphonique dont le début est en rythme dactylique) - S’andasse amor a caccia tiré du Livre II des madrigaux de Claudio Monteverdi ,
Des pistes pédagogiques autour de ce contenu sont disponibles sur le portail de la Philharmonie de Paris. Consulter En cliquant sur Consulter, vous accédez à un site à destination des élèves et des enseignants de l'Éducation Nationale. ,
Pistes pédagogiques En lien avec le résumé et les caractéristiques de l’œuvre : Faire chanter aux élèves l’une des voix de la polyphonie entendue au tout début de l’œuvre, jusqu’à la tonique pour la quatrième voix et jusqu’à la dominante pour la cinquième (voix privilégiées car plus courtes et plus faciles à chanter). Présenter les portraits de François Ier par Titien et Clouet en relation avec les chansons de Janequin (La Guerre) et Costeley (Mignonne). ,
Auteur : Frédéric Lagès,
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Claudio Monteverdi et le madrigal
Genre poétique et vocal, contemporain de l'humanisme italien, le madrigal illustre le passage de la Renaissance au baroque. Monteverdi apporte une contribution majeure à son évolution.
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Claudio Monteverdi et le madrigal,
Concert vocal, école italienne, XVIe siècle. Bourges, Musée des arts décoratifs, hôtel Lallemant,
La naissance d’un genre nouveau À partir du XIVe siècle, l’Italie voit l’apparition successive de deux formes de madrigal : la première ne dure que l’espace d’un siècle (de 1320 à 1420 environ), et la seconde naît au XVIe siècle (vers 1520). Genre poétique et vocal, principalement profane (bien qu’il existe également des pièces religieuses), cette seconde forme de madrigal est une synthèse entre le style franco-flamandlangage musical savant qui régnait alors dans les cours d’Italie du Nord et des musiques vocales traditionnelles italiennes plus populairesla frottola, la canzonetta.... Contemporain de l’humanisme italien, ce genre illustre particulièrement le passage de la Renaissance au baroque, de la prima pratticala polyphonie et le contrepoint rigoureux de l’école franco-flamande à la seconda pratticala monodie (chant à une seule voix) accompagnée. Le compositeur italien Claudio Monteverdi (1567-1643) apporte une contribution majeure à cette évolution. De 1587 à 1638, il écrit environ 200 madrigaux, publiés en huit livres au fil desquels on peut suivre la progression de son style : les Livres I à IV sont écrits dans un langage polyphonique et chantés a cappellasans accompagnement instrumental. Monteverdi y exploite les ressources de cette musique à plusieurs voix ; dans les Livres V et VI, il s’émancipe des règles et transcende la polyphonie du passé à la recherche d’un idéal dramatique, celui d’exprimer musicalement les émotions véhiculées par le texte. Le Livre V voit l’apparition d’une basse continueligne de basse à partir de laquelle un instrument réalise des accords, venue s’ajouter aux voix ; dans les Livres VII et VIII, c’est le triomphe de la monodie accompagnée. Ces pièces chantées, pures, élégantes, où texte et musique s’accordent, ouvrent la voie à l’opéra. ,
Un rapport étroit entre le texte et la musique Au XVIe siècle, les compositeurs s’attachent à lier plus intimement le texte et la musique des œuvres chantées. Ils cherchent à adapter les procédés de la rhétoriqueart de persuader par le discours à la musique, c’est-à-dire à souligner le texte, à le mettre en valeur, par des moyens spécifiquement musicaux, appelés figuralismes. Le madrigal devient alors un genre privilégié pour mettre au point ce nouveau style d’écriture, tant et si bien que le mot « madrigalisme » (effet musical utilisé dans un madrigal pour accentuer le texte) est progressivement devenu synonyme du terme « figuralisme » (relatif à un contexte plus général hors du seul genre du madrigal). Réunion musicale, peinture de Lumen Portengen, 1643. Musée de Tessé, Le Mans Monteverdi précise dans la préface de son dernier Livre de madrigaux : Les esprits novateurs pourront chercher des choses nouvelles relatives à l’harmonie et acquérir la certitude que le compositeur moderne construit ses œuvres en se basant sur la vérité. Cette vérité se situe dans les rapports entre le texte et la musique, dont voici quelques exemples : Un rythme descriptif Amour, désespoir, rédemption, colère, fracas des armes… Dès le début du Combat de Tancrède et Clorinde (Livre VIII, 1638), le récitant expose la situation. Son récitatif, calme dans un premier temps, s’anime : Segue egli impetuoso, onde assai prima che giunga, in guisa avvien che d’armi suone ch’ella si volge e grida... Il la suit, impétueux, et bien avant de la rejoindre, résonne le bruit des armes, elle se retourne et lui crie... Le débit accélère, l’accompagnement instrumental s’emporte et répète des formules rythmiques proches des trémolosrépétition rapide d’une même note. La musique, capable d’exprimer des émotions, suggère ici l’agitation du récit. Ce nouveau style d’écriture, traduisant spécifiquement un état d’âme agité, est appelé stile concitato. Dissonances et notes longues Au début du Lamento della Ninfa (Livre VIII, 1638), une plainte poignante, les trois voix chantent en homorythmieTout le monde chante le même rythme. et laissent donc entendre les paroles avec clarté. Très vite, des mots-clés sont mis en évidence : les termes suo dolor (sa douleur) s’étirent sur des notes plus longues chantées avec des intervalles dissonantsintervalles de notes qui créent une certaine tension. Peu après, les deux voix supérieures s’élèvent vers l’aigu et toutes s’arrêtent sur le terme un gran (un grand) qui attire l’attention, encadré par deux silences le mettant en valeur. Puis les voix redescendent et se détendent lentement sur sospir dal cor (soupir du cœur). Le désespoir est palpable. Les mouvements mélodiques Le premier vers du Lamento d’Arianna (Livre VI, 1632), Lasciatemi morire (Laissez-moi mourir), fait entendre les deux voix aiguës unies dans un même dessin mélodique : demi-ton ascendant, puis descente d’une quarteIntervalle de quatre notes, cette descente évoque la mort., suivie d’un demi-ton descendant. Les chromatismesmouvements mélodiques qui évoluent par demi-tons, do-do#-ré par exemple, particulièrement expressifs, sont ici utilisés pour symboliser la douleur. Les trois autres voix prennent le relais, décalées, mais l’essentiel a été dit et compris. L’oreille perçoit alors de cette polyphonie les deux syllabes la - scia (de lasciatemi) qui pointent à diverses hauteurs. On comprend qu’Ariane, femme amoureuse et abandonnée, supplie et attend la mort comme une délivrance. Une mise en scène de la douleur.,
Auteure : Sylvia Avrand-Margot,
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Genre poétique et vocal, contemporain de l'humanisme italien, le madrigal illustre le passage de la Renaissance au baroque. Monteverdi apporte une contribution majeure à son évolution.
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La naissance d’un genre nouveau À partir du XIVe siècle, l’Italie voit l’apparition successive de deux formes de madrigal : la première ne dure que l’espace d’un siècle (de 1320 à 1420 environ), et la seconde naît au XVIe siècle (vers 1520). Genre poétique et vocal, principalement profane (bien qu’il existe également des pièces religieuses), cette seconde forme de madrigal est une synthèse entre le style franco-flamandlangage musical savant qui régnait alors dans les cours d’Italie du Nord et des musiques vocales traditionnelles italiennes plus populairesla frottola, la canzonetta.... Contemporain de l’humanisme italien, ce genre illustre particulièrement le passage de la Renaissance au baroque, de la prima pratticala polyphonie et le contrepoint rigoureux de l’école franco-flamande à la seconda pratticala monodie (chant à une seule voix) accompagnée. Le compositeur italien Claudio Monteverdi (1567-1643) apporte une contribution majeure à cette évolution. De 1587 à 1638, il écrit environ 200 madrigaux, publiés en huit livres au fil desquels on peut suivre la progression de son style : les Livres I à IV sont écrits dans un langage polyphonique et chantés a cappellasans accompagnement instrumental. Monteverdi y exploite les ressources de cette musique à plusieurs voix ; dans les Livres V et VI, il s’émancipe des règles et transcende la polyphonie du passé à la recherche d’un idéal dramatique, celui d’exprimer musicalement les émotions véhiculées par le texte. Le Livre V voit l’apparition d’une basse continueligne de basse à partir de laquelle un instrument réalise des accords, venue s’ajouter aux voix ; dans les Livres VII et VIII, c’est le triomphe de la monodie accompagnée. Ces pièces chantées, pures, élégantes, où texte et musique s’accordent, ouvrent la voie à l’opéra. ,
Un rapport étroit entre le texte et la musique Au XVIe siècle, les compositeurs s’attachent à lier plus intimement le texte et la musique des œuvres chantées. Ils cherchent à adapter les procédés de la rhétoriqueart de persuader par le discours à la musique, c’est-à-dire à souligner le texte, à le mettre en valeur, par des moyens spécifiquement musicaux, appelés figuralismes. Le madrigal devient alors un genre privilégié pour mettre au point ce nouveau style d’écriture, tant et si bien que le mot « madrigalisme » (effet musical utilisé dans un madrigal pour accentuer le texte) est progressivement devenu synonyme du terme « figuralisme » (relatif à un contexte plus général hors du seul genre du madrigal). Réunion musicale, peinture de Lumen Portengen, 1643. Musée de Tessé, Le Mans Monteverdi précise dans la préface de son dernier Livre de madrigaux : Les esprits novateurs pourront chercher des choses nouvelles relatives à l’harmonie et acquérir la certitude que le compositeur moderne construit ses œuvres en se basant sur la vérité. Cette vérité se situe dans les rapports entre le texte et la musique, dont voici quelques exemples : Un rythme descriptif Amour, désespoir, rédemption, colère, fracas des armes… Dès le début du Combat de Tancrède et Clorinde (Livre VIII, 1638), le récitant expose la situation. Son récitatif, calme dans un premier temps, s’anime : Segue egli impetuoso, onde assai prima che giunga, in guisa avvien che d’armi suone ch’ella si volge e grida... Il la suit, impétueux, et bien avant de la rejoindre, résonne le bruit des armes, elle se retourne et lui crie... Le débit accélère, l’accompagnement instrumental s’emporte et répète des formules rythmiques proches des trémolosrépétition rapide d’une même note. La musique, capable d’exprimer des émotions, suggère ici l’agitation du récit. Ce nouveau style d’écriture, traduisant spécifiquement un état d’âme agité, est appelé stile concitato. Dissonances et notes longues Au début du Lamento della Ninfa (Livre VIII, 1638), une plainte poignante, les trois voix chantent en homorythmieTout le monde chante le même rythme. et laissent donc entendre les paroles avec clarté. Très vite, des mots-clés sont mis en évidence : les termes suo dolor (sa douleur) s’étirent sur des notes plus longues chantées avec des intervalles dissonantsintervalles de notes qui créent une certaine tension. Peu après, les deux voix supérieures s’élèvent vers l’aigu et toutes s’arrêtent sur le terme un gran (un grand) qui attire l’attention, encadré par deux silences le mettant en valeur. Puis les voix redescendent et se détendent lentement sur sospir dal cor (soupir du cœur). Le désespoir est palpable. Les mouvements mélodiques Le premier vers du Lamento d’Arianna (Livre VI, 1632), Lasciatemi morire (Laissez-moi mourir), fait entendre les deux voix aiguës unies dans un même dessin mélodique : demi-ton ascendant, puis descente d’une quarteIntervalle de quatre notes, cette descente évoque la mort., suivie d’un demi-ton descendant. Les chromatismesmouvements mélodiques qui évoluent par demi-tons, do-do#-ré par exemple, particulièrement expressifs, sont ici utilisés pour symboliser la douleur. Les trois autres voix prennent le relais, décalées, mais l’essentiel a été dit et compris. L’oreille perçoit alors de cette polyphonie les deux syllabes la - scia (de lasciatemi) qui pointent à diverses hauteurs. On comprend qu’Ariane, femme amoureuse et abandonnée, supplie et attend la mort comme une délivrance. Une mise en scène de la douleur.,
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La naissance d’un genre nouveau À partir du XIVe siècle, l’Italie voit l’apparition successive de deux formes de madrigal : la première ne dure que l’espace d’un siècle (de 1320 à 1420 environ), et la seconde naît au XVIe siècle (vers 1520). Genre poétique et vocal, principalement profane (bien qu’il existe également des pièces religieuses), cette seconde forme de madrigal est une synthèse entre le style franco-flamandlangage musical savant qui régnait alors dans les cours d’Italie du Nord et des musiques vocales traditionnelles italiennes plus populairesla frottola, la canzonetta.... Contemporain de l’humanisme italien, ce genre illustre particulièrement le passage de la Renaissance au baroque, de la prima pratticala polyphonie et le contrepoint rigoureux de l’école franco-flamande à la seconda pratticala monodie (chant à une seule voix) accompagnée. Le compositeur italien Claudio Monteverdi (1567-1643) apporte une contribution majeure à cette évolution. De 1587 à 1638, il écrit environ 200 madrigaux, publiés en huit livres au fil desquels on peut suivre la progression de son style : les Livres I à IV sont écrits dans un langage polyphonique et chantés a cappellasans accompagnement instrumental. Monteverdi y exploite les ressources de cette musique à plusieurs voix ; dans les Livres V et VI, il s’émancipe des règles et transcende la polyphonie du passé à la recherche d’un idéal dramatique, celui d’exprimer musicalement les émotions véhiculées par le texte. Le Livre V voit l’apparition d’une basse continueligne de basse à partir de laquelle un instrument réalise des accords, venue s’ajouter aux voix ; dans les Livres VII et VIII, c’est le triomphe de la monodie accompagnée. Ces pièces chantées, pures, élégantes, où texte et musique s’accordent, ouvrent la voie à l’opéra. ,
Un rapport étroit entre le texte et la musique Au XVIe siècle, les compositeurs s’attachent à lier plus intimement le texte et la musique des œuvres chantées. Ils cherchent à adapter les procédés de la rhétoriqueart de persuader par le discours à la musique, c’est-à-dire à souligner le texte, à le mettre en valeur, par des moyens spécifiquement musicaux, appelés figuralismes. Le madrigal devient alors un genre privilégié pour mettre au point ce nouveau style d’écriture, tant et si bien que le mot « madrigalisme » (effet musical utilisé dans un madrigal pour accentuer le texte) est progressivement devenu synonyme du terme « figuralisme » (relatif à un contexte plus général hors du seul genre du madrigal). Réunion musicale, peinture de Lumen Portengen, 1643. Musée de Tessé, Le Mans Monteverdi précise dans la préface de son dernier Livre de madrigaux : Les esprits novateurs pourront chercher des choses nouvelles relatives à l’harmonie et acquérir la certitude que le compositeur moderne construit ses œuvres en se basant sur la vérité. Cette vérité se situe dans les rapports entre le texte et la musique, dont voici quelques exemples : Un rythme descriptif Amour, désespoir, rédemption, colère, fracas des armes… Dès le début du Combat de Tancrède et Clorinde (Livre VIII, 1638), le récitant expose la situation. Son récitatif, calme dans un premier temps, s’anime : Segue egli impetuoso, onde assai prima che giunga, in guisa avvien che d’armi suone ch’ella si volge e grida... Il la suit, impétueux, et bien avant de la rejoindre, résonne le bruit des armes, elle se retourne et lui crie... Le débit accélère, l’accompagnement instrumental s’emporte et répète des formules rythmiques proches des trémolosrépétition rapide d’une même note. La musique, capable d’exprimer des émotions, suggère ici l’agitation du récit. Ce nouveau style d’écriture, traduisant spécifiquement un état d’âme agité, est appelé stile concitato. Dissonances et notes longues Au début du Lamento della Ninfa (Livre VIII, 1638), une plainte poignante, les trois voix chantent en homorythmieTout le monde chante le même rythme. et laissent donc entendre les paroles avec clarté. Très vite, des mots-clés sont mis en évidence : les termes suo dolor (sa douleur) s’étirent sur des notes plus longues chantées avec des intervalles dissonantsintervalles de notes qui créent une certaine tension. Peu après, les deux voix supérieures s’élèvent vers l’aigu et toutes s’arrêtent sur le terme un gran (un grand) qui attire l’attention, encadré par deux silences le mettant en valeur. Puis les voix redescendent et se détendent lentement sur sospir dal cor (soupir du cœur). Le désespoir est palpable. Les mouvements mélodiques Le premier vers du Lamento d’Arianna (Livre VI, 1632), Lasciatemi morire (Laissez-moi mourir), fait entendre les deux voix aiguës unies dans un même dessin mélodique : demi-ton ascendant, puis descente d’une quarteIntervalle de quatre notes, cette descente évoque la mort., suivie d’un demi-ton descendant. Les chromatismesmouvements mélodiques qui évoluent par demi-tons, do-do#-ré par exemple, particulièrement expressifs, sont ici utilisés pour symboliser la douleur. Les trois autres voix prennent le relais, décalées, mais l’essentiel a été dit et compris. L’oreille perçoit alors de cette polyphonie les deux syllabes la - scia (de lasciatemi) qui pointent à diverses hauteurs. On comprend qu’Ariane, femme amoureuse et abandonnée, supplie et attend la mort comme une délivrance. Une mise en scène de la douleur.,
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Claudio Monteverdi et le madrigal
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L’Été extrait des Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi
L’Été, extrait des Quatre Saisons de Vivaldi, est un concerto pour violon édité en 1725. Il évoque l’atmosphère pesante et la sécheresse de l’été, avant l’éclatement de l’orage.
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français
outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Antonio Vivaldi, L'Été des Quatre saisons, canonical-pad
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Concerto pour violon op. 8 n° 2 « L’Été »extrait des Quatre saisonsAntonio Vivaldi,
Meules de foin et soleil, de Norman Garstin, 1886. Tate Gallery CC-BY-NC-ND,
Carte d’identité de l’œuvre :L’Été (opus 8 n° 2) des Quatre Saisons de Antonio Vivaldi Genre musique concertante : concerto Dédicataire de l’Opus 8 le comte Morzin Édition de l’Opus 8 en 1725 (composition probablement antérieure de plusieurs années) Forme concerto en trois mouvements :I. Allegro mà non molto II. AdagioIII. Presto Instrumentation violon solo, violons 1, violons 2, altos, violoncelles et basse continue (clavecin) ,
Qu’est-ce qu’un concerto ? Il s’agit d’une composition musicale opposant un ou plusieurs instruments solistes à un orchestre. Vivaldi, à la suite des compositeurs italiens Corelli et Torelli, participe au développement de ce genre très prisé par les générations suivantes. À l’époque de Vivaldi, c’est le concerto grosso qui domine : un ensemble de solistes (le concertino) dialogue avec l’orchestre (le ripieno). Progressivement, Vivaldi va faire ressortir non plus un bloc d’instruments, mais un seul soliste. Ce choix est à peu près définitif à partir des concertos du recueil La Stravaganza, édité à 36 ans. De plus, grâce au compositeur vénitien, le concerto adopte rapidement une forme en trois mouvements, vif-lent-vif, qui se généralise par la suite. Les concertos de Vivaldi sont traités de telle manière qu’ils permettent au soliste de mettre en valeur tout son talent.,
Contexte de composition Le 14 décembre 1725, la Gazette d’Amsterdam annonce la parution de l’Opus n° 8 d’Antonio Vivaldi, Il Cimento dell’Armonia e dell’ InventioneL’épreuve de l’harmonie et de l’invention, un nouveau recueil de concertos pour violon. Treize ans après son premier recueil, l’Opus n° 3 intitulé L’Estro ArmonicoPremières œuvres à être éditées chez l’important éditeur d’Amsterdam Estienne Roger, ce recueil comporte, entre autres, des concertos de soliste, grande nouveauté pour l’époque. (1711), et cinq ans après son dernier opus (1720), Vivaldi poursuit dans le genre du concerto pour soliste qu’il a largement contribué à développer. Il en fixe la forme en trois mouvements (vif-lent-vif) et généralise l’utilisation de la forme ritournellealternance de ritournelles jouées tutti (par tout l’orchestre) et de passages solistes dans les mouvements rapides. L’Opus n° 8 comprend douze concertos. Certaines de ces pièces, dont les fameuses Quatre Saisons, ont été composées avant 1725 comme le laisse entendre la dédicace de Vivaldi au comte Wenzel von Morzin : Ne soyez pas surpris, je vous prie, si, parmi ces quelques faibles concertos, V. ILL. S. retrouvera les Quatre Saisons qu’elle a accueillies autrefois avec une très généreuse bonté. Le retard de la publication est sans doute dû à des difficultés rencontrées par l’éditeurEstienne Roger, malade, décède en 1722. C’est son gendre, Michel-Charles Le Cène, qui rependra l’entreprise et publiera le recueil de Vivaldi.. Dans sa dédicace, le compositeur ajoute que les concertos des Quatre Saisons sont désormais chacun accompagnés d’un argument littéraire : un sonnet pour chaque saison (dont Vivaldi pourrait lui-même être l’auteur). La partitionIl n’existe pas de manuscrit autographe des Quatre Saisons. Les partitions les plus anciennes sont les copies de Manchester issues de la collection musicale de Pietro Ottoboni, datant peut-être de 1726. est annotée de lettres majuscules renvoyant aux différents vers des sonnets, ainsi que de commentaires explicites sur ce que la musique cherche à illustrer (« le chien aboie », « vents violents » ou encore « la complainte du villageois »). Vivaldi utilise de nombreux effets et figuralismesprocédés qui permettent d'évoquer musicalement une idée, un sentiment déjà largement employés dans l’opéra, un genre dont il maîtrise à la perfection les codesVivaldi revendique avoir composé plus de 90 opéras. Même si ce nombre est sans doute exagéré, on en recense toutefois plus de 40.. Les ritournelles tuttipar tout l’orchestre des mouvements rapides peignent le décor et l’ambiance générale, tandis que les passages solistes expriment des détails plus précis (comme des chants d’oiseaux bien spécifiques : coucou, tourterelle…). Les mouvements lents, plus statiques, chargés d’une atmosphère souvent pesante, sont le prétexte aux instants de repos et de sommeil.,
Texte du poème accompagnant le concerto I. Allegro mà non moltoA. Sotto dura Stagion dal Sole accesa Langue l’Uom, langue ’l Gregge, ed arde il PinoB. Scioglie ’l Cucco la voce, e tosto intesaC. Canta la Tortorella, e ’l Gardelino.D. Zeffiro dolce spira, mà contesa Muove Borea improviso al suo vicinoE. E piange il Pastorel, perchè sospesa Teme fiera borasca, e ’l suo destino. II. AdagioF. Toglie alle membra lasse il suo riposo Il timore de’ Lampi, e tuoni fieri E de’ mosche, e mossoni il stuol furioso. III. PrestoG. Ah che pur troppo i suoi timor son veri Tuona, fulmina il Ciel, e grandinoso Tronca il capo alle spiche, e à grani altieri. I. Allegro mà non moltoA. Par la dure saison qu’attise le soleil ardentL’homme est harassé, ainsi que le troupeau, et le pin se consume ;B. Le coucou retrouve sa voix et joint son chantC. À celui de la tourterelle, puis du chardonneret.D. Zéphyr passe doucement ;Mais Borée qui arrive le bouscule.E. Inquiet, le berger pleureCar il craint la rude bourrasque et ses effets. II. AdagioF. Les éclairs, les coups de tonnerre Le vrombissement furieux des mouches et des insectes L’empêchent de se reposer et de soulager ses membres las. III. PrestoG. Ah comme ses craintes sont réelles ! Il tonne ; la foudre gronde dans le ciel et la grêle Couche au sol les blés, et tous les autres grains. Le texte en italien est tiré de la partition éditée par Bärenreiter en 2002. La traduction du texte est tirée du livre Antonio Vivaldi de Sylvie Mamy, Éditions Fayard, 2011.,
Déroulé de l’œuvre I. Allegro mà non molto Ce premier mouvement plonge immédiatement l’auditeur dans la torpeur provoquée par la chaleur de l’été. La lassitude de « l’homme harassé » sous « le soleil ardent » (A) est figurée par les gammes descendantes liées, relayées entre les violons et les cordes graves. On se laisse alors bercer par le balancement langoureux de la ritournelle introductive : un rythme anapeste (deux brèves + une longue) répété, chaque fois donné un ton plus bas et suivi d’un silence éloquent. Soudain, le chant du coucou retentit (B) : le premier solo du violon est une suite effrénée de notes rapides, régulièrement ponctuée d’un intervalle de tierce descendante, caractéristique du chant du coucou. La ritournelle langoureuse revient avant le deuxième solo de violon, chantant la tourterelle et le chardonneret (C). Le tutti qui suit évoque le vent qui se lève (D) : d’abord doucement, nuance piano, puis en bourrasques tournoyantes, forte. Le berger inquiet émet un chant plaintif (E) : la ligne mélodique, sinueuse, crée des dissonances avec la basse qui procède par mouvements chromatiquespar demi-tons descendants. Le retour de la bourrasque clôt le mouvement : avec toutes les cordes à l’unisson/octave, sans ritournelle de fin, le vent violent triomphe de l’atmosphère pesante de l’été. II. Adagio Le berger n’en finit pas de se plaindre dans ce deuxième mouvement : après les bourrasques du vent, les mouches et autres insectes l’empêchent de dormir (F). Ceux-ci sont figurés par un motif pointé aux violons répété en ostinatomotif mélodique et/ou rythmique, inlassablement répété , tandis que le violon solo émet par-dessus sa complainte. Par moments, le grondement menaçant de l’orage qui approche se fait entendre dans les trémolosrépétition très rapide d’une même note des cordes à l’unisson/octave. III. Presto L’orage (G) est enfin là dans le dernier mouvement. La ritournelle d’introduction fait entendre plusieurs éléments figurant la tempête : le tonnerre est représenté par les trémolos des cordes à l’unisson/octave (déjà entendus dans le deuxième mouvement), les bourrasques de pluie et de vent par les grandes gammes descendantes, les éclairs par les fusées ascendantes… Les ritournelles orageuses alternent avec des passages solistes, très virtuoses, qui ont fait le succès de cette pièce.,
La Moisson, de Pieter Bruegel l'ancien, 1565. Metropolitan Museum CC0,
Des pistes pédagogiques autour de ce contenu sont disponibles sur le portail de la Philharmonie de Paris. Consulter En cliquant sur Consulter, vous accédez à un site à destination des élèves et des enseignants de l'Éducation Nationale. ,
Pistes pédagogiques Musique Les saisons sont un thème abordé par de nombreux compositeurs, à toutes les époques. Elles font l’objet de compositions appartenant à tous les genres musicaux : la musique de ballet : Lully, Glazounov, Stravinski, Cage, ou encore Verdi pour le ballet intégré dans son opéra Les Vêpres siciliennes ; les compositions symphoniques : Rondes de printemps de Debussy, la Symphonie n° 1 « Le Printemps » de Schumann, la Symphonie n° 1 « Rêves d'hiver » de Tchaïkovski, Les Chasseurs dans la neige de Dufourt ; les œuvres chorales : Spring Symphony de Britten, l'oratorio Les Saisons de Haydn, Le Bûcher d’hiver de Prokofiev ; les pièces pour piano : Étude op. 25 n° 11 « Le Vent d’hiver » de Chopin, Les Saisons de Tchaïkovski ; de nombreux textes évoquant les saisons sont également mis en musique par les compositeurs dans des mélodies, des lieder, des madrigaux... Arts visuels Aux XVIIe et XVIIIe siècles, les saisons sont un thème récurrent dans les arts décoratifs (papiers peints, gravures, porcelaines…), mais également dans la sculpture et la peinture : en peinture, les saisons peuvent être représentées à travers des paysages ou des scènes de vie (la série Les Saisons de Poussin, les six tableaux du Cycle des saisons de Brueghel l’Ancien), ou par des personnages allégoriques (les peintures de Andrea Casali, de Pierre Gobert, Allégorie de l’été et l’hiver de Giovanni Battista Pittoni) ; en sculpture, la représentation des saisons est presque toujours allégorique : Le Printemps et L’Automne de François Barois, L’Hiver de Pierre Legros l’Aîné ou de Jean-Melchior Raon, sans compter les nombreuses sculptures dans le parc du château de Versailles. ,
Auteurs : Jean-Marc Goossens, Floriane Goubault et Jean-Marie Lamour,
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L’Été, extrait des Quatre Saisons de Vivaldi, est un concerto pour violon édité en 1725. Il évoque l’atmosphère pesante et la sécheresse de l’été, avant l’éclatement de l’orage.
https://drop.philharmoniedeparis.fr/oeuvres/Vivaldi/Quatre-Saisons/Meules-de-foin-et-soleil-par-Norman-Garstin-1886,-Tate-Gallery-CC-BY-NC-ND_350.jpg
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Concerto pour violon op. 8 n° 2 « L’Été »extrait des Quatre saisonsAntonio Vivaldi,
Meules de foin et soleil, de Norman Garstin, 1886. Tate Gallery CC-BY-NC-ND,
Carte d’identité de l’œuvre :L’Été (opus 8 n° 2) des Quatre Saisons de Antonio Vivaldi Genre musique concertante : concerto Dédicataire de l’Opus 8 le comte Morzin Édition de l’Opus 8 en 1725 (composition probablement antérieure de plusieurs années) Forme concerto en trois mouvements :I. Allegro mà non molto II. AdagioIII. Presto Instrumentation violon solo, violons 1, violons 2, altos, violoncelles et basse continue (clavecin) ,
Qu’est-ce qu’un concerto ? Il s’agit d’une composition musicale opposant un ou plusieurs instruments solistes à un orchestre. Vivaldi, à la suite des compositeurs italiens Corelli et Torelli, participe au développement de ce genre très prisé par les générations suivantes. À l’époque de Vivaldi, c’est le concerto grosso qui domine : un ensemble de solistes (le concertino) dialogue avec l’orchestre (le ripieno). Progressivement, Vivaldi va faire ressortir non plus un bloc d’instruments, mais un seul soliste. Ce choix est à peu près définitif à partir des concertos du recueil La Stravaganza, édité à 36 ans. De plus, grâce au compositeur vénitien, le concerto adopte rapidement une forme en trois mouvements, vif-lent-vif, qui se généralise par la suite. Les concertos de Vivaldi sont traités de telle manière qu’ils permettent au soliste de mettre en valeur tout son talent.,
Contexte de composition Le 14 décembre 1725, la Gazette d’Amsterdam annonce la parution de l’Opus n° 8 d’Antonio Vivaldi, Il Cimento dell’Armonia e dell’ InventioneL’épreuve de l’harmonie et de l’invention, un nouveau recueil de concertos pour violon. Treize ans après son premier recueil, l’Opus n° 3 intitulé L’Estro ArmonicoPremières œuvres à être éditées chez l’important éditeur d’Amsterdam Estienne Roger, ce recueil comporte, entre autres, des concertos de soliste, grande nouveauté pour l’époque. (1711), et cinq ans après son dernier opus (1720), Vivaldi poursuit dans le genre du concerto pour soliste qu’il a largement contribué à développer. Il en fixe la forme en trois mouvements (vif-lent-vif) et généralise l’utilisation de la forme ritournellealternance de ritournelles jouées tutti (par tout l’orchestre) et de passages solistes dans les mouvements rapides. L’Opus n° 8 comprend douze concertos. Certaines de ces pièces, dont les fameuses Quatre Saisons, ont été composées avant 1725 comme le laisse entendre la dédicace de Vivaldi au comte Wenzel von Morzin : Ne soyez pas surpris, je vous prie, si, parmi ces quelques faibles concertos, V. ILL. S. retrouvera les Quatre Saisons qu’elle a accueillies autrefois avec une très généreuse bonté. Le retard de la publication est sans doute dû à des difficultés rencontrées par l’éditeurEstienne Roger, malade, décède en 1722. C’est son gendre, Michel-Charles Le Cène, qui rependra l’entreprise et publiera le recueil de Vivaldi.. Dans sa dédicace, le compositeur ajoute que les concertos des Quatre Saisons sont désormais chacun accompagnés d’un argument littéraire : un sonnet pour chaque saison (dont Vivaldi pourrait lui-même être l’auteur). La partitionIl n’existe pas de manuscrit autographe des Quatre Saisons. Les partitions les plus anciennes sont les copies de Manchester issues de la collection musicale de Pietro Ottoboni, datant peut-être de 1726. est annotée de lettres majuscules renvoyant aux différents vers des sonnets, ainsi que de commentaires explicites sur ce que la musique cherche à illustrer (« le chien aboie », « vents violents » ou encore « la complainte du villageois »). Vivaldi utilise de nombreux effets et figuralismesprocédés qui permettent d'évoquer musicalement une idée, un sentiment déjà largement employés dans l’opéra, un genre dont il maîtrise à la perfection les codesVivaldi revendique avoir composé plus de 90 opéras. Même si ce nombre est sans doute exagéré, on en recense toutefois plus de 40.. Les ritournelles tuttipar tout l’orchestre des mouvements rapides peignent le décor et l’ambiance générale, tandis que les passages solistes expriment des détails plus précis (comme des chants d’oiseaux bien spécifiques : coucou, tourterelle…). Les mouvements lents, plus statiques, chargés d’une atmosphère souvent pesante, sont le prétexte aux instants de repos et de sommeil.,
Texte du poème accompagnant le concerto I. Allegro mà non moltoA. Sotto dura Stagion dal Sole accesa Langue l’Uom, langue ’l Gregge, ed arde il PinoB. Scioglie ’l Cucco la voce, e tosto intesaC. Canta la Tortorella, e ’l Gardelino.D. Zeffiro dolce spira, mà contesa Muove Borea improviso al suo vicinoE. E piange il Pastorel, perchè sospesa Teme fiera borasca, e ’l suo destino. II. AdagioF. Toglie alle membra lasse il suo riposo Il timore de’ Lampi, e tuoni fieri E de’ mosche, e mossoni il stuol furioso. III. PrestoG. Ah che pur troppo i suoi timor son veri Tuona, fulmina il Ciel, e grandinoso Tronca il capo alle spiche, e à grani altieri. I. Allegro mà non moltoA. Par la dure saison qu’attise le soleil ardentL’homme est harassé, ainsi que le troupeau, et le pin se consume ;B. Le coucou retrouve sa voix et joint son chantC. À celui de la tourterelle, puis du chardonneret.D. Zéphyr passe doucement ;Mais Borée qui arrive le bouscule.E. Inquiet, le berger pleureCar il craint la rude bourrasque et ses effets. II. AdagioF. Les éclairs, les coups de tonnerre Le vrombissement furieux des mouches et des insectes L’empêchent de se reposer et de soulager ses membres las. III. PrestoG. Ah comme ses craintes sont réelles ! Il tonne ; la foudre gronde dans le ciel et la grêle Couche au sol les blés, et tous les autres grains. Le texte en italien est tiré de la partition éditée par Bärenreiter en 2002. La traduction du texte est tirée du livre Antonio Vivaldi de Sylvie Mamy, Éditions Fayard, 2011.,
Déroulé de l’œuvre I. Allegro mà non molto Ce premier mouvement plonge immédiatement l’auditeur dans la torpeur provoquée par la chaleur de l’été. La lassitude de « l’homme harassé » sous « le soleil ardent » (A) est figurée par les gammes descendantes liées, relayées entre les violons et les cordes graves. On se laisse alors bercer par le balancement langoureux de la ritournelle introductive : un rythme anapeste (deux brèves + une longue) répété, chaque fois donné un ton plus bas et suivi d’un silence éloquent. Soudain, le chant du coucou retentit (B) : le premier solo du violon est une suite effrénée de notes rapides, régulièrement ponctuée d’un intervalle de tierce descendante, caractéristique du chant du coucou. La ritournelle langoureuse revient avant le deuxième solo de violon, chantant la tourterelle et le chardonneret (C). Le tutti qui suit évoque le vent qui se lève (D) : d’abord doucement, nuance piano, puis en bourrasques tournoyantes, forte. Le berger inquiet émet un chant plaintif (E) : la ligne mélodique, sinueuse, crée des dissonances avec la basse qui procède par mouvements chromatiquespar demi-tons descendants. Le retour de la bourrasque clôt le mouvement : avec toutes les cordes à l’unisson/octave, sans ritournelle de fin, le vent violent triomphe de l’atmosphère pesante de l’été. II. Adagio Le berger n’en finit pas de se plaindre dans ce deuxième mouvement : après les bourrasques du vent, les mouches et autres insectes l’empêchent de dormir (F). Ceux-ci sont figurés par un motif pointé aux violons répété en ostinatomotif mélodique et/ou rythmique, inlassablement répété , tandis que le violon solo émet par-dessus sa complainte. Par moments, le grondement menaçant de l’orage qui approche se fait entendre dans les trémolosrépétition très rapide d’une même note des cordes à l’unisson/octave. III. Presto L’orage (G) est enfin là dans le dernier mouvement. La ritournelle d’introduction fait entendre plusieurs éléments figurant la tempête : le tonnerre est représenté par les trémolos des cordes à l’unisson/octave (déjà entendus dans le deuxième mouvement), les bourrasques de pluie et de vent par les grandes gammes descendantes, les éclairs par les fusées ascendantes… Les ritournelles orageuses alternent avec des passages solistes, très virtuoses, qui ont fait le succès de cette pièce.,
La Moisson, de Pieter Bruegel l'ancien, 1565. Metropolitan Museum CC0,
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Pistes pédagogiques Musique Les saisons sont un thème abordé par de nombreux compositeurs, à toutes les époques. Elles font l’objet de compositions appartenant à tous les genres musicaux : la musique de ballet : Lully, Glazounov, Stravinski, Cage, ou encore Verdi pour le ballet intégré dans son opéra Les Vêpres siciliennes ; les compositions symphoniques : Rondes de printemps de Debussy, la Symphonie n° 1 « Le Printemps » de Schumann, la Symphonie n° 1 « Rêves d'hiver » de Tchaïkovski, Les Chasseurs dans la neige de Dufourt ; les œuvres chorales : Spring Symphony de Britten, l'oratorio Les Saisons de Haydn, Le Bûcher d’hiver de Prokofiev ; les pièces pour piano : Étude op. 25 n° 11 « Le Vent d’hiver » de Chopin, Les Saisons de Tchaïkovski ; de nombreux textes évoquant les saisons sont également mis en musique par les compositeurs dans des mélodies, des lieder, des madrigaux... Arts visuels Aux XVIIe et XVIIIe siècles, les saisons sont un thème récurrent dans les arts décoratifs (papiers peints, gravures, porcelaines…), mais également dans la sculpture et la peinture : en peinture, les saisons peuvent être représentées à travers des paysages ou des scènes de vie (la série Les Saisons de Poussin, les six tableaux du Cycle des saisons de Brueghel l’Ancien), ou par des personnages allégoriques (les peintures de Andrea Casali, de Pierre Gobert, Allégorie de l’été et l’hiver de Giovanni Battista Pittoni) ; en sculpture, la représentation des saisons est presque toujours allégorique : Le Printemps et L’Automne de François Barois, L’Hiver de Pierre Legros l’Aîné ou de Jean-Melchior Raon, sans compter les nombreuses sculptures dans le parc du château de Versailles. ,
Auteurs : Jean-Marc Goossens, Floriane Goubault et Jean-Marie Lamour,
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Concerto pour violon op. 8 n° 2 « L’Été »extrait des Quatre saisonsAntonio Vivaldi,
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Carte d’identité de l’œuvre :L’Été (opus 8 n° 2) des Quatre Saisons de Antonio Vivaldi Genre musique concertante : concerto Dédicataire de l’Opus 8 le comte Morzin Édition de l’Opus 8 en 1725 (composition probablement antérieure de plusieurs années) Forme concerto en trois mouvements :I. Allegro mà non molto II. AdagioIII. Presto Instrumentation violon solo, violons 1, violons 2, altos, violoncelles et basse continue (clavecin) ,
Qu’est-ce qu’un concerto ? Il s’agit d’une composition musicale opposant un ou plusieurs instruments solistes à un orchestre. Vivaldi, à la suite des compositeurs italiens Corelli et Torelli, participe au développement de ce genre très prisé par les générations suivantes. À l’époque de Vivaldi, c’est le concerto grosso qui domine : un ensemble de solistes (le concertino) dialogue avec l’orchestre (le ripieno). Progressivement, Vivaldi va faire ressortir non plus un bloc d’instruments, mais un seul soliste. Ce choix est à peu près définitif à partir des concertos du recueil La Stravaganza, édité à 36 ans. De plus, grâce au compositeur vénitien, le concerto adopte rapidement une forme en trois mouvements, vif-lent-vif, qui se généralise par la suite. Les concertos de Vivaldi sont traités de telle manière qu’ils permettent au soliste de mettre en valeur tout son talent.,
Contexte de composition Le 14 décembre 1725, la Gazette d’Amsterdam annonce la parution de l’Opus n° 8 d’Antonio Vivaldi, Il Cimento dell’Armonia e dell’ InventioneL’épreuve de l’harmonie et de l’invention, un nouveau recueil de concertos pour violon. Treize ans après son premier recueil, l’Opus n° 3 intitulé L’Estro ArmonicoPremières œuvres à être éditées chez l’important éditeur d’Amsterdam Estienne Roger, ce recueil comporte, entre autres, des concertos de soliste, grande nouveauté pour l’époque. (1711), et cinq ans après son dernier opus (1720), Vivaldi poursuit dans le genre du concerto pour soliste qu’il a largement contribué à développer. Il en fixe la forme en trois mouvements (vif-lent-vif) et généralise l’utilisation de la forme ritournellealternance de ritournelles jouées tutti (par tout l’orchestre) et de passages solistes dans les mouvements rapides. L’Opus n° 8 comprend douze concertos. Certaines de ces pièces, dont les fameuses Quatre Saisons, ont été composées avant 1725 comme le laisse entendre la dédicace de Vivaldi au comte Wenzel von Morzin : Ne soyez pas surpris, je vous prie, si, parmi ces quelques faibles concertos, V. ILL. S. retrouvera les Quatre Saisons qu’elle a accueillies autrefois avec une très généreuse bonté. Le retard de la publication est sans doute dû à des difficultés rencontrées par l’éditeurEstienne Roger, malade, décède en 1722. C’est son gendre, Michel-Charles Le Cène, qui rependra l’entreprise et publiera le recueil de Vivaldi.. Dans sa dédicace, le compositeur ajoute que les concertos des Quatre Saisons sont désormais chacun accompagnés d’un argument littéraire : un sonnet pour chaque saison (dont Vivaldi pourrait lui-même être l’auteur). La partitionIl n’existe pas de manuscrit autographe des Quatre Saisons. Les partitions les plus anciennes sont les copies de Manchester issues de la collection musicale de Pietro Ottoboni, datant peut-être de 1726. est annotée de lettres majuscules renvoyant aux différents vers des sonnets, ainsi que de commentaires explicites sur ce que la musique cherche à illustrer (« le chien aboie », « vents violents » ou encore « la complainte du villageois »). Vivaldi utilise de nombreux effets et figuralismesprocédés qui permettent d'évoquer musicalement une idée, un sentiment déjà largement employés dans l’opéra, un genre dont il maîtrise à la perfection les codesVivaldi revendique avoir composé plus de 90 opéras. Même si ce nombre est sans doute exagéré, on en recense toutefois plus de 40.. Les ritournelles tuttipar tout l’orchestre des mouvements rapides peignent le décor et l’ambiance générale, tandis que les passages solistes expriment des détails plus précis (comme des chants d’oiseaux bien spécifiques : coucou, tourterelle…). Les mouvements lents, plus statiques, chargés d’une atmosphère souvent pesante, sont le prétexte aux instants de repos et de sommeil.,
Texte du poème accompagnant le concerto I. Allegro mà non moltoA. Sotto dura Stagion dal Sole accesa Langue l’Uom, langue ’l Gregge, ed arde il PinoB. Scioglie ’l Cucco la voce, e tosto intesaC. Canta la Tortorella, e ’l Gardelino.D. Zeffiro dolce spira, mà contesa Muove Borea improviso al suo vicinoE. E piange il Pastorel, perchè sospesa Teme fiera borasca, e ’l suo destino. II. AdagioF. Toglie alle membra lasse il suo riposo Il timore de’ Lampi, e tuoni fieri E de’ mosche, e mossoni il stuol furioso. III. PrestoG. Ah che pur troppo i suoi timor son veri Tuona, fulmina il Ciel, e grandinoso Tronca il capo alle spiche, e à grani altieri. I. Allegro mà non moltoA. Par la dure saison qu’attise le soleil ardentL’homme est harassé, ainsi que le troupeau, et le pin se consume ;B. Le coucou retrouve sa voix et joint son chantC. À celui de la tourterelle, puis du chardonneret.D. Zéphyr passe doucement ;Mais Borée qui arrive le bouscule.E. Inquiet, le berger pleureCar il craint la rude bourrasque et ses effets. II. AdagioF. Les éclairs, les coups de tonnerre Le vrombissement furieux des mouches et des insectes L’empêchent de se reposer et de soulager ses membres las. III. PrestoG. Ah comme ses craintes sont réelles ! Il tonne ; la foudre gronde dans le ciel et la grêle Couche au sol les blés, et tous les autres grains. Le texte en italien est tiré de la partition éditée par Bärenreiter en 2002. La traduction du texte est tirée du livre Antonio Vivaldi de Sylvie Mamy, Éditions Fayard, 2011.,
Déroulé de l’œuvre I. Allegro mà non molto Ce premier mouvement plonge immédiatement l’auditeur dans la torpeur provoquée par la chaleur de l’été. La lassitude de « l’homme harassé » sous « le soleil ardent » (A) est figurée par les gammes descendantes liées, relayées entre les violons et les cordes graves. On se laisse alors bercer par le balancement langoureux de la ritournelle introductive : un rythme anapeste (deux brèves + une longue) répété, chaque fois donné un ton plus bas et suivi d’un silence éloquent. Soudain, le chant du coucou retentit (B) : le premier solo du violon est une suite effrénée de notes rapides, régulièrement ponctuée d’un intervalle de tierce descendante, caractéristique du chant du coucou. La ritournelle langoureuse revient avant le deuxième solo de violon, chantant la tourterelle et le chardonneret (C). Le tutti qui suit évoque le vent qui se lève (D) : d’abord doucement, nuance piano, puis en bourrasques tournoyantes, forte. Le berger inquiet émet un chant plaintif (E) : la ligne mélodique, sinueuse, crée des dissonances avec la basse qui procède par mouvements chromatiquespar demi-tons descendants. Le retour de la bourrasque clôt le mouvement : avec toutes les cordes à l’unisson/octave, sans ritournelle de fin, le vent violent triomphe de l’atmosphère pesante de l’été. II. Adagio Le berger n’en finit pas de se plaindre dans ce deuxième mouvement : après les bourrasques du vent, les mouches et autres insectes l’empêchent de dormir (F). Ceux-ci sont figurés par un motif pointé aux violons répété en ostinatomotif mélodique et/ou rythmique, inlassablement répété , tandis que le violon solo émet par-dessus sa complainte. Par moments, le grondement menaçant de l’orage qui approche se fait entendre dans les trémolosrépétition très rapide d’une même note des cordes à l’unisson/octave. III. Presto L’orage (G) est enfin là dans le dernier mouvement. La ritournelle d’introduction fait entendre plusieurs éléments figurant la tempête : le tonnerre est représenté par les trémolos des cordes à l’unisson/octave (déjà entendus dans le deuxième mouvement), les bourrasques de pluie et de vent par les grandes gammes descendantes, les éclairs par les fusées ascendantes… Les ritournelles orageuses alternent avec des passages solistes, très virtuoses, qui ont fait le succès de cette pièce.,
La Moisson, de Pieter Bruegel l'ancien, 1565. Metropolitan Museum CC0,
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Pistes pédagogiques Musique Les saisons sont un thème abordé par de nombreux compositeurs, à toutes les époques. Elles font l’objet de compositions appartenant à tous les genres musicaux : la musique de ballet : Lully, Glazounov, Stravinski, Cage, ou encore Verdi pour le ballet intégré dans son opéra Les Vêpres siciliennes ; les compositions symphoniques : Rondes de printemps de Debussy, la Symphonie n° 1 « Le Printemps » de Schumann, la Symphonie n° 1 « Rêves d'hiver » de Tchaïkovski, Les Chasseurs dans la neige de Dufourt ; les œuvres chorales : Spring Symphony de Britten, l'oratorio Les Saisons de Haydn, Le Bûcher d’hiver de Prokofiev ; les pièces pour piano : Étude op. 25 n° 11 « Le Vent d’hiver » de Chopin, Les Saisons de Tchaïkovski ; de nombreux textes évoquant les saisons sont également mis en musique par les compositeurs dans des mélodies, des lieder, des madrigaux... Arts visuels Aux XVIIe et XVIIIe siècles, les saisons sont un thème récurrent dans les arts décoratifs (papiers peints, gravures, porcelaines…), mais également dans la sculpture et la peinture : en peinture, les saisons peuvent être représentées à travers des paysages ou des scènes de vie (la série Les Saisons de Poussin, les six tableaux du Cycle des saisons de Brueghel l’Ancien), ou par des personnages allégoriques (les peintures de Andrea Casali, de Pierre Gobert, Allégorie de l’été et l’hiver de Giovanni Battista Pittoni) ; en sculpture, la représentation des saisons est presque toujours allégorique : Le Printemps et L’Automne de François Barois, L’Hiver de Pierre Legros l’Aîné ou de Jean-Melchior Raon, sans compter les nombreuses sculptures dans le parc du château de Versailles. ,
Auteurs : Jean-Marc Goossens, Floriane Goubault et Jean-Marie Lamour,
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L'Été des Quatre saisons (3e mouvement) d'Antonio Vivaldi
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Tirsi e Clori, extrait du 7ème livre de Madrigaux, Claudio Monteverdi
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Cité de la musique
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Guide d'écoute
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Tirsi e Clori, extrait du 7ème livre de Madrigaux, Claudio Monteverdi
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Denis Morrier
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2007
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CONTRAT_1
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Tirsi e Clori (Madrigal Livre 7)
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LIBRE
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Concerto n°2 RV 578
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Cité de la musique
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Concert (partie)
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Concert vidéo
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18ème siècle
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Musique baroque
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Antonio Vivaldi
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Nathalie Stutzmann
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Orfeo 55
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Vivaldi Antonio
Concerto n°2 RV 578
image animée
Antonio Vivaldi, compositeur
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Nathalie Stutzmann, contralto, direction
Orfeo 55
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Orfeo 55
Paris
Cité de la musique
Cité de la musique
2011
2011
11 min 29
Archivé à la Cité de la musique
Vivaldi, Antonio
Stutzmann, Nathalie
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18 ème siècle
Musique baroque
18 ème siècle
Musique baroque
18 ème siècle
Musique baroque
18 ème siècle
Musique baroque
Concerto pour deux violons, orchestre à cordes et basse continue "L'Estro armonico no 2"
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Masculin / Féminin. Castrats divas : concert enregistré à la Cité de la musique le 17 novembre 2011 / Christian Leblé, réalisation ; Georg Friedrich Haendel, Antonio Vivaldi, compositeurs ; Orfeo 55 ; Nathalie Stutzmann, contralto, direction, 1 h 34 mn 16
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Concert vidéo
Madrigaux amoureux. Paul Agnew, Les Arts Florissants
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Cité de la musique
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Concert (entier)
Concert (entier)
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Madrigaux amoureux. Paul Agnew, Les Arts Florissants
Madrigaux amoureux. Paul Agnew, Les Arts Florissants
Madrigaux amoureux. Paul Agnew, Les Arts Florissants
Madrigaux amoureux. Paul Agnew, Les Arts Florissants
Madrigaux amoureux. Paul Agnew, Les Arts Florissants
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17ème siècle
17ème siècle
Musique baroque
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Isabelle Soulard
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Claudio Monteverdi
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Monteverdi, Claudio
Monteverdi, Claudio
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Allan, Miriam
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Richardot, Lucile
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Les Arts Florissants
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Cyril Costanzo
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Les Arts Florissants
Paul Agnew
Miriam Allan
Hannah Morrison
Lucile Richardot
Stéphanie Leclercq
Sean Clayton
Cyril Costanzo
Antonio Abete
Les Arts Florissants
Les Arts Florissants
Soulard Isabelle
Installation des musiciens et présentation du concert / Paul Agnew, direction
Altri canti di Marte e di sua schiera / Claudio Monteverdi, compositeur
Ardo, e scoprir, ahi lasso, io non ardisco / Claudio Monteverdi, compositeur
Non partir, ritrosetta / Claudio Monteverdi, compositeur
Mentre vaga Angioletta / Claudio Monteverdi, compositeur
Perché t en fuggi, o Fillide / Claudio Monteverdi, compositeur
Lamento della Ninfa / Claudio Monteverdi, compositeur
Chi vole aver felice e lieto il core / Claudio Monteverdi, compositeur
Ninfa, che scalza il piede e sciolta il crine / Claudio Monteverdi, compositeur
Dolcissimo uscignolo / Claudio Monteverdi, compositeur
Vago augelletto che cantando vai / Claudio Monteverdi, compositeur
Su su su pastorelli vezzosi / Claudio Monteverdi, compositeur
O sia tranquillo il mare o pien d+orgoglio / Claudio Monteverdi, compositeur
Ballo delle Ingrate / Claudio Monteverdi, compositeur
Baci soavi e cari / Claudio Monteverdi, compositeur
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Madrigaux amoureux. Paul Agnew, Les Arts Florissants
image animée
Concert enregistré à la Philharmonie de Paris (salle des concerts - Cité de la musique) le 18 mai 2015
Isabelle Soulard, réalisatrice ; Claudio Monteverdi, compositeur
Isabelle Soulard, réalisatrice ; Claudio Monteverdi, compositeur
Paul Agnew, direction, ténor
Miriam Allan, Hannah Morrison, soprano
Lucile Richardot, Stéphanie Leclercq, contralto
Sean Clayton, ténor
Cyril Costanzo, Antonio Abete, basse
Les Arts Florissants
Paul Agnew, direction, ténor
Miriam Allan, Hannah Morrison, soprano
Lucile Richardot, Stéphanie Leclercq, contralto
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Cyril Costanzo, Antonio Abete, basse
Les Arts Florissants
Paris
CLC
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2015
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2h 4 min 12
Archivé à la Cité de la musique
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17 ème siècle
Madrigal
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Musique savante occidentale
17 ème siècle
Madrigal
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17 ème siècle
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CONTRAT_1
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Le Baroque
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Installation des musiciens et présentation du concert / Paul Agnew, direction. - CLC, 2015
Altri canti di Marte e di sua schiera / Claudio Monteverdi, compositeur. - CLC, 2015
Ardo, e scoprir, ahi lasso, io non ardisco / Claudio Monteverdi, compositeur. - CLC, 2015
Non partir, ritrosetta / Claudio Monteverdi, compositeur. - CLC, 2015
Mentre vaga Angioletta / Claudio Monteverdi, compositeur. - CLC, 2015
Perché t en fuggi, o Fillide / Claudio Monteverdi, compositeur. - CLC, 2015
Lamento della Ninfa / Claudio Monteverdi, compositeur. - CLC, 2015
Chi vole aver felice e lieto il core / Claudio Monteverdi, compositeur. - CLC, 2015
Ninfa, che scalza il piede e sciolta il crine / Claudio Monteverdi, compositeur. - CLC, 2015
Dolcissimo uscignolo / Claudio Monteverdi, compositeur. - CLC, 2015
Vago augelletto che cantando vai / Claudio Monteverdi, compositeur. - CLC, 2015
Su su su pastorelli vezzosi / Claudio Monteverdi, compositeur. - CLC, 2015
O sia tranquillo il mare o pien d+orgoglio / Claudio Monteverdi, compositeur. - CLC, 2015
Ballo delle Ingrate / Claudio Monteverdi, compositeur. - CLC, 2015
Baci soavi e cari : rappel / Claudio Monteverdi, compositeur. - CLC, 2015
Installation des musiciens et présentation du concert / Paul Agnew, direction. - CLC, 2015
Altri canti di Marte e di sua schiera / Claudio Monteverdi, compositeur. - CLC, 2015
Ardo, e scoprir, ahi lasso, io non ardisco / Claudio Monteverdi, compositeur. - CLC, 2015
Non partir, ritrosetta / Claudio Monteverdi, compositeur. - CLC, 2015
Mentre vaga Angioletta / Claudio Monteverdi, compositeur. - CLC, 2015
Perché t en fuggi, o Fillide / Claudio Monteverdi, compositeur. - CLC, 2015
Lamento della Ninfa / Claudio Monteverdi, compositeur. - CLC, 2015
Chi vole aver felice e lieto il core / Claudio Monteverdi, compositeur. - CLC, 2015
Ninfa, che scalza il piede e sciolta il crine / Claudio Monteverdi, compositeur. - CLC, 2015
Dolcissimo uscignolo / Claudio Monteverdi, compositeur. - CLC, 2015
Vago augelletto che cantando vai / Claudio Monteverdi, compositeur. - CLC, 2015
Su su su pastorelli vezzosi / Claudio Monteverdi, compositeur. - CLC, 2015
O sia tranquillo il mare o pien d+orgoglio / Claudio Monteverdi, compositeur. - CLC, 2015
Ballo delle Ingrate / Claudio Monteverdi, compositeur. - CLC, 2015
Baci soavi e cari : rappel / Claudio Monteverdi, compositeur. - CLC, 2015
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Concert vidéo
Intervalle. Paul Agnew, madrigaux livre VI
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Cité de la musique
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Intervalle. Paul Agnew, madrigaux livre VI
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17ème siècle
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Musique baroque
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Isabelle Soulard
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Claudio Monteverdi
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Les Arts Florissants
Les Arts Florissants
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Installation des musiciens / Miriam Allan, Hannah Morrison, Maud Gnidzaz, sopranos
Lamento d'Arianna / Claudio Monteverdi, compositeur
Zefiro torna e'l bel tempo rimena / Claudio Monteverdi, compositeur
Una donna fra l'altre / Claudio Monteverdi, compositeur
A Dio, Florida bella / Claudio Monteverdi, compositeur
Sestina, Lagrima d'Amante al Sepolcro dell'Amata / Claudio Monteverdi, compositeur
Ohimè il bel viso / Claudio Monteverdi, compositeur
Que rise, o Tirsi (Concertato) / Claudio Monteverdi, compositeur
Misero Alceo (Concertato) / Claudio Monteverdi, compositeur
Batto, qui pianse Ergasto (Concertato) / Claudio Monteverdi, compositeur
Presso un fiume tranquillo (Dialogo a 7. Concertato) / Claudio Monteverdi, compositeur
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ARCH 2014-01-16
Intervalle. Paul Agnew, madrigaux livre VI
image animée
Concert enregistré à la Cité de la musique le 16 janvier 2014
Isabelle Soulard, réalisation
Isabelle Soulard, réalisation
Claudio Monteverdi, compositeur
Miriam Allan, Hannah Morrison, Maud Gnidzaz, soprano
Lucile Richardot, contralto
Sean Clayton, ténor
Cyril Constanzo, basse
Massimo Moscardo, Jonathan Rubin, archiluths
Florian Carré, clavecin
Nanja Breedjik, harpe
Les Arts Florissants
Paul Agnew, ténor, direction
Claudio Monteverdi, compositeur
Miriam Allan, Hannah Morrison, Maud Gnidzaz, soprano
Lucile Richardot, contralto
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Cyril Constanzo, basse
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Florian Carré, clavecin
Nanja Breedjik, harpe
Les Arts Florissants
Paul Agnew, ténor, direction
Paris
CLC
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2014
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Archivé à la Cité de la musique
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Installation des musiciens / Miriam Allan, Hannah Morrison, Maud Gnidzaz, sopranos. - CLC, 2014
Lamento d'Arianna / Claudio Monteverdi, compositeur. - CLC, 2014
Zefiro torna e'l bel tempo rimena / Claudio Monteverdi, compositeur. - CLC, 2014
Una donna fra l'altre / Claudio Monteverdi, compositeur. - CLC, 2014
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Sestina, Lagrima d'Amante al Sepolcro dell'Amata / Claudio Monteverdi, compositeur. - CLC, 2014
Ohimè il bel viso / Claudio Monteverdi, compositeur. - CLC, 2014
Que rise, o Tirsi (Concertato) / Claudio Monteverdi, compositeur. - CLC, 2014
Misero Alceo (Concertato) / Claudio Monteverdi, compositeur. - CLC, 2014
Batto, qui pianse Ergasto (Concertato) / Claudio Monteverdi, compositeur. - CLC, 2014
Presso un fiume tranquillo (Dialogo a 7. Concertato) / Claudio Monteverdi, compositeur. - CLC, 2014
Installation des musiciens / Miriam Allan, Hannah Morrison, Maud Gnidzaz, sopranos. - CLC, 2014
Lamento d'Arianna / Claudio Monteverdi, compositeur. - CLC, 2014
Zefiro torna e'l bel tempo rimena / Claudio Monteverdi, compositeur. - CLC, 2014
Una donna fra l'altre / Claudio Monteverdi, compositeur. - CLC, 2014
A Dio, Florida bella / Claudio Monteverdi, compositeur. - CLC, 2014
Sestina, Lagrima d'Amante al Sepolcro dell'Amata / Claudio Monteverdi, compositeur. - CLC, 2014
Ohimè il bel viso / Claudio Monteverdi, compositeur. - CLC, 2014
Que rise, o Tirsi (Concertato) / Claudio Monteverdi, compositeur. - CLC, 2014
Misero Alceo (Concertato) / Claudio Monteverdi, compositeur. - CLC, 2014
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Presso un fiume tranquillo (Dialogo a 7. Concertato) / Claudio Monteverdi, compositeur. - CLC, 2014
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Aspects de l'opéra baroque. Claudio Monteverdi, Dario Castello : Concert enregistré à la Cité de la musique le 04 octobre 1997 / Alain Jomy, réalisateur ; Claudio Monteverdi, Dario Castello, compositeurs ; Les Arts Florissants ; William Christie, direction, 1h 14 min 48
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I. Conférence : la musique vénitienne du 17e au 18e siècles
I. Conférence : la musique vénitienne du 17e au 18e siècles
I. Conférence : la musique vénitienne du 17e au 18e siècles
I. Conférence : la musique vénitienne du 17e au 18e siècles
I. Conférence : la musique vénitienne du 17e au 18e siècles
I. Conférence : la musique vénitienne du 17e au 18e siècles
I. Conférence : la musique vénitienne du 17e au 18e siècles
I. Conférence : la musique vénitienne du 17e au 18e siècles
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Vacher Jeanne-Martine
Présentation / Jeanne-Martine Vacher
Introduction / Sylvie Mamy
1. Rappels historiques / Sylvie Mamy
2. La vie musicale vénitienne / Sylvie Mamy
3. Venise et l'Orient : autour de la chronicque Pallade Veneta / Sylvie Mamy
Conclusion / Sylvie Mamy
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I. Conférence : la musique vénitienne du 17e au 18e siècles
Enregistrement sonore
Jeanne-Martine Vacher
Jeanne-Martine Vacher
Sylvie Mamy
Sylvie Mamy
Paris
Cité de la musique
Cité de la musique
2007
2007
1 h 5 min 26 sec
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Vacher, Jeanne-Martine
La ville, le voyage : Venise : forum Venise, entre Orient et Occident : Conférence et table ronde enregistrées à la Cité de la musique le samedi 20 janvier 2007 (15h, amphithéâtre) / Jeanne-Martine Vacher ; Sylvie Mamy ; Joël Dugot ; Pascale Boquet ; Fadel Messaoudi ; Denis Raisin-Dadre, 1h 49 min 5 sec
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Cité de la musique
Cité de la musique
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Venise : Vêpres vénitiennes
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Venise : Vêpres vénitiennes
Venise : Vêpres vénitiennes
Venise : Vêpres vénitiennes
Venise : Vêpres vénitiennes
Venise : Vêpres vénitiennes
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Venise : Vêpres vénitiennes
Venise : Vêpres vénitiennes
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Musique baroque
Musique baroque
18ème siècle
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Antonio Vivaldi
Vivaldi, Antonio
Vivaldi, Antonio
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Les Arts Florissants
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Domine ad adjuvandum me festina / Antonio Vivaldi
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Nulla in mundo pax sincera... / Antonio Vivaldi
Concerto pour violon et orchestre en ré majeur per la santissima Assunzione di Maria Vergine / Antonio Vivaldi
Magnificat / Antonio Vivaldi
Annonce du rappel / Paul Agnew, annonce
Laudate Dominum de coelis (rappel) / Michel Corrette
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Venise : Vêpres vénitiennes
Enregistrement sonore
Concert enregistré à la Cité de la musique le 24 janvier 2007 (20h, salle des concerts)
Antonio Vivaldi
Antonio Vivaldi
Les Arts Florissants, choeur et orchestre
Paul Agnew, direction
Les Arts Florissants, choeur et orchestre
Paul Agnew, direction
Paris
Cité de la musique
Cité de la musique
2007
2007
1h 42 min
Concert enregistré par France Musique, partenaire de la Cité de la musique. Les Arts florissants sont subventionnés par le ministère de la culture et de la communication, la Ville de Caen et le conseil régional de Basse-Normandie. Leur mécène est Imerys. Les Arts florissants sont en résidence au Théâtre de Caen
Archivé à la Cité de la musique
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Vivaldi, Antonio
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Musique baroque
Musique sacrée
Venise
Italie
18 ème siècle
Musique baroque
Musique sacrée
Venise
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18 ème siècle
Musique baroque
Musique sacrée
Venise
Italie
18 ème siècle
Musique baroque
Musique sacrée
Venise
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18 ème siècle
CONTRAT_1
CONTRAT_1
CONTRAT_1
Domine ad adjuvandum me festina : RV 593 / Antonio Vivaldi ; Les Arts florissants, choeur et orchestre ; Paul Agnew, direction, 9 min 17 sec
Beatus vir : RV 597 / Antonio Vivaldi ; Les Arts florissants, choeur et orchestre ; Paul Agnew, direction ; Miriam Allan, soprano, 27 min 34 sec
Stabat Mater : RV 621 / Antonio Vivaldi ; Les Arts florissants, orchestre ; Christophe Dumaux, contre-ténor ; Paul Agnew, direction, 18 min 17 sec
Nulla in mundo pax sincera... : RV 630 / Antonio Vivaldi ; Les Arts florissants, orchestre ; Miriam Allan, soprano ; Paul Agnew, direction, 13 min 24 sec
Concerto pour violon et orchestre en ré majeur per la santissima Assunzione di Maria Vergine : RV 582 / Antonio Vivaldi ; Patrick Cohën-Akenine, violon solo ; Les Arts florissants, orchestre ; Paul Agnew, direction, 13 min 2 sec
Magnificat : RV 610a / Antonio Vivaldi ; Les Arts florissants, choeur et orchestre ; Paul Agnew, direction, 14 min 8 sec
Annonce du rappel / Paul Agnew, annonce, 30 sec
Laudate Dominum de coelis (rappel) : psaume CXLVIII, motet à grand choeur arrangé dans le concerto du Printemps de Vivaldi / Michel Corrette ; Antonio Vivaldi, auteur adapté ; Les Arts florissants, choeur et orchestre ; Paul Agnew, direction, 5 min 43 sec
Domine ad adjuvandum me festina : RV 593 / Antonio Vivaldi ; Les Arts florissants, choeur et orchestre ; Paul Agnew, direction, 9 min 17 sec
Beatus vir : RV 597 / Antonio Vivaldi ; Les Arts florissants, choeur et orchestre ; Paul Agnew, direction ; Miriam Allan, soprano, 27 min 34 sec
Stabat Mater : RV 621 / Antonio Vivaldi ; Les Arts florissants, orchestre ; Christophe Dumaux, contre-ténor ; Paul Agnew, direction, 18 min 17 sec
Nulla in mundo pax sincera... : RV 630 / Antonio Vivaldi ; Les Arts florissants, orchestre ; Miriam Allan, soprano ; Paul Agnew, direction, 13 min 24 sec
Concerto pour violon et orchestre en ré majeur per la santissima Assunzione di Maria Vergine : RV 582 / Antonio Vivaldi ; Patrick Cohën-Akenine, violon solo ; Les Arts florissants, orchestre ; Paul Agnew, direction, 13 min 2 sec
Magnificat : RV 610a / Antonio Vivaldi ; Les Arts florissants, choeur et orchestre ; Paul Agnew, direction, 14 min 8 sec
Annonce du rappel / Paul Agnew, annonce, 30 sec
Laudate Dominum de coelis (rappel) : psaume CXLVIII, motet à grand choeur arrangé dans le concerto du Printemps de Vivaldi / Michel Corrette ; Antonio Vivaldi, auteur adapté ; Les Arts florissants, choeur et orchestre ; Paul Agnew, direction, 5 min 43 sec
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Cité de la musique
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6e Biennale d'art vocal : Trionfi sacri : cérémonie sacrée à la basilique Saint-Marc de Venise
6e Biennale d'art vocal : Trionfi sacri : cérémonie sacrée à la basilique Saint-Marc de Venise
6e Biennale d'art vocal : Trionfi sacri : cérémonie sacrée à la basilique Saint-Marc de Venise
6e Biennale d'art vocal : Trionfi sacri : cérémonie sacrée à la basilique Saint-Marc de Venise
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Musique ancienne
Musique baroque
16ème siècle
17ème siècle
16ème siècle
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Musique baroque
Jean Tubéry
Tubéry, Jean
Ensemble instrumental La Fenice
Nederlands Kamerkoor
Tubéry, Jean
Ensemble instrumental La Fenice
Nederlands Kamerkoor
Jean Tubéry
Ensemble instrumental La Fenice
Nederlands Kamerkoor
Tubéry, Jean
Ensemble instrumental La Fenice
Nederlands Kamerkoor
Ensemble instrumental La Fenice
Nederlands Kamerkoor
Ensemble instrumental La Fenice
Nederlands Kamerkoor
Entrata : Intonazione del quinto tono / Andrea Gabrieli
Canzone sesta a 7 voci, extrait de "Canzone e Sonate" (1615) / Giovanni Gabrieli
[Intermède] / [Non identifié]
Introïto : In ecclesiis a 14 voci / Giovanni Gabrieli
Intonazione del primo tono / Andrea Gabrieli
Kyrie, extrait de la "Missa in illo tempore a 6 voci" (1610) / Claudio Monteverdi
Intonazione del settimo tono / Giovanni Gabrieli
Gloria, concertato a 7 voci, extrait de "Selva morale e spirituale" (1641) / Claudio Monteverdi
[Intermède] / [Non identifié]
Graduale : Canzon nona a 8 sopra fa sol la ré / Giovanni Gabrieli
Intonazione del quinto tono / Giovanni Gabrieli
Credo, extrait de la "Missa a 4 voci da capella, Selva morale e spirituale" (1641) / Claudio Monteverdi
Crucifixus (a 4 voci gravi), extrait de la "Missa a 4 voci da capella, Selva morale e spirituale" (1641) / Claudio Monteverdi
Et Resurrexit (2 soprani, 2 violoni), extrait de la "Missa a 4 voci da capella, Selva morale e spirituale" (1641) / Claudio Monteverdi
Et Iterum (a 3 voci), extrait de la "Missa a 4 voci da capella, Selva morale e spirituale" (1641) / Claudio Monteverdi
Et in spiritum, extrait de la "Missa a 4 voci da capella, Selva morale e spirituale" (1641) / Claudio Monteverdi
Offertorio : Toccata del quinto tono / Andrea Gabrieli
Sanctus a 12 voci in 3 cori, extrait de "Sacrae symphoniae" (1597) / Giovanni Gabrieli
[Intermède] / [Non identifié]
Elevatione : Adoramus Te a 6 voci (1620) / Claudio Monteverdi
[Intermède] / [Non identifié]
Agnus Dei, extrait de la "Missa a 4 da capella" (1650) / Claudio Monteverdi
[Intermède] / [Non identifié]
Deo Gratias : Canzon settima a 7 voci, extrait de "Canzone e Sonate" (1615) / Giovanni Gabrieli
Deo Gratias / [Anonyme]
[Sortie] / [Non identifié]
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ARCH 2013-06-04
ARCH 2013-06-04
ARCH 2013-06-04
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6e Biennale d'art vocal : Trionfi sacri : cérémonie sacrée à la basilique Saint-Marc de Venise
Enregistrement sonore
concert enregistré à la Cité de la musique le mardi 04 juin 2013 (20h, salle des concerts)
[Auteurs divers]
[Auteurs divers]
Ensemble de La Fenice
Nederlands Kamerkoor
Jean Tubéry, direction
Ensemble de La Fenice
Nederlands Kamerkoor
Jean Tubéry, direction
Paris
Cité de la musique
Cité de la musique
2013
2013
1h 1 min 53 sec
Concert enregistré par France Musique
Archivé à La Cité de la musique
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Tubéry, Jean
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Musique ancienne
16 ème siècle
17 ème siècle
Musique baroque
Musique ancienne
16 ème siècle
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Musique baroque
Musique ancienne
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Musique baroque
Musique ancienne
16 ème siècle
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Musique baroque
CONTRAT_1
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6e Biennale d'art vocal. Trionfi sacri : cérémonie sacrée à la basilique Saint-Marc de Venise. Ensemble de La Fenice. Nederlands Kamerkoor. Jean Tubéry, direction
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Entrata : Intonazione del quinto tono / Andrea Gabrieli ; Ensemble La Fenice ; Jean Tubéry, direction, 1 min 20 sec
Canzone sesta a 7 voci, extrait de "Canzone e Sonate" (1615) / Giovanni Gabrieli ; Ensemble La Fenice ; Jean Tubéry, direction, 3 min 52 sec
[Intermède] / [Non identifié] ; Ensemble La Fenice ; Jean Tubéry, direction, 56 sec
Introïto : In ecclesiis a 14 voci / Giovanni Gabrieli ; Ensemble La Fenice ; Nederlands Kamerkoor ; Jean Tubéry, direction, 6 min 46 sec
Intonazione del primo tono / Andrea Gabrieli ; Ensemble La Fenice ; Jean Tubéry, direction, 49 sec
Kyrie, extrait de la "Missa in illo tempore a 6 voci" (1610) / Claudio Monteverdi ; Ensemble La Fenice ; Nederlands Kamerkoor ; Jean Tubéry, direction, 3 min 12 sec
Intonazione del settimo tono / Giovanni Gabrieli ; Ensemble La Fenice ; Jean Tubéry, direction, 38 sec
Gloria, concertato a 7 voci, extrait de "Selva morale e spirituale" (1641) / Claudio Monteverdi ; Ensemble La Fenice ; Nederlands Kamerkoor ; Jean Tubéry, direction, 10 min 14 sec
[Intermède] / [Non identifié] ; Ensemble La Fenice ; Jean Tubéry, direction, 1 min 9 sec
Graduale : Canzon nona a 8 sopra fa sol la ré / Giovanni Gabrieli ; Ensemble La Fenice ; Jean Tubéry, direction, 3 min 3 sec
Intonazione del quinto tono / Giovanni Gabrieli ; Ensemble La Fenice ; Jean Tubéry, direction, 1 min 6 sec
Credo, extrait de la "Missa a 4 voci da capella, Selva morale e spirituale" (1641) / Claudio Monteverdi ; Ensemble La Fenice ; Nederlands Kamerkoor ; Jean Tubéry, direction, 2 min 3 sec
Crucifixus (a 4 voci gravi), extrait de la "Missa a 4 voci da capella, Selva morale e spirituale" (1641) / Claudio Monteverdi ; Ensemble La Fenice ; Nederlands Kamerkoor ; Jean Tubéry, direction, 2 min 15 sec
Et Resurrexit (2 soprani, 2 violoni), extrait de la "Missa a 4 voci da capella, Selva morale e spirituale" (1641) / Claudio Monteverdi ; Ensemble La Fenice ; Nederlands Kamerkoor ; Jean Tubéry, direction, 1 min 24 sec
Et Iterum (a 3 voci), extrait de la "Missa a 4 voci da capella, Selva morale e spirituale" (1641) / Claudio Monteverdi ; Ensemble La Fenice ; Nederlands Kamerkoor ; Jean Tubéry, direction, 1 min 15 sec
Et in spiritum, extrait de la "Missa a 4 voci da capella, Selva morale e spirituale" (1641) / Claudio Monteverdi ; Ensemble La Fenice ; Nederlands Kamerkoor ; Jean Tubéry, direction, 2 min 2 sec
Offertorio : Toccata del quinto tono / Andrea Gabrieli ; Ensemble La Fenice ; Jean Tubéry, direction, 1 min 58 sec
Sanctus a 12 voci in 3 cori, extrait de "Sacrae symphoniae" (1597) / Giovanni Gabrieli ; Ensemble La Fenice ; Nederlands Kamerkoor ; Jean Tubéry, direction, 2 min 52 sec
[Intermède] / [Non identifié] ; Ensemble La Fenice ; Jean Tubéry, direction, 1 min 27 sec
Elevatione : Adoramus Te a 6 voci (1620) / Claudio Monteverdi ; Ensemble La Fenice ; Nederlands Kamerkoor ; Jean Tubéry, direction, 2 min 51 sec
[Intermède] / [Non identifié] ; Ensemble La Fenice ; Jean Tubéry, direction, 1 min 15 sec
Agnus Dei, extrait de la "Missa a 4 da capella" (1650) / Claudio Monteverdi ; Ensemble La Fenice ; Nederlands Kamerkoor ; Jean Tubéry, direction, 3 min 18 sec
[Intermède] / [Non identifié] ; Ensemble La Fenice ; Jean Tubéry, direction, 1 min 57 sec
Deo Gratias : Canzon settima a 7 voci, extrait de "Canzone e Sonate" (1615) / Giovanni Gabrieli ; Ensemble La Fenice ; Jean Tubéry, direction, 3 min 23 sec
Deo Gratias / [Anonyme] ; Ensemble La Fenice ; Nederlands Kamerkoor ; Jean Tubéry, direction, 34 sec
[Sortie] / [Non identifié] ; Ensemble La Fenice ; Jean Tubéry, direction, 3 min 24 sec
Entrata : Intonazione del quinto tono / Andrea Gabrieli ; Ensemble La Fenice ; Jean Tubéry, direction, 1 min 20 sec
Canzone sesta a 7 voci, extrait de "Canzone e Sonate" (1615) / Giovanni Gabrieli ; Ensemble La Fenice ; Jean Tubéry, direction, 3 min 52 sec
[Intermède] / [Non identifié] ; Ensemble La Fenice ; Jean Tubéry, direction, 56 sec
Introïto : In ecclesiis a 14 voci / Giovanni Gabrieli ; Ensemble La Fenice ; Nederlands Kamerkoor ; Jean Tubéry, direction, 6 min 46 sec
Intonazione del primo tono / Andrea Gabrieli ; Ensemble La Fenice ; Jean Tubéry, direction, 49 sec
Kyrie, extrait de la "Missa in illo tempore a 6 voci" (1610) / Claudio Monteverdi ; Ensemble La Fenice ; Nederlands Kamerkoor ; Jean Tubéry, direction, 3 min 12 sec
Intonazione del settimo tono / Giovanni Gabrieli ; Ensemble La Fenice ; Jean Tubéry, direction, 38 sec
Gloria, concertato a 7 voci, extrait de "Selva morale e spirituale" (1641) / Claudio Monteverdi ; Ensemble La Fenice ; Nederlands Kamerkoor ; Jean Tubéry, direction, 10 min 14 sec
[Intermède] / [Non identifié] ; Ensemble La Fenice ; Jean Tubéry, direction, 1 min 9 sec
Graduale : Canzon nona a 8 sopra fa sol la ré / Giovanni Gabrieli ; Ensemble La Fenice ; Jean Tubéry, direction, 3 min 3 sec
Intonazione del quinto tono / Giovanni Gabrieli ; Ensemble La Fenice ; Jean Tubéry, direction, 1 min 6 sec
Credo, extrait de la "Missa a 4 voci da capella, Selva morale e spirituale" (1641) / Claudio Monteverdi ; Ensemble La Fenice ; Nederlands Kamerkoor ; Jean Tubéry, direction, 2 min 3 sec
Crucifixus (a 4 voci gravi), extrait de la "Missa a 4 voci da capella, Selva morale e spirituale" (1641) / Claudio Monteverdi ; Ensemble La Fenice ; Nederlands Kamerkoor ; Jean Tubéry, direction, 2 min 15 sec
Et Resurrexit (2 soprani, 2 violoni), extrait de la "Missa a 4 voci da capella, Selva morale e spirituale" (1641) / Claudio Monteverdi ; Ensemble La Fenice ; Nederlands Kamerkoor ; Jean Tubéry, direction, 1 min 24 sec
Et Iterum (a 3 voci), extrait de la "Missa a 4 voci da capella, Selva morale e spirituale" (1641) / Claudio Monteverdi ; Ensemble La Fenice ; Nederlands Kamerkoor ; Jean Tubéry, direction, 1 min 15 sec
Et in spiritum, extrait de la "Missa a 4 voci da capella, Selva morale e spirituale" (1641) / Claudio Monteverdi ; Ensemble La Fenice ; Nederlands Kamerkoor ; Jean Tubéry, direction, 2 min 2 sec
Offertorio : Toccata del quinto tono / Andrea Gabrieli ; Ensemble La Fenice ; Jean Tubéry, direction, 1 min 58 sec
Sanctus a 12 voci in 3 cori, extrait de "Sacrae symphoniae" (1597) / Giovanni Gabrieli ; Ensemble La Fenice ; Nederlands Kamerkoor ; Jean Tubéry, direction, 2 min 52 sec
[Intermède] / [Non identifié] ; Ensemble La Fenice ; Jean Tubéry, direction, 1 min 27 sec
Elevatione : Adoramus Te a 6 voci (1620) / Claudio Monteverdi ; Ensemble La Fenice ; Nederlands Kamerkoor ; Jean Tubéry, direction, 2 min 51 sec
[Intermède] / [Non identifié] ; Ensemble La Fenice ; Jean Tubéry, direction, 1 min 15 sec
Agnus Dei, extrait de la "Missa a 4 da capella" (1650) / Claudio Monteverdi ; Ensemble La Fenice ; Nederlands Kamerkoor ; Jean Tubéry, direction, 3 min 18 sec
[Intermède] / [Non identifié] ; Ensemble La Fenice ; Jean Tubéry, direction, 1 min 57 sec
Deo Gratias : Canzon settima a 7 voci, extrait de "Canzone e Sonate" (1615) / Giovanni Gabrieli ; Ensemble La Fenice ; Jean Tubéry, direction, 3 min 23 sec
Deo Gratias / [Anonyme] ; Ensemble La Fenice ; Nederlands Kamerkoor ; Jean Tubéry, direction, 34 sec
[Sortie] / [Non identifié] ; Ensemble La Fenice ; Jean Tubéry, direction, 3 min 24 sec
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Concert audio
Venise : ON Lyon - La Fenice
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Musique ancienne
Musique baroque
Musique contemporaine
Musique baroque
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16ème siècle
17ème siècle
20ème siècle (1945-2000)
16ème siècle
17ème siècle
20ème siècle (1945-2000)
Thierry Fischer
Jean Tubéry
Fischer, Thierry
Tubéry, Jean
Orchestre National de Lyon
La Fenice
Fischer, Thierry
Tubéry, Jean
Orchestre National de Lyon
La Fenice
Thierry Fischer
Jean Tubéry
Orchestre National de Lyon
La Fenice
Fischer, Thierry
Tubéry, Jean
Orchestre National de Lyon
La Fenice
Orchestre National de Lyon
La Fenice
Orchestre National de Lyon
La Fenice
Varianti / Luigi Nono
Canzon nona sopra fa-sol-la-re / Giovanni Gabrieli
Ricercar del primo tono, "La recherche d'un temps perdu" / Giovanni Bassano
Canone a otto voci sopra l'Ave Maris Stella ("Canto sospeso") / Giovanni Pietro Del Buono
Intonatione d'organo / Andrea Gabrieli
Canzon nona sopra fa-sol-la-re / Giovanni Gabrieli
Capriccio di durezze / Girolamo Frescobaldi
Canzon primi toni a dieci voci / Giovanni Gabrieli
Due espressioni / Luigi Nono
Canzon a dodici in tre cori / Giovanni Gabrieli
Ricercar chromatico per organo / Girolamo Frescobaldi
Sonata pian'e forte, in due cori / Giovanni Gabrieli
Toccata a due organi / Andrea Gabrieli
Canzon ottava in due cori (sopra "Passus duriusculus") / Giovanni Gabrieli
Per Bastiana Tai-Yang Cheng / Luigi Nono
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ARCH 2007-01-18
ARCH 2007-01-18
ARCH 2007-01-18
Venise : ON Lyon - La Fenice
Enregistrement sonore
Concert enregistré à la Cité de la musique le jeudi 18 janvier 2007 (20h, salle des concerts)
[Auteurs divers]
[Auteurs divers]
Orchestre National de Lyon
Thierry Fischer, direction
Ensemble La Fenice
Jean Tubéry, direction
Orchestre National de Lyon
Thierry Fischer, direction
Ensemble La Fenice
Jean Tubéry, direction
Paris
Cité de la musique
Cité de la musique
2007
2007
1h 23 min
Coproduction Cité de la musique, Orchestre National de Lyon. Enregistré par France Musique. L'ensemble La Fenice bénéficie du soutien de la direction régionale des affaires culturelles de Bourgogne (Ministère de la Culture), de la ville de Sens, du conseil régional de Bourgogne, du conseil général de l'Yonne et de la Caisse des dépôts et consignations
Archivé à la Cité de la musique
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Fischer, Thierry
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Venise
Italie
Musique ancienne
Musique de la Renaissance
Renaissance
Musique baroque
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16 ème siècle
17 ème siècle
20 ème siècle - 2 ème moitié
Venise
Italie
Musique ancienne
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Venise
Italie
Musique ancienne
Musique de la Renaissance
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16 ème siècle
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20 ème siècle - 2 ème moitié
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Italie
Musique ancienne
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Musique baroque
Musique contemporaine
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17 ème siècle
20 ème siècle - 2 ème moitié
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Varianti : musique pour violon solo, bois et cordes / Luigi Nono ; Orchestre National de Lyon ; Thierry Fischer, direction, 16 min 16 sec
Canzon nona sopra fa-sol-la-re : extrait / Giovanni Gabrieli ; Jean Tubéry, Doron Sherwin, Frithjof Smith, cornets à bouquin (cornetti) ; Emmanuel Mure, cornet à bouquin alto et ténor ; La Fenice ; Jean Tubéry, direction, 2 min 45 sec
Ricercar del primo tono, "La recherche d'un temps perdu" / Giovanni Bassano ; Jean-Marc Aymes, Emmanuel Mandrin, orgues positifs ; La Fenice ; Jean Tubéry, direction, 1 min 19 sec
Canone a otto voci sopra l'Ave Maris Stella ("Canto sospeso") / Giovanni Pietro Del Buono ; Jean Tubéry, Doron Sherwin, Frithjof Smith, cornets à bouquin (cornetti) ; Emmanuel Mure, cornet à bouquin alto et ténor ; Simen Van Michelen, trombone alto (sacqueboute) ; Fabien Cherrier, Jacques Henry, Stefan Legée, trombones ténor ; Adrian France, David Yacus, trombones basses ; Jean-Marc Aymes, Emmanuel Mandrin, orgues positifs ; La Fenice ; Jean Tubéry, direction, 3 min 19 sec
Intonatione d'organo / Andrea Gabrieli ; Emmanuel Mandrin, orgue positif ; La Fenice ; Jean Tubéry, direction, 1 min 27 sec
Canzon nona sopra fa-sol-la-re / Giovanni Gabrieli ; Jean Tubéry, Doron Sherwin, Frithjof Smith, cornets à bouquin (cornetti) ; Emmanuel Mure, cornet à bouquin alto et ténor ; Simen Van Michelen, trombone alto (sacqueboute) ; Fabien Cherrier, Jacques Henry, Stefan Legée, trombones ténor ; Adrian France, David Yacus, trombones basses ; Jean-Marc Aymes, Emmanuel Mandrin, orgues positifs ; La Fenice ; Jean Tubéry, direction, 3 min 38 sec
Capriccio di durezze : extr. du Primo Libro di Cappricci / Girolamo Frescobaldi ; Jean-Marc Aymes, orgue positif ; La Fenice ; Jean Tubéry, direction, 2 min 49 sec
Canzon primi toni a dieci voci / Giovanni Gabrieli ; Jean Tubéry, Doron Sherwin, Frithjof Smith, cornets à bouquin (cornetti) ; Emmanuel Mure, cornet à bouquin alto et ténor ; Simen Van Michelen, trombone alto (sacqueboute) ; Fabien Cherrier, Jacques Henry, Stefan Legée, trombones ténor ; Adrian France, David Yacus, trombones basses ; Jean-Marc Aymes, Emmanuel Mandrin, orgues positifs ; La Fenice ; Jean Tubéry, direction, 4 min 9 sec
Due espressioni : pour orchestre / Luigi Nono ; Orchestre National de Lyon ; Thierry Fischer, direction, 13 min 46 sec
Canzon a dodici in tre cori / Giovanni Gabrieli ; Jean Tubéry, Doron Sherwin, Frithjof Smith, cornets à bouquin (cornetti) ; Emmanuel Mure, cornet à bouquin alto et ténor ; Simen Van Michelen, trombone alto (sacqueboute) ; Fabien Cherrier, Jacques Henry, Stefan Legée, trombones ténor ; Adrian France, David Yacus, trombones basses ; Jean-Marc Aymes, Emmanuel Mandrin, orgues positifs ; La Fenice ; Jean Tubéry, direction, 3 min 27 sec
Ricercar chromatico per organo / Girolamo Frescobaldi ; Emmanuel Mandrin, orgue positif ; La Fenice ; Jean Tubéry, direction, 2 min 31 sec
Sonata pian'e forte, in due cori / Giovanni Gabrieli ; Jean Tubéry, Doron Sherwin, Frithjof Smith, cornets à bouquin (cornetti) ; Emmanuel Mure, cornet à bouquin alto et ténor ; Simen Van Michelen, trombone alto (sacqueboute) ; Fabien Cherrier, Jacques Henry, Stefan Legée, trombones ténor ; Adrian France, David Yacus, trombones basses ; Jean-Marc Aymes, Emmanuel Mandrin, orgues positifs ; La Fenice ; Jean Tubéry, direction, 3 min 43 sec
Toccata a due organi / Andrea Gabrieli ; Jean-Marc Aymes, Emmanuel Mandrin, orgues positifs ; La Fenice ; Jean Tubéry, direction, 2 min 22 sec
Canzon ottava in due cori (sopra "Passus duriusculus") / Giovanni Gabrieli ; Jean Tubéry, Doron Sherwin, Frithjof Smith, cornets à bouquin (cornetti) ; Emmanuel Mure, cornet à bouquin alto et ténor ; Simen Van Michelen, trombone alto (sacqueboute) ; Fabien Cherrier, Jacques Henry, Stefan Legée, trombones ténor ; Adrian France, David Yacus, trombones basses ; Jean-Marc Aymes, Emmanuel Mandrin, orgues positifs ; La Fenice ; Jean Tubéry, direction, 5 min 49 sec
Per Bastiana Tai-Yang Cheng : L'Oriente è rosso, pour bande magnétique et instruments / Luigi Nono ; Orchestre National de Lyon ; Thierry Fischer, direction, 15 min 58 sec
Varianti : musique pour violon solo, bois et cordes / Luigi Nono ; Orchestre National de Lyon ; Thierry Fischer, direction, 16 min 16 sec
Canzon nona sopra fa-sol-la-re : extrait / Giovanni Gabrieli ; Jean Tubéry, Doron Sherwin, Frithjof Smith, cornets à bouquin (cornetti) ; Emmanuel Mure, cornet à bouquin alto et ténor ; La Fenice ; Jean Tubéry, direction, 2 min 45 sec
Ricercar del primo tono, "La recherche d'un temps perdu" / Giovanni Bassano ; Jean-Marc Aymes, Emmanuel Mandrin, orgues positifs ; La Fenice ; Jean Tubéry, direction, 1 min 19 sec
Canone a otto voci sopra l'Ave Maris Stella ("Canto sospeso") / Giovanni Pietro Del Buono ; Jean Tubéry, Doron Sherwin, Frithjof Smith, cornets à bouquin (cornetti) ; Emmanuel Mure, cornet à bouquin alto et ténor ; Simen Van Michelen, trombone alto (sacqueboute) ; Fabien Cherrier, Jacques Henry, Stefan Legée, trombones ténor ; Adrian France, David Yacus, trombones basses ; Jean-Marc Aymes, Emmanuel Mandrin, orgues positifs ; La Fenice ; Jean Tubéry, direction, 3 min 19 sec
Intonatione d'organo / Andrea Gabrieli ; Emmanuel Mandrin, orgue positif ; La Fenice ; Jean Tubéry, direction, 1 min 27 sec
Canzon nona sopra fa-sol-la-re / Giovanni Gabrieli ; Jean Tubéry, Doron Sherwin, Frithjof Smith, cornets à bouquin (cornetti) ; Emmanuel Mure, cornet à bouquin alto et ténor ; Simen Van Michelen, trombone alto (sacqueboute) ; Fabien Cherrier, Jacques Henry, Stefan Legée, trombones ténor ; Adrian France, David Yacus, trombones basses ; Jean-Marc Aymes, Emmanuel Mandrin, orgues positifs ; La Fenice ; Jean Tubéry, direction, 3 min 38 sec
Capriccio di durezze : extr. du Primo Libro di Cappricci / Girolamo Frescobaldi ; Jean-Marc Aymes, orgue positif ; La Fenice ; Jean Tubéry, direction, 2 min 49 sec
Canzon primi toni a dieci voci / Giovanni Gabrieli ; Jean Tubéry, Doron Sherwin, Frithjof Smith, cornets à bouquin (cornetti) ; Emmanuel Mure, cornet à bouquin alto et ténor ; Simen Van Michelen, trombone alto (sacqueboute) ; Fabien Cherrier, Jacques Henry, Stefan Legée, trombones ténor ; Adrian France, David Yacus, trombones basses ; Jean-Marc Aymes, Emmanuel Mandrin, orgues positifs ; La Fenice ; Jean Tubéry, direction, 4 min 9 sec
Due espressioni : pour orchestre / Luigi Nono ; Orchestre National de Lyon ; Thierry Fischer, direction, 13 min 46 sec
Canzon a dodici in tre cori / Giovanni Gabrieli ; Jean Tubéry, Doron Sherwin, Frithjof Smith, cornets à bouquin (cornetti) ; Emmanuel Mure, cornet à bouquin alto et ténor ; Simen Van Michelen, trombone alto (sacqueboute) ; Fabien Cherrier, Jacques Henry, Stefan Legée, trombones ténor ; Adrian France, David Yacus, trombones basses ; Jean-Marc Aymes, Emmanuel Mandrin, orgues positifs ; La Fenice ; Jean Tubéry, direction, 3 min 27 sec
Ricercar chromatico per organo / Girolamo Frescobaldi ; Emmanuel Mandrin, orgue positif ; La Fenice ; Jean Tubéry, direction, 2 min 31 sec
Sonata pian'e forte, in due cori / Giovanni Gabrieli ; Jean Tubéry, Doron Sherwin, Frithjof Smith, cornets à bouquin (cornetti) ; Emmanuel Mure, cornet à bouquin alto et ténor ; Simen Van Michelen, trombone alto (sacqueboute) ; Fabien Cherrier, Jacques Henry, Stefan Legée, trombones ténor ; Adrian France, David Yacus, trombones basses ; Jean-Marc Aymes, Emmanuel Mandrin, orgues positifs ; La Fenice ; Jean Tubéry, direction, 3 min 43 sec
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Canzon ottava in due cori (sopra "Passus duriusculus") / Giovanni Gabrieli ; Jean Tubéry, Doron Sherwin, Frithjof Smith, cornets à bouquin (cornetti) ; Emmanuel Mure, cornet à bouquin alto et ténor ; Simen Van Michelen, trombone alto (sacqueboute) ; Fabien Cherrier, Jacques Henry, Stefan Legée, trombones ténor ; Adrian France, David Yacus, trombones basses ; Jean-Marc Aymes, Emmanuel Mandrin, orgues positifs ; La Fenice ; Jean Tubéry, direction, 5 min 49 sec
Per Bastiana Tai-Yang Cheng : L'Oriente è rosso, pour bande magnétique et instruments / Luigi Nono ; Orchestre National de Lyon ; Thierry Fischer, direction, 15 min 58 sec
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Cité de la musique
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Concert (partie)
Concert (partie)
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Aria "Del goder", extrait de "Arsilda, Regina di Ponto" RV 700 (acte I, scène 2)
Aria "Del goder", extrait de "Arsilda, Regina di Ponto" RV 700 (acte I, scène 2)
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Musique baroque
Musique baroque
Opéra
18ème siècle
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Antonio Vivaldi
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Nathalie Stutzmann, contralto, direction
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Paris
Cité de la musique
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2011
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Archivé à la Cité de la musique
Vivaldi, Antonio
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Aria
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Opéra
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Musique baroque
Aria
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Opéra
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Aria
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Opéra
Extrait
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Opéra
Extrait
Arsilda, regina di Ponto
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Masculin / Féminin - Castrats Divas : concert enregistré à la Cité de la musique le jeudi 17 novembre 2011 (20h, salle des concerts) / [Auteurs divers] ; Orfeo 55 ; Nathalie Stutzmann, direction, contralto, 1h 21 min 53 sec
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LIBRE
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<div class="border-gris"><img alt="Orgue de salon - Musée de la musique" src="https://drop.philharmoniedeparis.fr/content/musee/thematiques/concert/orgue_de_salon_e_232_31934.jpg" height="234" width="234" /> <p class="describe">Une sélection par le détail d’œuvres du Musée de la musique sur le thème du concert.</p> <p><a class="btn btn-default ext-link--collecMusee" role="button" title="En savoir plus" href="https://collectionsdumusee.philharmoniedeparis.fr/le-concert.aspx">En savoir plus</a></p> </div>
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La boîte à outils : Venise et Vivaldi
Une sélection de ressources (fiche œuvre, page portrait) pour préparer le concert éducatif « Venise et Vivaldi » du 5 mars 2020 à la Philharmonie de Paris
fr
français
Cité de la musique, Philharmonie de Paris, concert éducatif, la boîte à outils, CMDP000010700, Venise et Vivaldi, Grande Messe vénitienne, canonical-edutheque
Page découverte,
Venise et Vivaldi,
Illustration : Julia Wauters Concert éducatifJeudi 5 mars 2020, Salle des concerts - Cité de la musique Les Arts FlorissantsPaul Agnew, direction Antonio VivaldiGrande Messe vénitienne (extraits) Qui mieux que Vivaldi pour incarner Venise, la Sérénissime ? Le célèbre compositeur des Quatre Saisons fut associé toute sa vie à l’Ospedale della Pietà, orphelinat vénitien dont la vocation principale était l'éducation musicale des jeunes filles pensionnaires. Successivement professeur de violon puis maître de concert à la Pietà, Vivaldi en fit un haut lieu musical de l’époque.Sous la direction de Paul Agnew et sur fond d’illustrations de la Venise baroque, les Arts Florissants invitent les élèves à découvrir Vivaldi et sa musique d’église. Voir la note de programme (au format PDF) ,
La musique à Venise de 1600 à 1750 Contexte La musique à Venise de 1600 à 1750 Consulter ,
Grande Messe vénitienne - Antonio Vivaldi Œuvre Grande Messe vénitienne - Antonio Vivaldi Consulter ,
Antonio Vivaldi Portrait de compositeur Antonio Vivaldi (1678-1741) Consulter ,
La boîte à outils : Venise et Vivaldi
La boîte à outils : Venise et Vivaldi
Cité de la musique, Philharmonie de Paris, concert éducatif, la boîte à outils, CMDP000010700, Venise et Vivaldi, Grande Messe vénitienne, canonical-edutheque
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Illustration : Julia Wauters Concert éducatifJeudi 5 mars 2020, Salle des concerts - Cité de la musique Les Arts FlorissantsPaul Agnew, direction Antonio VivaldiGrande Messe vénitienne (extraits) Qui mieux que Vivaldi pour incarner Venise, la Sérénissime ? Le célèbre compositeur des Quatre Saisons fut associé toute sa vie à l’Ospedale della Pietà, orphelinat vénitien dont la vocation principale était l'éducation musicale des jeunes filles pensionnaires. Successivement professeur de violon puis maître de concert à la Pietà, Vivaldi en fit un haut lieu musical de l’époque.Sous la direction de Paul Agnew et sur fond d’illustrations de la Venise baroque, les Arts Florissants invitent les élèves à découvrir Vivaldi et sa musique d’église. Voir la note de programme (au format PDF) ,
La musique à Venise de 1600 à 1750 Contexte La musique à Venise de 1600 à 1750 Consulter ,
Grande Messe vénitienne - Antonio Vivaldi Œuvre Grande Messe vénitienne - Antonio Vivaldi Consulter ,
Antonio Vivaldi Portrait de compositeur Antonio Vivaldi (1678-1741) Consulter ,
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Venise et Vivaldi,
Illustration : Julia Wauters Concert éducatifJeudi 5 mars 2020, Salle des concerts - Cité de la musique Les Arts FlorissantsPaul Agnew, direction Antonio VivaldiGrande Messe vénitienne (extraits) Qui mieux que Vivaldi pour incarner Venise, la Sérénissime ? Le célèbre compositeur des Quatre Saisons fut associé toute sa vie à l’Ospedale della Pietà, orphelinat vénitien dont la vocation principale était l'éducation musicale des jeunes filles pensionnaires. Successivement professeur de violon puis maître de concert à la Pietà, Vivaldi en fit un haut lieu musical de l’époque.Sous la direction de Paul Agnew et sur fond d’illustrations de la Venise baroque, les Arts Florissants invitent les élèves à découvrir Vivaldi et sa musique d’église. Voir la note de programme (au format PDF) ,
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